Mythologischem Motiv Öl auf Leinwand Italien XVII Jhd - Die Geschichte von Apollo und Marsyas

Ölgemälde auf Leinwand. Das große Gemälde erinnert an die Bildtechniken des 17. Jahrhunderts, stammt jedoch aus einer späteren Zeit und wurde auf einer Leinwand geschaffen, die auf eine ältere Leinwand aufgetragen wurde. Die Szene erzählt die biblische Episode (aus dem Buch der Könige), die ausführlich bildlich erzählt wird und das Bad von Bathseba, der Frau von General Uria, im Dienst von König David zeigt. Der biblischen Geschichte zufolge befindet sich David auf der Terrasse seines Palastes, als er die Frau bemerkt, die im Garten ihres Hauses badet, umgeben von ihren Dienerinnen. Davide verliebt sich in sie, verführt sie und macht sie schwanger. Um das Verbrechen zu verbergen, ruft er General Uriah von der Front zurück, um ihn zu zwingen, sich zu seiner Frau zu legen, doch Uriah will seine Soldaten nicht verlassen; Dann schickt David ihn zum Kampf an die Front, in der Hoffnung, dass er getötet wird: Dies geschieht und David kann Bathseba heiraten, aber er wird von Gott für den begangenen Ehebruch und die Gottlosigkeit bestraft. Das Gemälde zeigt den Moment, in dem Bathseba, gerade aus dem Badezimmer kommend, während sie sich im Spiegel einer Sklavin spiegelt und von anderen Dienern umgeben ist, die Nachricht liest, die König David ihr geschickt hat; Letzterer erscheint oben rechts mit Blick auf die Terrasse. Die Szene wird dominiert von ineinander verschlungenen weiblichen Figuren, in einem Gewirr aus Kleidern und Stoffen und umgeben von Blumen aus dem Garten; in der Mitte steht der Spiegel in einem satten Goldrahmen. Das Gemälde hat unten rechts einen Fleck. Es wird in einem antiken vergoldeten Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Mittelitalienische Schule des 17. Jahrhunderts. In seinem Bildstil erinnert das Gemälde an das Schaffen von Angelo Caroselli (1585-1652), einem römischen Barockkünstler, der Maler, Kopist, Restaurator, aber auch Pasticheur und Kunstkenner, also Schöpfer von Gemälden „in der Art von“ war " - in „Technik“ und im „Stil“ einer bestimmten künstlerischen Epoche oder eines bestimmten Autors, sogar durch Zusammenfügen von „Teilen“ aus verschiedenen Gemälden. Zunächst caravaggesk, entwickelte Il Caroselli später seine ganz persönliche künstlerische Sprache, die von vielen kleineren Künstlern kopiert wurde. In diesem Werk sticht die starre und fast verärgerte Ausdruckskraft der Figur hervor, deren Eleganz der Kleidung aus dem 17. Jahrhundert und die fast weiblichen Züge des Gesichts mit seinem rosigen Teint im Kontrast zur Grobheit von Goliaths blutigem Kopf mit der großen Stichwunde stehen das sich von der sterblichen Blässe abhebt. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert, wobei der ursprüngliche Holzrahmen erhalten blieb. Es wird in einem modernen Holzrahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die Szene spielt sich in der Nähe eines Militärlagers ab: Vor einem Zelt auf der linken Seite nimmt ein Heerführer, wahrscheinlich ein Grieche, Opfergaben von einer Gruppe armer und zerlumpter Männer entgegen, die sich vor dem neuen Herrn niederwerfen; der erste hält ein paar Brote hin, ein anderer holt etwas aus einem Sack, der dritte zeigt die Wunden an seinem Körper und bittet um Gnade; Hinter ihnen nähern sich weitere Bettlerfiguren, die eine vereinzelte Linie auf dem Weg bilden und rechts in der Ferne verschwinden. Im Hintergrund links ist das geschäftige Leben im Militärlager zu sehen. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert.

Anhänger von Peter Paul Rubens

Öl auf Leinwand. Das Gemälde geht auf das Werk von Rubens (1577–1640) zurück, das im Prado-Museum in Madrid aufbewahrt wird und in einem Stich von Paulus Pontius (1603–1658) reproduziert wurde, wie es auch in dieser Version erscheint. Die Figur Mariens nimmt die vertikale Mitte der Szene ein, deren Gesicht von dem von Isabel Brandt inspiriert wurde, der ersten Frau des flämischen Malers, die 1626 im Alter von nur 35 Jahren starb. Die Madonna hält das Jesuskind in ihren Armen, das ihr zärtlich, aber ernst in die Augen blickt, während eine kleine Hand auf die nackte Brust seiner Mutter gelegt wird, von der es gerade Nahrung erhalten hat; Hinten, stehend, umarmt die heilige Anna die Schultern ihrer Tochter und ihres Enkels in einer zärtlichen und beschützenden Umarmung und lächelt selbstgefällig: Auf der linken Seite, ein wenig getrennt und im Dunkeln, schaut Joseph nachdenklich und besorgt zu: die einzige menschliche Figur, die das nicht tut Treten Sie ein in das Licht, das vom Gesicht des Kindes ausgeht und auf das Gesicht Mariens und durch Reflexion auch auf das Gesicht der Heiligen Anna strahlt. Im Vergleich zum Werk des Meisters wird die Zusammensetzung der Figuren respektiert, einige Details weichen jedoch ab, insbesondere in der Kleidung der Heiligen Anna, Mariens und in der Drapierung, die die Hüften des Kindes umgibt, was die Hypothese stützt, dass es sich um ein Werk handelt ein Anhänger des flämischen Meisters. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde ist in gutem Zustand und weist lediglich einen Farbkratzer oben in der Mitte auf.

Ölgemälde auf Leinwand. Mittelitalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Die ungewöhnliche und besondere Darstellung zeigt auf der linken Seite die drei Figuren der Heiligen Familie, wobei Jesus bereits ein Kind ist, am Tisch sitzt und das einfache Mahl segnet, das sie gerade zu sich nehmen werden (bestehend aus Obst und Brot); Die Szene, ein Thema, das eher selten dargestellt wird und im Allgemeinen aufgrund der Anwesenheit von Engeln, die der Familie Essen servieren, einen eher heiligen Charakter hat, hat hier stattdessen den Beigeschmack einer ganz normalen und einfachen häuslichen Intimität. Stattdessen sticht alles rund um die Heilige Familie majestätisch hervor, der Blick auf eine Renaissance-Stadt mit hohen Gebäuden mit Loggien und Kolonnaden, dargestellt in einem wunderschönen perspektivischen Effekt, der unten rechts zu den Eingangsmauern eines reichen Gebäudes führt Stadt mit Türmen, wahrscheinlich Jerusalem. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

D. Lupini Attr.

Öl auf Leinwand. Das Gemälde stellt eine Episode der römischen Mythologie dar und bezieht sich auf die junge römische Heldin Clelia, die zusammen mit anderen Mädchen während der Friedensverhandlungen mit der Stadt dem etruskischen König Porsenna als Geisel gegeben wurde; Clelia gelang jedoch die Flucht, indem sie über den Tiber schwamm. Porsenna forderte ihre Rückgabe an die Römer, die ihr zustimmten, aber bewundert von ihrem Heldentum, beschloss er, sie zu befreien und erlaubte ihr, andere Gefangene mitzubringen, die Clelia unter den Jüngsten auswählte. Der im Gemälde dargestellte Moment ist genau der der Überquerung des Flusses, dessen Personifikation rechts im Vordergrund in der Figur des grauhaarigen alten Mannes zu sehen ist, begleitet von einer jungen Frau mit dem Füllhorn. Die Szene ist sehr dynamisch, wobei Clelia und die anderen Mädchen eine große und lebhafte Gruppe um das Pferd bilden, auf dem die Protagonistin reitet, wie einige Versionen der Geschichte erinnern; dahinter die Zelte des Lagers des etruskischen Königs mit einigen Soldaten. Auf der anderen Seite des Flusses befindet sich eine weitere Gruppe von Frauen, die die Überfahrt bereits geschafft haben, während im Hintergrund die klassisch anmutende kapitolinische Stadt zu sehen ist. Das Werk wird, wie eine kleine Schriftrolle bezeugt, Domenico Lupini zugeschrieben, einem Künstler, über den nicht viel bekannt ist, dessen Wirkungskreis aber zwischen Bergamo und Venedig vermutet werden kann. Die einzigen beiden signierten Werke sind eine „Bekehrte Magdalena“ und eine „Verkündigung“, aber auch andere Werke wurden ihm von der Gelehrten Federica Nurchis zugeschrieben und im Kloster Santa Chiara in Bergamo aufbewahrt. Das Gemälde weist eine warme und raffinierte Chromatik auf, die zusammen mit der Eleganz der Figuren und der Kompositionsmethode für Lucini an einen venezianischen Aufenthalt denken lässt, der an die Atmosphären von Tintoretto, Veronese und Palma il Giovane zu erinnern scheint. Das Gemälde weist Restaurierungs- und Unterfütterungsspuren auf.

Ölgemälde auf Leinwand. Emilianische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Hierbei handelt es sich um eine antike Kopie des berühmten Tafelgemäldes von Correggio mit dem Titel „Die Madonna von San Girolamo oder Il Giorno“, das aus der Zeit um 1528 stammt und heute in der Nationalgalerie von Parma aufbewahrt wird. Gegenstand der Darstellung ist die Präsentation des Heiligen Hieronymus vor Jesus über die Übersetzung der Bibel aus dem Hebräischen ins Volkslatein, ein Werk, das der Heilige im Auftrag von Papst Damasus durchführte und das er vollbrachte, indem er sich in der Einsamkeit in der Höhle von Bethlehem einschloss . Im Mittelpunkt des Gemäldes steht die sitzende Maria mit dem Jesuskind im Arm, um die sich im Halbkreis verschiedene Figuren gruppieren. Auf der linken Seite steht die mächtige Gestalt des alten Hieronymus, der das Kind anschaut, während er die Übersetzungsrolle in der Hand hält, während der Löwe, sein Einsiedlergefährte, zu seinen Füßen kauert. Auf der gleichen Seite hält ein Engel die Bibel und spricht lächelnd die Madonna mit Kind an. Auf der anderen Seite liegt Magdalena halb zurückgelehnt und umarmt liebevoll den Fuß des Babys, das wiederum ihr Haar streichelt, in einer intimen Geste, die die intensive Bindung zwischen den beiden Figuren unterstreicht. Hinter Magdalena rümpft ein kleiner Engel die Nase und schnüffelt am Salbglas des büßenden Heiligen. Die Szene befindet sich unter einem roten Vorhang, der den Blick auf eine große Landschaft freigibt. Correggios Gemälde war ein großer Erfolg, so dass zahlreiche Kopien und antike Nachbildungen existieren, darunter auch dieses hier vorgestellte. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem antiken zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Neapolitanische Schule des 17. Jahrhunderts. Eine Komposition aus bunten Blumen in hellen Farbtönen steht in einer Vase, die wie der Hintergrund schwarz ist, auf einem Marmorsockel, von dem nur der Sockel zu unterscheiden ist, da er mit einem ebenfalls schwarzen Stoff überzogen ist, von dem nur der Sockel schwarz ist Die goldenen Verzierungen stechen hervor und sind bereit, ein Spiel mit Kurven zu schaffen. Auf beiden Seiten der Oberseite ruhen zwei Vögel, links eine große Taube, die im Schnabel einen aus der Komposition gestohlenen Zweig hält, und rechts ein Rotkopfspecht. Am linken Rand öffnet sich eine Landschaft mit einem hohen, gebogenen Baum unter einem dunklen Himmel und einer Stadt im Hintergrund. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Kupfer. Flämische Schule des 17. Jahrhunderts. Das Gemälde, das mündlich Frans Francken dem Jüngeren (1581–1642) zugeschrieben wird, zeigt eine von Jesus vollbrachte wundersame Heilung: Während er mit seinen Jüngern geht, trifft er auf seinem Weg auf einen kranken Mann, der wahrscheinlich an Lepra leidet, einer Krankheit, die damit verbunden ist Isolation und Vertreibung aus der Stadt; Der Mann ruft Christus an, der das Wunder vollbringt und ihn heilt. Das Gemälde platziert das Ereignis am linken Rand der Szene im Vordergrund, wo die im typischen Stil der Zeit Christi gekleideten Figuren durch ihre leuchtenden Farben hervorstechen; Darüber hinaus ist die Landschaft, die den Rest der Szene ausfüllt, eindeutig nordisch, mit einem Fluss voller Wasser, der in einer Landschaft voller Vegetation fließt, und einer Stadt im Hintergrund unter Berggipfeln. Die bildliche Beschreibung der Vegetation ist akribisch und präzise, ​​reichhaltig und detailliert im Detail: der gebrochene Stamm im Vordergrund, die Wedel des großen Baumes hinter den Figuren, die hoch am Himmel fliegenden Vögel, die kleinen Blumen am Ufer Die Nuancen des Wassers, in dem sich Pflanzen und Wolken spiegeln, sind mit einer für die flämische Malerei typischen malerischen Raffinesse gemalt, die im Stil dem des großen Antwerpener Künstlers ähnelt. Das Gemälde wird in einem umfunktionierten antiken Rahmen präsentiert.

Kopie von Guido Reni

Ölgemälde auf Leinwand. Das Werk ist eine der zahlreichen Nachbildungen des berühmten Bologneser Malers Guido Reni (1574–1642) und seiner Werkstatt mit einigen Variationen. Die Komposition, in der die betende Jungfrau das schlafende Kind anbetet, gilt als eine Erfindung der brillanten Ader Renis, die nach dem großen Erfolg unter den damaligen Sammlern dann von anderen Autoren des 17. Jahrhunderts aufgegriffen wurde , unter denen der Name Giovan Battista Salvi, bekannt als „Il Sassoferrato“, hervorsticht. Die beiden berühmtesten Varianten dieser faszinierenden Szene zeigen die Jungfrau mit zum Gebet gefalteten Händen, die von Salvi übernommen wurde, oder die mit den Händen auf der Brust, wie diese, typischerweise von Reni. Andere Variationen betreffen die Position des Kopfes des schlafenden Christkindes, der wie in dieser Version nach oben gedreht und nicht zur Seite geneigt ist; Endlich ändern sich die Hintergrundstoffe. Doch auch in dieser Nachbildung sticht die Intensität der Szene hervor: Sie wird quer durch den ruhenden Körper des Kindes eingenommen, wo die göttliche Natur der menschlichen im Schlaf unterworfen ist; darüber, in einer schützenden und zugleich kontemplativen Geste geneigt, der Körper Mariens, der die ganze mütterliche Zärtlichkeit, aber auch in der Geste der Hände die Anbetung des fleischgewordenen Geheimnisses zum Ausdruck bringt, das der kleine Sohn darstellt. Die lebhaften Farben der Stoffe – das Kissen, auf dem Jesus liegt, der Vorhang dahinter, die Kleidung der Mutter – bringen die Helligkeit der Fleischtöne zur Geltung. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Landschaft mit Figuren

Ölgemälde auf Leinwand. Die große Komposition stellt eine Landschaft mit einem großen Baum in der Mitte dar. Mit seinen spärlichen Ästen die darunter liegende Landschaft zu überragen, die von einem Bach durchzogen und von verschiedenen Gestalten geschäftiger oder ruhender Bürger belebt wird; Oben rechts steht eine Festung, die das Tal dominiert. Das bereits Peruzzini aus den Marken zugeschriebene Gemälde lässt sich aufgrund der schnellen und schlecht aggregierten Bildstriche durchaus auf dessen Umfeld zurückführen. Antonio Francesco spezialisierte sich auf die Landschaftsmalerei und stand unter dem Einfluss von Salvator Rosa und Landschaftsmalern wie Pietro Montanini und Pandolfo Reschi. Weitere Einflüsse erhielt er auch von in Italien tätigen nordischen Malern, vor allem von Pieter Mulier, bekannt als il Tempesta. Schon in seinen ersten Werken erkennt man die Originalität seiner Malerei durch eine schnelle Zeichnung und ein intensives und brillantes chromatisches Timbre. Die lange künstlerische Verbindung zwischen Antonio Francesco Peruzzini und Alessandro Magnasco begann Anfang der 1990er Jahre nach ihrer Begegnung in Mailand, wo Peruzzini sich niedergelassen hatte; Von dieser Zeit an scheint seine Malerei auseinanderzufallen, durch Formen, die dynamischer und leichter werden, fast phantastisch, um schließlich zu einem Stil zu gelangen, der durch eine immer stärkere Auflösung der Formen der Natur und ihrer Bewegung gekennzeichnet ist. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Allegorien der Klugheit und Gerechtigkeit

Öl auf Leinwand. Italienische Schule des 17. Jahrhunderts. Die beiden Gemälde gehören wahrscheinlich zu einer Gruppe, die die vier Kardinaltugenden Gerechtigkeit, Klugheit, Mäßigkeit und Tapferkeit darstellt. Die Allegorien werden in weiblichen Figuren dargestellt und tragen einige der attributiven Symbole der Tugenden, die sie darstellen. Gerechtigkeit wird an den beiden häufigsten Attributen erkannt: dem Gleichgewicht, Symbol für Gerechtigkeit und Ausgeglichenheit, und dem Schwert, Zeichen der Verteilungsmacht. Klugheit bringt auch zwei Symbole mit sich: einen Spiegel, ein Symbol der Umsicht, das es uns ermöglicht, die Fallstricke des Bösen zu vermeiden (es ermöglicht uns, hinter uns zu schauen) oder sogar ein Symbol der Selbsterkenntnis; und eine Schlange, Symbol der Ewigkeit und Zeit, aber auch ein Symbol der Klugheit (im Evangelium sagt Jesus: „Ich sende euch wie Schafe inmitten der Wölfe; seid also klug wie Schlangen und einfach wie Tauben“). Die beiden zuvor restaurierten und unterfütterten Leinwände sind in gutem Zustand. Sie werden in einem antiken geschnitzten und lackierten Holzrahmen präsentiert, mit aktuellen kleinen Mängeln und Beschädigungen.