PEINTURES DU 19e SIECLE
 

Vièrge Marie avec Enfant

Huile sur faésite. Signée en bas à droite. Francesco Mazzucchi, artiste originaire de Pavie et actif en Lombardie, s'est principalement consacré à l'art sacré, laissant ses œuvres dans plusieurs églises de la région de Vigevano. Voici cette délicate et tendre représentation de la Vierge à l'Enfant, en couleur et en scène, qui montre la mère et l'enfant dans un moment d'intimité domestique, occupés à jouer avec les pigeons dans le jardin. Encadré.

Scène de siège

Huile sur toile. A l'extérieur des fortifications d'une ville, un chef, entouré de ses soldats, s'apprête à allumer la mèche du canon. L'armée défend la citadelle en dehors des murs et les soldats scrutent l'horizon à la recherche vers le bas: ce qui nous conduit à placer la scène sur les fortifications d'une ville, en particulier ceux de Gênes qui montent sur les montagnes derrière et à partir de laquelle les Génois défendait la ville des attaques de la mer; l'emplacement à Gênes est attesté par la bannière qui flotte au-dessus des murs, le drapeau Croce di San Giorgio (croix rouge sur fond blanc) de la République de Gênes. La forme de l'armure, des armes et des vêtements ferait référence au siège de Gênes en 1522. Il s'agit donc de la représentation au XIXe siècle d'un épisode historique, qui fait donc partie de cette production picturale répandue en Italie au XIXe siècle, inspirée par le nouveau roman historique proposé par la littérature. Au dos du cadre se trouve le nom G. Boni, accompagné d'un numéro faisant référence à la participation à une exposition officielle. Giovanni Boni fut un élève de l'Académie de Brera, en particulier un disciple de Giuseppe Sogni, un artiste qui, parmi les premiers, privilégiait la peinture historique dans ses déclinaisons romantiques innovantes. On ne sait pas grand-chose de Boni, ni du point de vue biographique ni de sa production. De son attribution certaine, nous ne connaissons que le Nu d'homme (académie peint) avec lequel il remporta le premier prix de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. L'œuvre exprime les figures et le pathétique de la scène avec une efficacité expressive ; les personnages au premier plan sont très bien caractérisés dans leurs poses, leurs expressions, dans les détails des vêtements et des armes, tandis que les autres personnages se fondent dans l'arrière-plan, suggérant la présence d'une grande armée. Le tableau, toujours sur la première toile, montre de petites gouttes diffuses de couleur. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture sous verre. L'œuvre semble composée d'une gravure appliquée sur le verre et peinte au dos. L'Apôtre Saint Pierre est représenté, attentif à la prière et écoutant la voix divine qui vient du ciel ouvert au-dessus de lui ; selon l'iconographie traditionnelle, Pierre a avec lui un trousseau de clés, signe de son investiture comme premier chef de l'Église, et un coq, qui rappelle au contraire l'épisode du reniement de Jésus : le Christ lui avait prédit que lors de sa Passion, Avant que le coq ait chanté, Pierre l'aurait renié trois fois, et il en fut ainsi.

Sculptures en bois. Il s'agit d'un assemblage encadré de deux têtes en bois, l'une mâle et l'autre femelle, vissées sur une table entourée d'un cadre doré adapté du XIXème siècle. Les deux têtes étaient probablement des poignées d'une commode du XVIIe siècle.

Huile sur toile. Il s'agit d'une représentation picturale d'un épisode tragique très probablement antisémitique. À droite un militaire en Russe uniforme, de retour à maison blessée, il se retrouve devant les yeux la scène dramatique de la famille massacrée, que le rabbin est en train de veiller en prière. La fenêtre cassé, les tiroirs retourné, montrent l'irruption forcée des assassins. À gauche du miroir nous trouvons une inscription en Hébreu qu'il pourrait suggérer la localisation ou la trace qui propose. Le mot pourrait être traduit avec du "Ciro", et il pourrait se référer à la zone de la Géorgie et Azerbaijan traversés par le Kura,fiume que de la Turquie il se jette dans le Mer Caspienne, note connue en le 800 comme Ciro. La peinture restaurée et réintolé est présenté en cadre de 800.

Crayon, fusain et mine de plomb sur papier. Signé E. Bianchi à gauche. L'utilisation de différents pigments picturaux est très efficace, créant un jeu de lumière et d'obscurité et soulignant bien les éléments de la figure. Le portrait est présenté dans un cadre en bois du XIXe siècle, agrémenté d'inserts en cuir en forme de feuilles et de fleurs, avec quelques petites chutes et manques.

Crayon, fusain et mine de plomb sur papier. Signé (Amalia Bianchi ?) et daté en bas à droite. L'utilisation de différents pigments picturaux est très efficace, créant un jeu de lumière et d'obscurité et soulignant bien les éléments des figures. Le portrait est présenté dans un cadre en bois du XIXe siècle, agrémenté d'inserts en cuir en forme de feuilles et de fleurs, avec quelques petites chutes et manques.

Scènes Pastorales

Huile sur panneau. Décoré de scènes pastorales sur fond monochrome vert clair, avec des couples, des enfants, des paysans individuels pris pendant de moments de repos et de conversation, à la manière des modèles du XVIIIe siècle. Probablement des panneaux en bois de portes de meubles, les tableaux ont été montés plus récemment sur des châssis en bois. Ils ont plusieurs chutes de couleur et des taches, en particulier au niveau de l'arrière-plan.

Huile sur toile. École d'Europe de l'Est. Signé Szego G. en dessous. Il s'agit de deux œuvres à proposer alignées car elles représentent un garçon et une fille allongés sur la même pelouse dans une position en miroir, comme s'ils se faisaient face, vraisemblablement en quête d'un jeu amoureux : ils portent des vêtements gitans et ont des instruments de musique avec eux - elle un tambourin et lui un violon - qui font référence à deux personnages d'ethnie slave, issus du monde gitan. L'ensemble est vivant et serein. Les deux œuvres sont présentées dans des cadres stylés.

Vierge à l'Enfant 1891

Peinture à l'huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche. Le peintre vercellien Giuseppe Gennaro a créé des sujets sacrés, ainsi que des portraits et des scènes de genre. Ici est proposée une Vierge à l'Enfant, dans laquelle la position de Jésus évoque la Croix, que Marie aide à tenir. L'œuvre est présentée dans un cadre doré contemporain.

Crayons sur carton. Elégant portrait de jeune femme, avec une guirlande florale en guise de collier. Présenté dans un cadre doré contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Dans une cuisine rurale, une famille paysanne s'accorde un moment de fête : le père joue de la mandoline, écouté par la petite fille qui semble vouloir danser, assistée par sa mère, et par les autres femmes de la maison, souriantes comme ils accomplissent leurs tâches domestiques. La production du peintre napolitain Giuseppe Giardiello s'est toujours tournée vers le folklore de la vie rurale et paysanne napolitaine, peignant, avec des tons intimes et délicats, aussi bien des scènes de la vie domestique que des paysages animés par des personnages. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Intérieur d'un Ferme

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'œuvre avait déjà été acquise lors de la vente aux enchères Sotheby's à Milan le 12/10/2007. Il a été exposé en 1991 dans l'exposition "Giovanni Sottocornola. Images d'une collection" organisée à Milan à la Galerie Silbernagl. Après une première phase picturale consacrée aux portraits et aux natures mortes, Giovanni Sottocornola aborde dans les années 1880 des thèmes sociaux, qui deviennent les sujets de prédilection des jeunes peintres lombards attentifs aux aspects les plus misérables de la société, liés à l'adoption de techniques artistiques originales. Sottocornola embrasse la pratique de la peinture pointilliste, à propos de laquelle il écrit en 1895 : « Pour l'instant, c'est certain, je suis convaincu qu'il n'y a pas d'autre tableau plus propre à transmettre certaines sensations que celui-ci ». Cependant, ce type de peinture est resté entièrement axé sur la lumière par l'artiste, sur ses vibrations tonales incertaines, comme c'est le cas dans l'Intérieur Stable, réalisé vers la fin des années 1980, où le jeu d'ombre et de lumière joue et crée les effets visuels dans les touches de couleur jouées sur quelques gammes chromatiques, celles des bruns, exprimées dans une grande multiplicité de nuances. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Marie Dolente

Bas-relief en marbre. Signature gravée dans la marge gauche. Né à Cannobbio (sur le lac Majeur), Giulio Branca a été initié à l'art par le sculpteur cannobien Bergonzoli, et a ensuite fréquenté l'école de nu et de sculpture de G. Strazza à l'Académie de Brera. Né à Cannobio le 13 décembre. 1850 de Ludovico, initié à l'art par le sculpteur cannobien Bergonzoli, fréquente l'école de nu et celle de sculpture de G. Strazza à l'Académie de Brera. Il a réalisé environ quatre cents sculptures, dont des monuments commémoratifs, des monuments funéraires et des portraits en buste. Branca a également participé, à la suite d'un concours, à l'achèvement de ce haut mur de la cathédrale de Côme qui est resté inachevé pendant des siècles, en sculptant diverses figures de marbre blanc sur la façade et l'autel entre 1897 et 1900. L'œuvre présentée est un bas-relief représentant, à mi-corps, la Vierge des Douleurs flanquée de deux femmes pieuses. Il est présenté dans un cadre de support en bois contemporain de la fin du XIXe-début du XXe siècle.

Huile sur table. Le tableau reproduit picturalement la célèbre sculpture de Michel-Ange, la Pietà de San Pietro ou Pietà Vaticana. La composition des personnages est assez fidèle à l'ouvrage de référence, mais, en plus d'être peinte en couleur, elle est placée dans un décor à ciel ouvert qui renvoie à la peinture de la Renaissance, avec la colline du Calvaire émergeant en ombre sur la gauche. Un blason est peint en bas à gauche, évoquant un patronage noble. L'oeuvre est présentée dans un cadre d'époque. Il a plusieurs taches et petites gouttes de couleur.

Vue avec Ruines

Aquarelle sur papier. Signé en bas à droite. Salomon Corrodi s'est imposé comme peintre paysagiste, créant une importante production de vues notamment de la campagne romaine, mais aussi de la côte amalfitaine, de Naples, de la Riviera ligurienne, qui connut un large succès dans toute l'Europe. Il préfère la technique de l'aquarelle. Le tableau présente des traces de casse, à restaurer. L'oeuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Le portrait du jeune homme, élégamment vêtu, est inscrit dans un contour ovale. Il y a de légères gouttes de couleur et des signes d'affaissement de la toile. Il a donc besoin d'être restauré. Elle est présentée dans un cadre contemporain, avec divers signes d'usure, à restaurer.

Huile sur tablette. Signé en bas à droite. Il s'agit de trois petits tableaux proposant des aperçus de paysage, réalisés dans le style naturaliste typique de Lorenzo Gignous : les deux latéraux, mesurant 24 x 30 cm, proposent le sujet le plus récurrent dans la production de l'artiste lombard, à savoir des aperçus du lac Majeur, animés par la pêche bateaux; au centre un paysage plus petit (18 x 25 cm) avec un groupe d'arbres dans la campagne. Les trois petits tableaux sont présentés dans un seul cadre contemporain.

Huile sur table. Le paysage pittoresque a un large chemin au premier plan sur la droite qui serpente entre les frondaisons et les vertes prairies, où paissent les troupeaux ; une petite famille de paysans passe le long du chemin, tous engagés dans le transport de marchandises : même la fille porte un gros paquet sur la tête, tandis que la mère porte le panier avec son fils nouveau-né de la même manière ! Au fond, la plaine s'étend largement pour s'estomper vers les collines lointaines et dans le ciel clair et raréfié, qui dégage une lumière presque rose. Le tableau en sapin du tableau a fait l'objet d'une restauration et d'un parquetage. L'œuvre est présentée dans un cadre du milieu des années 1900.