Das Wort dieses Montags ist für unser Wörterbuch etwas eigenartig: Stillleben. Wir werden gemeinsam die Geschichte seiner Affirmation und Verbreitung, seine Verwendung in Kunst und Tischlerei und auch einige interessante Kuriositäten entdecken.

Was ist Stillleben?

Beginnen wir jedoch zunächst mit der Definition. Stillleben ist die Darstellung von unbelebten Objekten, die traditionell hauptsächlich Blumen, Früchte, Blätter sind; Oft werden aber auch tote Tiere, Totenköpfe, Musik- oder andere Instrumente dargestellt. Es ist mit allen Maltechniken und auf allen Oberflächen gemacht: Fresken, vielleicht wie Trompe l’oeil, anstatt Öl auf Leinwand und Karton. Selbst Bildhauer haben sich in dieses Genre gewagt, hauptsächlich in Hoch- und Flachrelief, aber es gibt keinen Mangel an Allround-Beispielen. Schließlich sind Stillleben in der Tischlerei in den dekorativen Elementen der Einrichtung sehr häufig, sowohl in Intarsien als auch in Schnitzereien.

Eine Neugier auf Stillleben

Es ist interessant festzustellen, dass sich der Ausdruck Stillleben in Italien nicht nur lange nach der Festigung der Tradition der Darstellung unbelebter Objekte etabliert hat, sondern auch, dass in nordeuropäischen Ländern, sowohl im deutschsprachigen als auch im angelsächsischen Raum, das Äquivalent Stillleben oder noch Leben ist. Beide Ausdrücke spielen mit derselben Mehrdeutigkeit, um die schwierige Herausforderung des Künstlers aus entgegengesetzten Perspektiven zu unterstreichen. Das italienische Wort „Natur“ enthält in der Tat die Idee des Lebens, und fast immer werden die Blumen, Blätter und Früchte dargestellt, wenn sie noch „lebendig“ sind, aber geschnitten, also dem Tod nahe. Der Künstler hat die mühsame Aufgabe, sie durch sein Werk ewig zu machen. Der englische Ausdruck hingegen drückt genau den gleichen Prozess aus, aber mit mehr Betonung auf die Immobilisierung des Lebens. Aber jetzt sehen wir uns die Ursprünge und die jahrhundertealte Geschichte dieser Art von Wettbewerb in Schönheit und Harmonie zwischen Kunst und Natur an, von dem der Künstler eher ein Spielfeld als ein Spieler wird.

Was ist der Ursprung von Stillleben?

Spuren von Darstellungen von Gegenständen und winzigen oder natürlichen Dingen aus der ägyptischen, orientalischen, hellenistischen und römischen Antike sind uns überliefert. Insbesondere kennen wir die römische Tradition der Rhyparographie – Gemälde von Dingen von geringem Wert – und Xenia – Darstellung von Geschenken für Gäste – aber sie entsprechen nicht genau der modernen Vorstellung von Stillleben. In der Tat, nach dem mangelnden Interesse im Mittelalter für naturalistische Darstellungen, ist es aus dem fünfzehnten Jahrhundert, dass ein Interesse an den Objekten der natürlichen Welt im flämischen Geschmack und im goldenen Zeitalter der italienischen Intarsien wieder auftaucht. Doch erst am Ende des folgenden Jahrhunderts führen verschiedene Strömungen zum Glück des Stilllebens: die Wiederaufnahme klassischer Sujets, die „protowissenschaftliche“ Neugier auf die Erforschung der Natur, die Suche nach Einfachheit als Alternative zu früheren emphatischen Kompositionen. So verbreiteten sich an der Wende des sechzehnten und siebzehnten Jahrhunderts Gemälde von leblosen Themen des täglichen Lebens von Holland nach Italien. Trotz der Verachtung der zeitgenössischen Kritik überwiegen die Forderungen bürgerlicher Kunden, die das reduzierte Format und die häuslichen, säkularen Themen schätzen.

Stillleben in Italien

In Italien ist es möglich, die endgültige Bejahung des Stilllebens als Gattung von absolutem künstlerischem Wert genau zu datieren. Der Schlüsselmoment ist um 1596, als Kardinal Borromeo die Fiscella von Rom nach Mailand schicken lässt, heute bekannt als Canestra di Frutta , ein wunderbares Werk von Caravaggio, das heute noch in der Pinacoteca Ambrosiana aufbewahrt wird. Seitdem, während der 600er Jahre, trotz der anhaltenden Missverständnisse und Verunglimpfungen eines Teils der Bildwelt, übernahmen Stillleben die Oberhand. Diese Gattung reagierte, wie erwähnt, auch auf das Bedürfnis der neugeborenen wissenschaftlichen Mentalität, eine möglichst genaue Reproduktion von Pflanzen- und Tiermerkmalen zur Verfügung zu haben. Daneben verwenden diese Gemälde seit zwei Jahrhunderten jedoch auch allegorische Bezüge, die jedes Element mit einer bestimmten Bedeutung verbinden. Zum Beispiel evozierten Blumen mit ihrer Vergänglichkeit das Thema Vanitas, die Prekarität von allem. Im Allgemeinen ist das zentrale Thema die Erhöhung des Lebens, während es auch seine Vergänglichkeit betont. Berühmt in diesem Sinne ist wieder der Obstkorb von Caravaggio, in dem eine Reihe äußerst realistischer Details erkennbar sind: die Löcher in den Blättern, eine leichte Vergilbung von einem, die Faltung des Trocknungsbeginns, ein kleines Detail von Inacco auf dem rötlichen Apfel. Bis dahin stellten die Gemälde die Realität dar, die sie idealisierte, das Genie von Caravaggio bestand gerade darin, durch extremen Realismus das Thema des Lebens einzuführen, das, alternd, zerfallend, den Tod in sich selbst enthält.

Ein Beispiel für Stillleben

Stillleben erlebten im achtzehnten Jahrhundert eine Periode des relativen Niedergangs, aber große Meister wie Cezanne und Van Gogh stellten den Stillleben im neunzehnten Jahrhundert Kraft und Zentralität wieder her. Dieses Thema wird von vielen Künstlern bis heute nicht mehr behandelt, wie ein Gemälde zeigt, das kürzlich in unseren Lagern eingetroffen ist. Es ist ein Öl auf Leinwand , gemalt von einem Nachfahren des edlen Gonzaga, einem Maler des zwanzigsten Jahrhunderts. Autodidakt – oder besser, wie er sich selbst definiert hätte, Schüler der Natur – hat er seine charakteristische Eigenschaft im talentierten und geschickten Umgang mit Farben , die sich auch hier zu einer harmonischen und lebendigen Schönheit verbinden. Es scheint uns, dass dieser Feigenkorb einem Zuhause ein Gefühl von starker Wärme und Gastfreundschaft verleihen kann. Unter anderem ist es angesichts des Themas sehr schön, dass es uns gleich zu Beginn des Herbstes passiert ist, finden Sie nicht?