By Arianna
La palabra de este lunes es un poco particular para nuestro diccionario: naturaleza muerta. Descubriremos juntos la historia de su afirmación y difusión, su uso en el arte y en la ebanistería, y también algunas curiosidades interesantes.
¿Qué es la Naturaleza Muerta?
Antes de todo, sin embargo, empecemos por la definición. La naturaleza muerta es la representación de objetos inanimados, que tradicionalmente son principalmente flores, frutas, hojas; pero a menudo también se representan animales muertos, calaveras, instrumentos musicales u otros objetos. Se realiza con todas las técnicas pictóricas y en todas las superficies: frescos, quizás al estilo de trompe l’oeil, así como óleo sobre lienzo y tabla. También los escultores se han aventurado en este género, principalmente en alto y bajo relieve, aunque también existen ejemplos de escultura a gran escala. Finalmente, las naturalezas muertas son muy comunes en ebanistería en los elementos decorativos del mobiliario, tanto en intarsias como en tallados.
Una curiosidad sobre las Naturalezas Muertas
Es interesante observar que la expresión naturaleza muerta no solo se establece en Italia mucho después de que la tradición de representar objetos inanimados ya estuviera consolidada, sino que también en los países nórdicos, tanto germánicos como anglosajones, el término equivalente es still life o still leben. Ambas expresiones juegan con la misma ambigüedad para resaltar el difícil desafío del artista desde perspectivas opuestas. La palabra italiana «natura» de hecho encierra la idea de vida, y casi siempre las flores, las hojas y los frutos se representan en el momento en que aún están «vivos», aunque cortados, es decir, próximos a la muerte. El artista tiene la ardua tarea de hacerlos eternos a través de su obra. La expresión inglesa, en cambio, expresa exactamente el mismo proceso, pero enfatizando más la vida que queda inmovilizada. Ahora veamos el origen y la larga historia de esta competencia de belleza y armonía entre el arte y la naturaleza, en la que el artista es más un campo de juego que un jugador.
¿Cuál es el origen de las Naturalezas Muertas?
Nos han llegado rastros de representaciones de objetos y cosas pequeñas o naturales que datan de la antigüedad egipcia, oriental, helenística y romana. En particular, conocemos la tradición romana de la rhyparographia – pinturas de cosas de poco valor – y de los xenia – representaciones de los obsequios para los huéspedes – pero no corresponden exactamente a la concepción moderna de naturaleza muerta. De hecho, después del desinterés de la época medieval por las representaciones naturalistas, es a partir del siglo XV que resurge el interés por los objetos del mundo natural en el gusto flamenco y en la época dorada de la incrustación italiana. Pero solo al final del siglo siguiente varias tendencias contribuyen al éxito de la naturaleza muerta: la recuperación de los temas clásicos, la curiosidad «proto-científica» por la investigación de la naturaleza, y la búsqueda de simplicidad frente a las composiciones enfáticas previas. Así, entre los siglos XVI y XVII, desde los Países Bajos hasta Italia, se difunden pinturas de temas inanimados de la vida cotidiana. A pesar del desprecio de la crítica contemporánea, las demandas de los encargos burgueses, que apreciaban el formato reducido y los temas domésticos y laicos, fueron predominantes.
La Naturaleza Muerta en Italia
En Italia se puede fechar con precisión la afirmación definitiva de la naturaleza muerta como un género de valor artístico absoluto. El momento clave es alrededor de 1596, cuando el Cardenal Borromeo manda a traer desde Roma a Milán la Fiscella, hoy conocida como Canestra di Frutta, maravillosa obra de Caravaggio, aún conservada en la Pinacoteca Ambrosiana. Desde entonces, a lo largo del siglo XVII, a pesar de las persistentes incomprensiones y difamaciones de parte del mundo pictórico, las naturalezas muertas prevalecieron. Este género, como se mencionó, también respondía a la necesidad de la naciente mentalidad científica de contar con reproducciones lo más exactas posible de las características vegetales y animales. Sin embargo, junto a esto, estas pinturas durante dos siglos también utilizaron referencias alegóricas, vinculando cada elemento a un significado preciso. Por ejemplo, las flores, con su fugacidad, evocaban el tema de la vanitas, la precariedad de todo. En general, el tema central es la exaltación de la vida, subrayando al mismo tiempo su fugacidad. Famosa en este sentido es una vez más la Canestra di Frutta de Caravaggio, en la que se reconocen una serie de detalles extremadamente realistas: los agujeros en las hojas, un leve amarilleo en una, la curva del principio de la descomposición, un pequeño detalle de mordedura en la manzana rojiza. Hasta entonces, las pinturas representaban la realidad idealizándola; el genio de Caravaggio fue introducir, a través del realismo extremo, el tema de la vida que, siendo envejecimiento y descomposición, contiene en sí misma la muerte.
Un ejemplo de Naturaleza Muerta
Las naturalezas muertas vivieron un periodo de relativo declive en el siglo XVIII, pero grandes maestros como Cezanne y Van Gogh devolvieron vigor y centralidad a las naturalezas muertas en el siglo XIX. Este tema no ha dejado de ser explorado por muchos artistas hasta el día de hoy, como lo demuestra un cuadro que ha llegado recientemente a nuestros almacenes. Se trata de un óleo sobre lienzo pintado por un descendiente de los nobles Gonzaga, pintor del siglo XX. Autodidacta – o mejor dicho, como él mismo se definiría, discípulo de la Naturaleza – tiene como característica su talentosa y sabia gestión de los cromatismos, que también aquí se combinan para crear una armoniosa y dinámica belleza. Nos parece que este Cesto de Higos puede transmitir una sensación de gran calidez y acogida en una casa. Además, dado el tema, es muy curioso que haya llegado justo al inicio del otoño, ¿no lo creen?
