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33 cm 1120 cm

33 cm 238 cm

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Sección Arte Seleccionado : lo mejor de nuestro catálogo de pinturas, esculturas y obras de arte.

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Busto masculino
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ARTART0000188

Busto masculino

Juan Antonio Emanuelli, 1838
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Sagrada Familia con San Juan
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ARARPI0125327

Sagrada Familia con San Juan

Bartolomeo Ramenghi, escuela de, primera mitad del siglo XVI.
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Móvil animado de Enrico Baj.
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ARARCO0206630

Móvil animado de Enrico Baj.

Realizado por Stefano Bini
Llamada
Pareja de ángeles, Carlo Francesco Mellone (y asistentes)
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ARTART0000098

Pareja de ángeles, Carlo Francesco Mellone (y asistentes)

Milán, hacia 1730
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Busto del Barón Antonio Negri
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ARTART0000177

Busto del Barón Antonio Negri

Gaetano Monti, 1837
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David y Abigail
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ARARPI0121676

David y Abigail

Vincent Malò, cuarta década del siglo XVII
Llamada
Del fresco perdido con alegoría de Asia
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ARARPI0112621

Del fresco perdido con alegoría de Asia

Andrea Appiani
Llamada
Jefté y su hija, Girolamo Forabosco y sus ayudantes
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ARARPI0108206

Jefté y su hija, Girolamo Forabosco y sus ayudantes

Siglo XVII
Llamada
Busto de mármol Primavera
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ARTART0000155

Busto de mármol Primavera

Primera mitad del siglo XIX
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Pintura de Christian Georg Schütz I
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ARARPI0233328

Pintura de Christian Georg Schütz I

Paisaje fluvial con pastora y ruinas.

ARARPI0233328

Pintura de Christian Georg Schütz I

Paisaje fluvial con pastora y ruinas.

Óleo sobre lienzo. Firmado "Schütz decisit" en las ruinas a la derecha de la pastora. Christian Georg Schütz el Viejo capta un paisaje idílico y sereno, atravesado por un río sinuoso y lento; en la margen derecha se encuentran algunas ruinas arquitectónicas de estructuras clásicas, mientras que en primer plano, sentada en el centro, serena y serena, una pastora hila lana mientras vigila su pequeño rebaño de cabras y vacas. El cuadro es un canto a la naturaleza, donde los elementos naturalistas, la tierra, el cielo, el río se encuentran para formar una escena armoniosa y equilibrada, impregnada de luz rosa, en la que las figuras vivas y los restos arquitectónicos encajan con equilibrio y tranquilidad. Schütz creó principalmente vistas fluviales del Rin y el Meno, lugares que habitó, y trabajó para importantes clientes, nobles y prelados alemanes. El cuadro ha participado en varias subastas de arte. Restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

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Pintura Antigua de G. Canella Tema Histórico c. 1840
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Pintura Antigua de G. Canella Tema Histórico c. 1840

Enfrentamiento entre Soldados y Guerrilleros en España

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Pintura Antigua de G. Canella Tema Histórico c. 1840

Enfrentamiento entre Soldados y Guerrilleros en España

Óleo sobre lienzo. Acompañado de la experticia del profesor Fernando Mazzocca. El cuadro pertenece a una serie de obras del pintor veronés Giuseppe Canella ambientadas en España, tras la estancia del artista en dicho país entre 1820 y 1823, que le llevó a hacer escala en diversas ciudades españolas, siendo la última Madrid donde asistió a la corte. De sus viajes por Europa, Canella trajo numerosos dibujos en los que se inspiró para las obras posteriormente reelaboradas en su estudio de Milán y presentadas posteriormente en las exposiciones de la Academia de Brera. En esta obra se hace referencia a un período dramático de la historia de España, marcado por los levantamientos constitucionales contra el rey Fernando VII de Borbón, que provocaron la intervención francesa en apoyo de la monarquía contra los rebeldes. En realidad, el acontecimiento histórico es casi un pretexto para que Canella recuerde la dureza y el encanto del paisaje montañoso, que actúa como telón de fondo monumental del enfrentamiento entre el ejército y los rebeldes, figuras pequeñas y casi indistintas. El cuadro, en excelente estado, tiene sólo muy ligeras caídas de color, ya restaurado. Se presenta en un marco contemporáneo.

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Pintura de Giacomo Francesco Cipper conocida como Todeschini
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Pintura de Giacomo Francesco Cipper conocida como Todeschini

Vendedor de cerezas cortejado y dos músicos 1720 ca.

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Pintura de Giacomo Francesco Cipper conocida como Todeschini

Vendedor de cerezas cortejado y dos músicos 1720 ca.

Óleo sobre lienzo. La pintura va acompañada de los conocimientos del historiador del arte Dr. Giuseppe Sava. El protagonista de la escena del mercado al aire libre es un vendedor de cerezas, que luce un vistoso sombrero de paja y se sienta junto a una cesta de estas frutas colocada sobre un banco de madera, junto a una piedra sobre la que apoya la acería. Con su mirada sonriente, casi guiñando un ojo, dirigida al espectador, acepta las insinuaciones del hombre que, detrás de ella, le pone una mano en el hombro, con mirada lasciva, mientras dos intérpretes de la izquierda improvisan un concierto. El grupo compuesto y alegre hace referencia a la producción de Giacomo Francesco Cipper, conocido como Todeschini (1664 -1736), pintor de origen austriaco pero lombardo por formación y estilo pictórico, que era un "cantante de campesinos, vendedores ambulantes concentrados en su día a día". ocupaciones o en el ocio", especialista en escenas de mercado, conciertos al aire libre, jugadores de cartas, escenas de la vida cotidiana humilde creadas con fuerza caricaturesca risueña y una búsqueda de efecto. cómico. Cipper tomó este estilo narrativo del pintor danés Monsù Bernardo, activo durante mucho tiempo en Italia, entre Bérgamo y Milán: de él, en particular, la predilección por las historias cotidianas y los personajes humildes, así como el carácter impertinente de estos personajes. que buscan la atención del observador a través de una mirada fija en él. También en este cuadro la mujer protagonista fija su mirada pícara en el observador, sonriendo con complicidad e ironía ante el juego de cortejo en el que los tres hombres la convierten en protagonista, implicando un "mercado" que ya no es sólo el de las cerezas. En su experiencia, el Dr. Sava subraya las relaciones estilísticas y tipológicas de esta pintura con otros personajes de Cipper, para respaldar la atribución; también se explica la evolución estilística en los aspectos formales y técnicos de sus obras -los colores que aclaran, con evidente predilección por el ocre, el avellana, el verde salvia, entre los que se insinúa el azul pálido; los fondos lechosos, los brillos más difusos y los claroscuros menos plásticos, evolución que permite situar la obra en su producción de principios del siglo XVIII. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo adaptado.

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Louis Dorigny atribuible a
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Louis Dorigny atribuible a

Erminia entre los pastores

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Louis Dorigny atribuible a

Erminia entre los pastores

Pintura al óleo sobre lienzo. El gran lienzo narra un episodio extraído de la Gerusalemme Liberata de Torquato Tasso, en el que la joven Erminia, princesa de Antioquía enamorada en secreto de Tancredi, presencia cómo hieren en duelo a su amado. Impulsada por el amor, toma las armas de la guerrera Clorinda, su íntima amiga, y de noche sale a buscar a su amado Tancredi y curarlo. Pero en el campamento cristiano un rayo de luna la ilumina y, confundida con Clorinda por los centinelas, se ve obligada a emprender una precipitada huida: así sucede en un pueblo habitado por pastores que viven lejos de la guerra en un espacio idílico. , donde pide y consigue ser hospedada por un tiempo con la (vana) esperanza de olvidar su desdichado amor. La obra, ya atribuida a Carlo Loth, es más bien atribuible a la producción de Louis Dorigny, el pintor parisino que vivió durante mucho tiempo en Italia, en Roma, en Venecia y finalmente definitivamente en Verona, donde obtuvo numerosos encargos de Veronese pero también de clientes venecianos y lombardos, extendiendo su actividad como pintor de frescos de Bérgamo a Udine. En Verona desde principios de siglo, las preferencias en el campo de la pintura se dirigieron hacia un lenguaje clasicista complejo en la composición, pero sosegado y elegante, incluso en las grandes obras decorativas. A esta pintura se ajusta Dorigny, que combina en este lienzo el equilibrado clasicismo de Simon Vouet (de quien era nieto) con el claroscuro aprendido en Roma y la sosegada elegancia veneciana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

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Pareja de moros venecianos Regicero
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Pareja de moros venecianos Regicero

Venecia Primera Mitad del Siglo XIX

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Pareja de moros venecianos Regicero

Venecia Primera Mitad del Siglo XIX

Pareja de candelabros mori apoyados sobre bases, Venecia primera mitad del siglo XIX. Moros tallados y lacados, vestidos con túnicas y zapatos dorados y multicolores; con el brazo levantado sostienen una base de vela, mientras que con el otro sostienen un plato pequeño. Los dos moros descansan sobre igual número de basas octogonales lacadas, decoradas con elementos de mármol y un par de prótomos de leones tallados y dorados. Platos que no son contemporáneos.

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Pintando fiesta galante en el parque
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Pintando fiesta galante en el parque

Escuela francesa. Mediados del siglo XVIII

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Pintando fiesta galante en el parque

Escuela francesa. Mediados del siglo XVIII

Óleo sobre la mesa. Escuela francesa. Mediados del siglo XVIII. La escena representa una fiesta en el interior de un parque rodeado de muros con pasajes arqueados que se abren al campo, y decorado a la derecha con un ánfora sobre una columna y en el centro, detrás de las figuras, con una fuente que brota, con estatuas de querubines y conchas. Dos parejas de damas y caballeros ricamente vestidos se entretienen galantemente, rodeados de sirvientes; uno de los hombres toca el violín, agachado frente a su dama que, flanqueada por la dama de honor, sigue la melodía de la partitura que sostiene el joven a su lado, mientras dos músicos acompañan el toque con la flauta y una mandolina; la otra pareja, en actitud de diálogo íntimo, escucha a la izquierda, mientras a la derecha el cazador que regresa de cazar también observa la escena. La pintura se presenta en un marco de época.

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Pintura de Maximiliano Pfeiler.
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ARARPI0109333

Pintura de Maximiliano Pfeiler.

Bodegón con uvas, higos, granadas y melocotones.

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Pintura de Maximiliano Pfeiler.

Bodegón con uvas, higos, granadas y melocotones.

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado “Máx. FP”. en el marco superior del capitel. El bodegón está compuesto por uvas, granadas y duraznos colocados sobre un capitel, en la composición también hay una bandeja de plata; al fondo un paisaje con árboles y ruinas, a la izquierda se vislumbra un rincón de cielo cerúleo, apenas velado por las nubes. Maximilian Pfeiler se consagró por sus naturalezas muertas en las que, como telón de fondo de las flores y los frutos, colocaba un fragmento arquitectónico, introduciendo ya ese gusto por las ruinas antiguas que se consolidó plenamente en el siglo XVIII. La pintura ha sido revestida y restaurada (pequeños repintados). Se presenta en un marco elegante.

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Pintura de la zona de Giuseppe Maria Crespi
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Pintura de la zona de Giuseppe Maria Crespi

Magdalena penitente, ca. 1750.

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Pintura de la zona de Giuseppe Maria Crespi

Magdalena penitente, ca. 1750.

Pintura al óleo sobre lienzo. Aquí se representa la figura de Magdalena, según la tradición, con una larga cabellera pelirroja; con un gesto de dolorosa dedicación fija la mirada en el crucifijo, que sostiene con la mano izquierda apretada contra el brazo derecho, que a su vez está doblado en señal de penitencia recogida. Todo el cuerpo está representado con un espléndido giro contrapuesto, que tiene el efecto de hacer sentir al espectador la tensión del momento vivido por el santo. A su izquierda se ve la calavera, su atributo tradicional, y al fondo se vislumbra la silueta de la cueva en la que se encuentra. La parte del cuerpo emerge, gracias al intenso brillo de los brazos, unido a los tonos ocres rojos del cabello y del rostro, acentuando así también el carácter erótico de la escena, recordando la exuberante pintura de Rubens, que tuvo gran influencia en la pintura de Crespi. trabajar . Esta figura cautivadora y muy agradable de la Magdalena sigue la tendencia generalizada en los siglos XVII y XVIII de representar santos con un trasfondo de sensualidad humana, revelando la preferencia de los clientes por temas sagrados imbuidos de elementos profanos. El cuadro, restaurado y revestido, se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.

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Par de cuadros sobre pizarra
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ARARPI0233382

Par de cuadros sobre pizarra

La Magdalena penitente y San Juan Bautista

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Par de cuadros sobre pizarra

La Magdalena penitente y San Juan Bautista

Óleo sobre pizarra. Se proponen aquí dos ejemplos de pintura al óleo sobre piedra, un género pictórico especialmente popular en la República de Venecia entre los siglos XVI y XVII, en su forma de pintura al óleo sobre pizarra o piedra de toque. La elección de una piedra tan oscura como fondo no sólo está ligada a razones prácticas (la proximidad de las minas de Brescia y Val Brembana), sino que, como demuestran claramente nuestras dos obras, la aparición de las figuras del fondo oscuro responde a la luz también colmó las nuevas necesidades de la pintura de la época, que en el clima de la Contrarreforma, tendía a expresar no sólo las certezas existenciales idealizadas del pleno Renacimiento, sino también las inquietudes y la apertura a nuevas fases. , tendiendo ya con Tintoretto hacia una mayor atención a la realidad y a los contrastes luminísticos, para luego desembocar de manera abrumadora en investigaciones del siglo XVII fuertemente centradas en la combinación contrastante de luces y sombras. Las dos obras aquí presentadas, muy dentro de la producción del área veneciana de las primeras décadas del siglo XVII, proponen dos figuras de santos, ambos ermitaños, colocadas sobre un fondo naturalista oscuro y apenas visible. La figura de Magdalena emerge de la oscuridad, inclinándose para seguir la curva del soporte de piedra; se la representa mirando inquisitivamente hacia la oscuridad, como si estuviera escuchando, con la mano izquierda levantada y la otra apoyada en el notablemente acortado "memento mori". Frente a ella un látigo y el frasco de ungüento. Pintado en colgante, San Juan Bautista está representado de joven, con un cordero a sus pies, en su mano la cruz procesional con el estandarte "ecce agnus dei", mientras que con su mano derecha saca agua de la fuente, recordando el episodio que verá a Jesucristo bautizado. En ambos cuadros las figuras destacan de forma contundente e incisiva gracias al negro que caracteriza la placa de pizarra sobre la que están representadas. Los dos cuadros, de formato ovalado, se presentan en marcos de madera negra, de finales del siglo XIX.

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Cuadro Cristo y la adúltera
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Cuadro Cristo y la adúltera

Escuela flamenca del siglo XVI.

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Cuadro Cristo y la adúltera

Escuela flamenca del siglo XVI.

Óleo sobre la mesa. Escuela flamenca del siglo XVI. La obra tiene una placa en la base que la atribuye a Lambert Van Noort (1520 -1571), justificada por la cercanía a sus métodos pictóricos que se puede encontrar en los rostros de Jesús y Magdalena, pero no confirmable en el resto de partes del cuadro. . La obra relata el episodio del Evangelio de Juan en el que los escribas y fariseos llevaron a Jesús a una mujer acusada de adulterio, para comprobar su observancia de la ley de Moisés, que incluía la lapidación. Pero Jesús, inclinándose hasta el suelo, comenzó a escribir con el dedo en el polvo, luego, cuando se le instó, pronunció las palabras "Cualquiera de vosotros que esté libre de pecado, que tire la primera piedra", salvando a la mujer y posteriormente perdonándola. El gran escenario está lleno de un grupo numeroso y compacto de personajes. Jesús en el centro, es la única figura inclinada en el suelo, distanciada del resto del grupo y fija en su gesto de escribir con un dedo; detrás de él, con una precisa alineación vertical de su rostro con el de Cristo, está la mujer acusada, que cubre su cuerpo con su manto observando el gesto de Chrsito, mientras espera la sentencia; Alrededor de los escribas, los fariseos, algunos soldados, que en cambio hablan animadamente entre ellos, están agitados, enfrentándose unos a otros, indicando lo que Jesús está haciendo. El tema estuvo ampliamente representado en la pintura flamenca, con diferentes métodos interpretativos. Si en este cuadro la escuela flamenca se percibe claramente en los rostros de rasgos duros y en los cuerpos más bien rígidos en los movimientos de los escribas y fariseos, así como en la representación del edificio al fondo y en la minuciosa representación del zapatos en primer plano a la derecha, los dos Las figuras de Jesús y la mujer están en cambio afectadas por la influencia italiana, que suavizó los rasgos de los rostros, dio a los movimientos del cuerpo mayor compostura y gracia, y con la ayuda de un color más brillante. los hizo destacar entre las demás figuras. El panel del cuadro fue sometido a restauración y entarimado en la primera mitad del siglo XX. El cuadro se presenta en un marco antiguo adaptado.

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Dibujo de Claudio Bravo Camus.
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ARARNO0235215

Dibujo de Claudio Bravo Camus.

Chiquito Futbolista de Tánger 1982

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Dibujo de Claudio Bravo Camus.

Chiquito Futbolista de Tánger 1982

Sanguíneo sobre papel. Firmado y fechado en números romanos abajo a la derecha. El título en la parte superior derecha. Claudio Bravo Camus fue un pintor chileno que se destacó sobre todo por sus composiciones (en particular parcelas) y retratos hiperrealistas, incluidos los de eminentes personajes políticos. Considerado con razón uno de los mayores maestros del hiperrealismo, Claudio Bravo persiguió la fotografía en la pintura, pero siempre a partir de la observación directa de los propios objetos: "Los ojos ven mucho más que la cámara: medios tonos, sombras, pequeños cambios de color y luces. ," él dijo. El retrato aquí presentado, el de un conocido futbolista marroquí, desprende un realismo minucioso y mimético, especialmente en la mirada del hombre; fue creado durante los años en los que el artista vivió en Tánger, donde se había refugiado para escapar de la dictadura de Franco. Se presenta en un marco.

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3.940,00€

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