La Continencia de Escipión

Naturaleza muerta con flores, frutas y jilgueros

Pintura al óleo sobre lienzo. En la bella composición se puede ver, descansando sobre un aparador de madera con incrustaciones, una cesta llena de cerezas, algunas de las cuales están esparcidas por encima, y un plato lleno de grosellas rojas, mezcladas con hojas y algunas flores de cerezo. Un jilguero descansa sobre el asa de la cesta; para enmarcar la composición, a la derecha un gran ramo de flores multicolores en un jarrón, a la izquierda una cortina roja. Destacan los colores vivos de las frutas, las flores y la cortina, mientras que el armario de apoyo se funde con el fondo oscuro, al igual que el pajarito, distinguible del fondo oscuro sólo por el plumaje blanco de las alas y el contorno rojo de la ojos. La obra forma parte de la gran producción emiliana del siglo XVII de este tipo de tema altamente decorativo. El cuadro, restaurado y reasentado, presenta una marcada fisura y gotas de color en los bordes.

Naturaleza muerta con flores, frutas y calabazas

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales de 1600-principios de 1700. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a dos grandes calabazas y frutas mixtas (uvas y melocotones): con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Gran cuadro de tema mitológico

El cuento de Apolo y Marsyas

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. El gran lienzo deriva de un grabado de 1562 del veneciano Giulio Sanuto, quien reprodujo fielmente la obra homónima de Bronzino (1503-1572), actualmente conservada en el Hermitage; respecto al original, el grabado añade el grupo de Musas y modifica el fondo del paisaje introduciendo vistas de los pueblos. La obra se divide en cuatro escenas, que hay que leer de derecha a izquierda. La primera escena representa el concurso musical entre Apolo y Silenus Marsyas, quien tocaba la flauta tan bien que era considerado superior al mismo dios; los dos contendientes están actuando, el dios con la lira y el sileno con la flauta incluso boca abajo (para aumentar la dificultad de la empresa), frente al rey Midas y la diosa Minerva, reconocible por sus atributos, el casco, la lanza y el escudo. En la segunda escena, Apolo intenta desollar a Marsyas para castigarlo por haber ganado el concurso musical; apoyarse en el suelo junto a él, su capa y su lira. En la tercera escena, es el rey Midas el que es castigado por el dios por haber preferido a Marsyas a él: Apolo le pone las orejas de burro a Midas, mientras Minerva observa. Finalmente, la cuarta escena, en primer plano a la izquierda, se caracteriza por una figura particular, identificada en el fiel sirviente y barbero del rey: ya que Midas le había ordenado guardar el secreto en sus orejas de burro, no pudiendo dejar de lo contrario, aliviado, cavó un hoyo en el suelo y gritó allí su secreto; en ese lugar, sin embargo, cuenta la leyenda que creció un matorral de juncos que con el viento susurró "El rey midas tiene orejas de burro", revelando así el temido secreto. La pintura ha sido previamente restaurada y rebasada, pero actualmente necesita más recuperación de color. En el reverso a lápiz hay una antigua atribución a la escuela de Ferrara ("Ercole da Ferrara"). Se presenta en un marco de estilo de finales del siglo XIX.

Pintura Antigua Retrato Masculino Pintura al Óleo sobre Lienzo

Óleo sobre lienzo. Se trata del retrato de un hombre con armadura, acompañado de la inscripción en la parte superior derecha "Paulus Maria Castellanus LT Gare". La palabra Castellanus podría ser el apellido, muy extendido y que identifica al habitante de un castillo, no necesariamente al señor sino a un miembro de la familia. El cuadro se presenta en un marco antiguo.

Paisaje con el penitente San Jerónimo

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. En un gran paisaje montañoso, bastante árido, que se ensancha y se desvanece a la derecha, hay una alta roca, en forma de arco, bajo la cual está San Jerónimo penitente, representado en el acto de oración y adoración de la Cruz. De acuerdo con los cánones de la pintura de los siglos XVII-XVIII, la figura del Santo, adaptada a la iconografía en su indumentaria y actitud, se inserta sin embargo en un paisaje incoherente, cercano al del pintor que se inspira en la realidad paisajística conocida por el. . La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Cuadro El sacrificio de Ifigenia

Óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. El sangriento episodio del sacrificio de Ifigenia, también contado en la Ilíada, tiene su origen en la ira de Artemisa, diosa de la caza, quien, ofendida por Agamenón por sus alardes de cazadora, impidió que la flota griega zarpara hacia Troya; el adivino Calcante profetiza entonces que la ira de la diosa sólo puede apaciguarse sacrificando a la hija menor del propio rey Agamenón, Ifigenia, y así sucede. En el centro de la escena la niña aparece postrada al pie del altar de los sacrificios, mientras los sacerdotes la preparan según los rituales; en el ángulo izquierdo podemos vislumbrar a su padre Agamenón (con la corona abandonada a sus pies) con su madre Clitemnestra quienes, desesperadas, no se atreven a mirar. Arriba, la diosa Artemisa observa la escena, reconocible por la luna en su cabello, por el arco en su mano y por un ciervo, su animal simbólico, al pie del palio: según una versión menos violenta del mito, en En el momento del sacrificio Ifigenia es reemplazada por Artemisa con una cierva, como podría indicar la presencia del animal en esta representación. La obra que aquí se presenta deriva del cuadro de Pietro Testa, publicado entre 1640 y 1642 (actualmente en la Galleria Spada de Roma) y de sus grabados: de él se toma toda la composición de las figuras, aunque modificada en las vestimentas y colores y en varios detalles. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX, contemporáneo a la restauración.

Pintura Antigua Tema Mitológico Venus Óleo sobre Lienzo Siglo XVII

Óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. En la mitología clásica, la diosa Venus, esposa de Vulcano, le hizo forjar armas para su hijo Eneas. En la escena, ambientada en la cueva donde se encuentra la fragua, Vulcano está forjando una armadura sobre el yunque, con la ayuda de sus asistentes, mientras Venus, acompañada de su fiel Cupido, llega para comprobar el trabajo. Tetis, la ninfa marina madre de Aquiles, también encargó armas para su hijo al mismo dios Vulcano, para protegerlo durante la Guerra de Troya. Restaurada y revestida, la pintura presenta una pérdida de color en la parte superior derecha. Se presenta en un marco de principios del siglo XX, contemporáneo a la restauración.

Pintura Antigua con Retrato Masculino Oleo sobre Lienzo '600

Óleo sobre lienzo. El retrato de un caballero va acompañado de la inscripción "Paulus Castellanus Sanator" en la parte superior izquierda. La palabra Castellanus podría ser el apellido, muy extendido y que identifica al habitante de un castillo, no necesariamente al señor sino a un miembro de la familia. El término Sanator identifica al hombre como un sanador, el médico de familia. El cuadro se presenta en un marco antiguo.

Pintura Antigua Tema Sagrado Óleo sobre Lienzo Siglo XVIII

Óleo sobre lienzo. El cuadro analiza una obra similar de Paolo Veronese (1528-1588), fechada hacia 1560-70 y actualmente conservada en el Museo del Prado, a partir de la cual nuestra pintura retoma la composición de las figuras, cambiando todo el fondo y la vestimenta. de los personajes. La obra de Veronese tuvo tanto éxito que fue replicada en su propio taller, con numerosas variaciones: nuestra obra probablemente deriva de una de estas copias, replicada en una época posterior. El episodio narrado está narrado en el libro bíblico del Éxodo y narra el descubrimiento del pequeño Moisés, abandonado por su madre en una cesta a orillas del río Nilo, para salvarlo de la masacre de los hijos de Israel perpetrada por el Faraón; La hija del faraón, que fue al río con su séquito, lo encuentra y lo salva, adoptándolo. Los personajes de la escena están representados con vestimentas del siglo XVIII, en particular el vestido de la princesa destaca por su riqueza y suntuosidad; el único elemento exótico es la presencia de un sirviente negro en la secuela, mientras que el fondo también remite a un paisaje del norte de Europa, con una espesa vegetación boscosa. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XI.

Pintura Antigua Paisaje con Pastores Óleo sobre Lienzo Siglo XVII

Óleo sobre lienzo. La gran escena, ambientada en un paisaje montañoso, con un pueblo y ruinas al fondo a la izquierda, está completamente ocupada por el grupo compacto de numerosas figuras vivientes: sentada en el centro, la familia del pastor, observando a su compañero sosteniendo al pequeño en sus brazos en pañales; A su alrededor, los animales, desde el fiel perro pastor hasta los animales del rebaño, ovejas, cabras y vacas, también descansan. Destaca el gran naturalismo de las figuras animales, que remite como modalidad pictórica a las obras de la escuela de Philipp Peter Roos, conocido como Rosa da Tivoli (1657-1706), pintor alemán considerado uno de los mejores pintores de animales activos en Italia en el siglo XVII, caracterizada por la peculiar capacidad de evocar el vellón y la apariencia de los animales. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco dorado de época.

Retrato de mujer con manguito

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. El retrato propone la figura de una mujer joven que viste un traje cotidiano, pero adornado con bordes de pieles manchadas; curiosamente, con el brazo levantado luce un manguito de piel metido sobre una mano, probablemente una costumbre para subrayar una moda de la época. El cuadro presenta signos de restauración, con conservación del lienzo original, aunque reensamblado sobre un nuevo marco. Se presenta en un marco ovalado coetáneo, pero rematado por un friso de madera añadido posteriormente.

Pintura Antigua con Tema Sagrado Óleo sobre Lienzo Siglo XVII

Óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. Según la tradición iconográfica, también en este cuadro el ángel de la guarda aparece representado como un joven alado que acompaña a un niño a lo largo de un tramo de camino, indicando al cielo como destino del viaje. Destaca y domina la escena la figura alada, vivaz en sus colores, poderosa en la fuerza física que emana, aunque dulce en su actitud delicadamente protectora hacia el niño, cuya pequeña figura está envuelta en los miembros de su tutor. La escena está encerrada dentro de una guirnalda de flores brillantes y coloridas, que dan color a las figuras, por lo demás situadas en un paisaje oscuro y casi monocromático. La representación de personajes, principalmente religiosos, encerrados en marcos florales tuvo un gran desarrollo especialmente en Roma, ligada a nombres como el de Giovanni Stanchi (1608 -1675), en lugar de Mario Nuzzi conocido como Mario de' Fiori (1603 -1673), y otros. . El cuadro, restaurado y revestido, se presenta enmarcado en listones.