Spiegel aus den 60ern

Innenraum mit Ofen 1946

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Das Werk gehört zur ersten Periode des Florentiner Künstlers, der noch dem Figurativen nahe stand, bevor er sich endgültig dem Abstraktionismus widmete, insbesondere dem klassischen Abstraktionismus, zu dessen Unterzeichnern er im Manifest von 1950 gehörte. Das Werk ist vom Postkubismus beeinflusst, in der Darstellung eines figurativen Subjekts, das nicht wie im Kubismus zerlegt ist, sondern durch einfache geometrische Linien hervorgehoben und unterstrichen wird, die unterschiedlich zusammengesetzt, sich überschneidend und auf verschiedene Weise ausgerichtet sind und sich auf erkennbare, aber abgebildete Objekte beziehen nicht als Kopien der Realität, sondern als formale Konzepte. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Komposition mit Brot und Tomaten

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert. Auf der Rückseite befindet sich der Stempel des Künstlers auf dem Rahmen. De Bernardis Gemälde ist Teil der lombardischen Landschaftstradition des 19. und 20. Jahrhunderts. Er lebte immer in Besozzo, seiner Heimatstadt in der Provinz Varese, reiste jedoch viel, in Italien und außerhalb Italiens, sammelte Eindrücke und suchte nach neuen Landschaften, um sie in seiner Arbeit noch einmal zu erleben. Er bevorzugte die Landschaftsmalerei, auch wenn sie in seinen verschiedenen Bildphasen einen wechselnden Stil zum Ausdruck brachte. In seinem Schaffen mangelt es nicht an Stillleben, die hauptsächlich bis in die 1940er-Jahre zurückreichen, sorgfältig gestaltete Kompositionen, die darauf abzielen, die Probleme des Lichts und der atmosphärischen Tiefe mit Beweglichkeit und Frische anzugehen, wie in dieser Präsentation von Brot und Tomaten auf einem rustikalen Tisch. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen präsentiert.

Suspensionsstudie 1992

Mischtechnik auf Papier. Titel, aber unten lesbar; auf der Rückseite Künstlerstempel mit Unterschrift, Datum und Titel (Pour poissons – Studio Suspension). Caccioni, ein in Bologna geborener, ausgebildeter und noch immer lebender Künstler, ist einer der Protagonisten einer Generation, die nun eine endgültige sprachliche Reife erreicht hat und einen wichtigen Platz im zeitgenössischen Kunstpanorama einnimmt. In seiner Forschung verwendet er vor allem ungewöhnliche Materialien wie Acetate, PVC und in jüngerer Zeit auch szenische Hintergründe aus Theaterstücken des 19. Jahrhunderts, in die er eingreift, indem er Formen malt, die seiner persönlichen Erinnerung und Vorschlägen aus verschiedenen Kulturen und historischen Epochen entnommen sind. Ein wiederkehrendes Element im Werk von Luca Caccioni ist das Schreiben, ein selbstbedeutendes Zeichen, das das Werk gestaltet und in der Lage ist, Gedanken zu erzählen; Durch Überlagerung entstehen die Bilder durch Addition oder Subtraktion von Farben auf den verschiedenen Trägern. Im Rahmen arbeiten.

Vis à Vis 1963

Mischtechnik (Marker, Aquarell) auf Papier. unten rechts signiert und datiert. Jean Cocteau war ein vielseitiger Künstler: Schriftsteller, Dramatiker, Dramatiker, er beschäftigte sich auch mit bildender Kunst und experimentierte gerne mit allen Avantgarden seines Jahrhunderts. Cocteau veröffentlichte sein erstes Buch mit Zeichnungen im Jahr 1923, im Alter von nur 36 Jahren. Darin porträtierte der Dichter seine Freunde Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, aber auch zahlreiche Szenen des Pariser Alltags, Nijinskis russische Ballette, Allegorien, Karikaturen, poetische Bilder. Cocteau erweist sich als talentierter Zeichner, vor allem aber als Künstler, der in der Lage ist, das Wesentliche von Gesichtern, Verhaltensweisen und menschlichen Schwächen einzufangen. In seiner Bildproduktion taucht das Thema des Gesichts wieder auf, oder besser gesagt der Gesichter, oft zwei einander gegenüberstehende Profile. 1962 vollendete der Künstler die Schaffung des Freilichttheaters in Cap d'Ail an der französischen Mittelmeerküste, dessen Boden mit diesem Motiv verziert ist: zwei einander zugewandte Gesichter mit griechischem Profil, dazwischen ein Auge; Das Thema wurde dann von ihm in der folgenden Zeit – und zwar in der Zeit kurz vor seinem plötzlichen Tod – mit verschiedenen Variationen erneut vorgeschlagen. In der hier präsentierten Zeichnung finden wir die beiden griechischen Profile, getrennt durch das dritte Auge, aber auch durch zwei gedrehte Schlangen, während in der Zeichnung des Theaters Blätter zu sehen sind. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Nordeuropäische Schule aus dem frühen 20. Jahrhundert. Unten rechts unbekannte Signatur. Die Landschaft stellt einen Blick auf eine unbebaute Landschaft dar, mit Vegetationsstücken, Wiesen voller Heidekraut, durchquert von einem Weg, der zu den nahegelegenen Hügeln führt und an einem Stall vorbeiführt. Das Werk hat oben in der Mitte einen kleinen Einschnitt. Es wird in einem Rahmen präsentiert.

Die Freuden der Mutter

Öl auf Leinwand. Anfang des 20. Jahrhunderts. Das Gemälde erinnert sehr detailliert an das gleichnamige Werk aus der Zeit um 1866. vom emilianischen Maler Gaetano Chierici, einem Künstler, der sich mit einer großen Produktion von Szenen aus dem bäuerlichen Leben einen Namen gemacht hat, festgehalten in rustikalen Innenräumen, interpretiert durch eine innige sentimentale Verbundenheit und einen klaren formalen Realismus, die von einer kleinen Welt erzählen, die glücklich und ewig ist heiter, ja oft trotz der Armut fröhlich, weil es keine gesellschaftliche Denunziationsabsicht gibt, sondern vielmehr die glückliche Vorstellung von Familie repräsentiert, die der Künstler hatte. Seine Gemälde waren beim damaligen Bürgertum so erfolgreich, dass sie in der eigenen Werkstatt des Künstlers und später auch von anderen Malern mehrfach reproduziert wurden. Chierici spielt die Szene fast immer in einer bescheidenen Bauernküche, voller Gegenstände, die bis ins kleinste Detail beschrieben werden, bevölkert von Kindern, die ihren täglichen Aktivitäten nachgehen, und von Erwachsenen, die sie glücklich und amüsiert betrachten: In dieser Szene, die an einem armen Ort spielt, a Eine sitzende Frau dreht sich und blickt die beiden kleinen Kinder mit zärtlich amüsiertem Lächeln an, das ältere steht da und stiehlt dem Kleinen den Schnuller, der auf einem Bett aus Decken auf dem Boden liegt und seine Händchen nach seinem Lustobjekt ausstreckt . Das Werk, die erste Leinwand, wird in einem geschnitzten und vergoldeten Holzrahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Die Maske

Öl auf Leinwand. Das Gemälde greift ziemlich ausführlich das gleichnamige Werk des emilianischen Malers Gaetano Chierici aus dem Jahr 1869 auf, einem Künstler, der sich für eine große Produktion von Szenen aus dem bäuerlichen Leben etabliert hat, die in rustikalen Innenräumen festgehalten und durch eine innige sentimentale Verbundenheit interpretiert werden ein klarer formaler Realismus, der von einer kleinen, glücklichen und immer heiteren Welt erzählt, die trotz der Armut oft fröhlich ist, weil sie keinerlei soziale Denunziation zum Ausdruck bringt, sondern vielmehr repräsentativ für die glückliche Vorstellung von Familie ist, die der Künstler hatte. Seine Gemälde waren beim damaligen Bürgertum so erfolgreich, dass sie in der eigenen Werkstatt des Künstlers und später auch von anderen Malern mehrfach reproduziert wurden. Chierici stellt die Szene fast immer in eine bescheidene Bauernküche, voller Gegenstände, die bis ins kleinste Detail beschrieben werden, bevölkert von Kindern, die konzentriert ihren täglichen Aktivitäten nachgehen, mit Erwachsenen, die sie glücklich und amüsiert betrachten: Hier sehen wir das Kind, in das es plötzlich eintritt die Küche, trägt eine groteske Maske im Gesicht und erschreckt so seine kleine Schwester, die ihr Essen aufgibt, um zu rennen und sich an den Röcken ihrer Mutter festzuhalten, die am Herd beschäftigt ist, die ihren Sohn schimpft, während sie die Kelle schwenkt. Das Werk wird in einem geschnitzten und vergoldeten Holzrahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand, auf Holz aufgetragen. Mittelitalienische Schule des 18. Jahrhunderts. Dargestellt ist die evangelische Episode, in der Jesus die Kinder bei sich aufnimmt und seine Jünger ermahnt, sie nicht wegzustoßen: „Lasst die Kinder zu mir kommen, denn ihnen gehört das Himmelreich.“ Die Szene ist voller Figuren, die sich überschneiden und ineinander verflechten: Im Vordergrund öffnet Jesus, rechts sitzend, seine Arme, um die Kinder willkommen zu heißen, die sich ihm nähern, von ihren Müttern gedrängt; im Hintergrund die Jünger, in der Mitte erkennbar Petrus, der versucht, einen Jungen wegzustoßen, doch ihr Blick ist auf Christus gerichtet, der sie ansieht und sie zur Aufnahme auffordert. Im Hintergrund der Szene taucht etwas Architektur auf, insbesondere sticht die Pyramide hervor, die symbolisch die Spannung, den Aufstieg nach oben, darstellt. In der Mitte des Gemäldes fehlt eindeutig die Leinwand, die durch Anbringen einer Holzplatte auf der Rückseite behoben wurde. Es weist weitere kleine, weit verbreitete Restaurierungsspuren auf. Es wird in einem Rahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert.

Frauenporträt 1937

Öl auf Leinwand. Signaturspur unten links, vollständige Signatur auf der Rückseite, mit Datum. Moretti Foggia wurde an der Schule von Tallone ausgebildet und war vor allem ein Landschaftsmaler, der realistische Ansichten vorschlug, die sich durch eine sehr helle und materielle Farbpalette auszeichneten und hauptsächlich seine Heimat Val d'Ossola reproduzierten. Zu seinem Werk gehören aber auch mehrere Porträts, darunter das gelungene dieser eleganten und lächelnden Dame, Porträts, in denen der Einfluss von Cesare Tallone deutlich zu erkennen ist, sowohl im Pinselstrich und in der Verwendung von Farben als auch in der Aufmerksamkeit für Frauen Welt. Das Gemälde wird in einem zeitgenössischen Rahmen präsentiert.

Boote auf dem Kanal

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert. Titel mit Bleistift auf dem Rahmen. Der ungarische Maler Emil Lindenfeld lebte lange Zeit in Italien, bevor er 1956 in die USA zog. Sein sehr reichhaltiges Werk umfasst Szenen mit einfachen Charakteren und Arbeitern, aber auch Landschaften und Einblicke in die Orte, an denen er lebte, darunter auch venezianische Einblicke. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Balz am Brunnen 1873

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert. Haier war ein Wiener Maler und Fotograf, lebte aber lange Zeit in Tschechien. Sein malerisches Schaffen umfasst Porträts und zahlreiche Genreszenen, die wie diese in der ländlichen tschechischen Umgebung angesiedelt sind. Wir haben einen Gläserverkäufer, der auf dem Rücken seines Esels getragen wird und an einem Brunnen ein liebevolles Gespräch mit einem Mädchen führt, das währenddessen dem sanftmütigen Tier ein Grasbüschel anbietet. Das Gemälde wird in einem historischen Rahmen präsentiert.