Die Enthaltsamkeit von Scipio Öl auf dem Tisch - Europa XVII Jhd

Öl auf Leinwand, auf Holz aufgetragen. Mittelitalienische Schule des 18. Jahrhunderts. Dargestellt ist die evangelische Episode, in der Jesus die Kinder bei sich aufnimmt und seine Jünger ermahnt, sie nicht wegzustoßen: „Lasst die Kinder zu mir kommen, denn ihnen gehört das Himmelreich.“ Die Szene ist voller Figuren, die sich überschneiden und ineinander verflechten: Im Vordergrund öffnet Jesus, rechts sitzend, seine Arme, um die Kinder willkommen zu heißen, die sich ihm nähern, von ihren Müttern gedrängt; im Hintergrund die Jünger, in der Mitte erkennbar Petrus, der versucht, einen Jungen wegzustoßen, doch ihr Blick ist auf Christus gerichtet, der sie ansieht und sie zur Aufnahme auffordert. Im Hintergrund der Szene taucht etwas Architektur auf, insbesondere sticht die Pyramide hervor, die symbolisch die Spannung, den Aufstieg nach oben, darstellt. In der Mitte des Gemäldes fehlt eindeutig die Leinwand, die durch Anbringen einer Holzplatte auf der Rückseite behoben wurde. Es weist weitere kleine, weit verbreitete Restaurierungsspuren auf. Es wird in einem Rahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Das Gemälde befasst sich mit dem ähnlichen Werk von Paolo Veronese (1528–1588), das um 1560–70 entstand und heute im Prado-Museum aufbewahrt wird und von dem unser Gemälde die Komposition der Figuren übernimmt und dabei den gesamten Hintergrund und die Kleidung verändert der Persönlichkeiten. Veroneses Werk war so erfolgreich, dass es in seiner eigenen Werkstatt mit zahlreichen Variationen repliziert wurde: Unser Werk geht wahrscheinlich auf eine dieser Kopien zurück, die in einer späteren Zeit repliziert wurden. Die dargestellte Episode wird im biblischen Buch Exodus erzählt und erzählt von der Entdeckung des kleinen Moses, den seine Mutter in einem Korb am Ufer des Nils zurückgelassen hatte, um ihn vor dem Massaker an den Kindern Israels durch den Pharao zu retten; Die Tochter des Pharaos, die mit ihrem Gefolge zum Fluss ging, findet ihn, rettet ihn und adoptiert ihn. Die Figuren der Szene sind in Kleidung aus dem 18. Jahrhundert dargestellt, insbesondere das Kleid der Prinzessin zeichnet sich durch seinen Reichtum und Prunk aus; Das einzige exotische Element ist die Anwesenheit eines schwarzen Dieners in der Fortsetzung, während der Hintergrund ebenfalls auf eine nordeuropäische Landschaft mit dichter Waldvegetation verweist. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem 11. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die große, in einer hügeligen Landschaft angesiedelte Szene mit einem Dorf und Ruinen im Hintergrund links wird vollständig von der kompakten Gruppe zahlreicher lebender Figuren eingenommen: In der Mitte sitzt die Familie des Hirten und beobachtet seinen Begleiter, der das kleine Kind hält in ihren Armen in Windeln; Rundherum die Tiere, vom treuen Schäferhund bis zu den Tieren der Herde, Schafen, Ziegen und Kühen, auch in Ruhe. Hervorzuheben ist der große Naturalismus der Tierfiguren, der als Bildmodalität auf die Werke der Schule von Philipp Peter Roos, bekannt als Rosa da Tivoli (1657-1706), verweist, dem deutschen Maler, der als einer der besten Tiermaler der Welt galt Italien im 17. Jahrhundert, gekennzeichnet durch die besondere Fähigkeit, an das Fell und das Aussehen von Tieren zu erinnern. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem vergoldeten Rahmen aus der Zeit präsentiert.

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des 18 Jahrhunderts. Das Porträt schlägt die Figur einer jungen Frau vor, die ein Alltagskleid trägt, aber mit gefleckten Pelzkanten verziert ist; merkwürdigerweise stellt sie mit dem erhobenen Arm einen Pelzmuff zur Schau, den sie über eine Hand gesteckt hat, wahrscheinlich eine Gewohnheit, um eine Mode der Zeit zu unterstreichen. Das Gemälde weist Restaurierungsspuren auf, wobei die Originalleinwand erhalten blieb, jedoch auf einen neuen Rahmen montiert wurde. Es ist in einem ovalen Rahmen aus der gleichen Zeit präsentiert, der jedoch von einem später hinzugefügten Holzfries überragt wird.

Ölgemälde auf Leinwand. Mittelitalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Der ikonografischen Überlieferung zufolge wird der Schutzengel auch auf diesem Gemälde als geflügelter junger Mann dargestellt, der ein Kind auf einem Straßenabschnitt begleitet und dabei den Himmel als Ziel der Reise anzeigt. Die geflügelte Figur sticht hervor und dominiert die Szene, lebendig in ihren Farben, kraftvoll in der körperlichen Kraft, die sie ausstrahlt, wenn auch süß in ihrer zart beschützenden Haltung gegenüber dem Kind, dessen kleine Figur von den Gliedmaßen seines Beschützers umhüllt ist. Die Szene ist von einer Girlande aus hellen und farbenfrohen Blumen umgeben, die den Figuren Farbe verleihen, die ansonsten in einer dunklen und fast monochromen Landschaft platziert sind. Die Darstellung von hauptsächlich religiösen Figuren in floralen Rahmen erlebte vor allem in Rom eine große Entwicklung, verbunden mit Namen wie Giovanni Stanchi (1608–1675) und nicht mit Mario Nuzzi, bekannt als Mario de' Fiori (1603–1673), und anderen . Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Leistenrahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Venezianische Schule des späten 18. Jahrhunderts. Das große Gemälde erzählt die evangelische Episode der Begegnung zwischen der heiligen Elisabeth, die mit Johannes dem Täufer schwanger ist, und Maria, die auf Jesus wartet, ist jedoch in eine größere Chorszene eingefügt: Es ist auf einer großen Treppe, wahrscheinlich der des Tempels, angebracht Sacharja, der Ehemann Elisabeths, war Priester und eine Menschenmenge von Figuren und wird von einer Menschenmenge belebt, unter der mehrere Frauen mit Kindern und Familien hervorstechen. Ausschnitt im Vordergrund links ist die Figur mit einem kleinen Jungen an seinen Beinen, der zum Betrachter blickt und mit einer breiten Armbewegung auf das zentrale Ereignis, die Begegnung der beiden heiligen Frauen, hinweist. Hervorzuheben sind die Farben, die nach der venezianischen Bildtradition Grundelemente der Szenen sind, die Figuren unterstreichen und in die verschiedenen dreidimensionalen Ebenen übergehen. Unterfüttert und restauriert, die Leinwand weist links einen leichten Riss auf. Es wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Mittelitalienische Schule des 17. Jahrhunderts. In seinem Bildstil erinnert das Gemälde an das Schaffen von Angelo Caroselli (1585-1652), einem römischen Barockkünstler, der Maler, Kopist, Restaurator, aber auch Pasticheur und Kunstkenner, also Schöpfer von Gemälden „in der Art von“ war " - in „Technik“ und im „Stil“ einer bestimmten künstlerischen Epoche oder eines bestimmten Autors, sogar durch Zusammenfügen von „Teilen“ aus verschiedenen Gemälden. Zunächst caravaggesk, entwickelte Il Caroselli später seine ganz persönliche künstlerische Sprache, die von vielen kleineren Künstlern kopiert wurde. In diesem Werk sticht die starre und fast verärgerte Ausdruckskraft der Figur hervor, deren Eleganz der Kleidung aus dem 17. Jahrhundert und die fast weiblichen Züge des Gesichts mit seinem rosigen Teint im Kontrast zur Grobheit von Goliaths blutigem Kopf mit der großen Stichwunde stehen das sich von der sterblichen Blässe abhebt. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert, wobei der ursprüngliche Holzrahmen erhalten blieb. Es wird in einem modernen Holzrahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Italienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Eine große Komposition aus bunten Blumen in geprägten Metallvasen und einigen auf dem Boden verstreuten Früchten sind nahe einer Wand mit Blick auf eine maritime Landschaft platziert: Die Helligkeit des Himmels und des Meeres auf der rechten Seite kontrastiert mit dem schattigen Bereich auf der linken Seite. auf dem die Farben der Blumen hervorstechen. Das unterfütterte und restaurierte Gemälde weist einen erheblichen Riss auf. Es wird in einem modernen lackierten und vergoldeten Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Das große Gemälde stellt als Thema ein bekanntes alttestamentarisches Thema dar, nämlich den Reichtum König Salomos, der im Ersten Buch der Könige beschrieben wird: „König Salomo übertraf daher an Reichtum und Weisheit alle Könige der Erde. In jedem.“ Teil der Erde, um sich Salomo zu nähern, um auf die Weisheit zu hören, die Gott in sein Herz gelegt hatte. Jeder brachte ihm jedes Jahr Opfergaben aus Silber und Gold, Kleidern, Waffen, Gewürzen, Pferden und Maultieren. Auf dem Gemälde hört der König, reich gekleidet mit königlichen Symbolen (Krone, Zepter, Hermelinmantel), im Stehen den Postulanten zu, die zu ihm kommen, um den von seiner sprichwörtlichen Weisheit diktierten Rat zu erhalten, und im Gegenzug bringen sie ihn Opfergaben, die ihrer gesellschaftlichen Rolle angemessen sind: Einige Bauern bringen Säcke voller Getreide als Geschenke, die Früchte ihrer Arbeit auf den Feldern, ein anderer hebt einen Becher in die Höhe, um die Aufmerksamkeit des Königs zu erregen. Die Farben und der Bildstil des Gemäldes beziehen sich auf die norditalienische, insbesondere venezianische Produktion. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert.

Öl auf Leinwand. Das Gemälde zeigt das halbhohe Porträt eines jungen Mannes in Deshabillé, der seine Pfeife anzündet, indem er mit einem Stock Feuer aus der Kerze schöpft, die vor ihm auf dem Tisch steht, auf dem auch ein Schwert ruht: vielleicht handelt es sich um einen jungen Ritter in einem Moment der Ruhe. Gerade die Kerze, die einzige Lichtquelle in der Szene, deutet darauf hin, dass sich der Künstler an Georges De La Tour (1593-1652) orientierte, dem französischen Maler des Caravaggio-Stils, der sich mit seinen "nächtlichen" Szenen einen Namen gemacht hat. Diese zeichnen sich dadurch aus, dass die Figuren, bei denen es sich in der Regel um Personen von niedrigem Rang und nicht um historische Vorbilder oder hochwohlgeborene Persönlichkeiten handelt, durch das Licht einer Kerze beleuchtet werden, wodurch eine besondere Atmosphäre der Intimität entsteht. Das restaurierte und neu gerahmte Gemälde wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Stilleben mit Fische

Öl auf Leinwand. Die eher düstere Szene spielt in einem rustikalen Kücheninterieur, auf dem Kupferkessel auf einem Tisch stehen, zusammen mit zwei Fischen und etwas Gemüse. Der Stil und das Thema des Gemäldes beziehen sich auf Felice Boselli, den emilianischen Maler, der vor allem für seine Stillleben bekannt ist, von denen er rund hundert Werke schuf, die vor allem Wild, Fische und Nutztiere charakterisieren. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem wiederverwendeten antiken Rahmen präsentiert.

Stilleben mit Jagd

Öl auf Leinwand. In der eher dunklen und im Freien angesiedelten Szene, wie man an den Silhouetten der Bäume im Hintergrund erkennen kann, sieht man einige Vögel von der Jagd, die auf dem Boden ruhen oder an ihren Beinen an Ästen hängen. Der Stil und das Thema des Gemäldes beziehen sich auf Felice Boselli, den emilianischen Maler, der vor allem für seine Stillleben bekannt ist, von denen er rund hundert Werke schuf, die vor allem von Wild, Fischen und Nutztieren geprägt sind. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem wiederverwendeten antiken Rahmen präsentiert.