SELEZIONE ARTE

Fiesole 1465 aprox. – 1526

Escultura de estuco pintado, que representa el busto del Cristo Redentor. Vestido con una túnica roja adornada con un cuello dorado, una capa azul cubre su hombro izquierdo. El rostro está ligeramente inclinado hacia la izquierda, los rasgos puntiagudos y demacrados, la mirada melancólica y baja, y está enmarcado por largos rizos casi despeinados. Se presenta con una base de madera moldurada, lacada en negro y con inserciones doradas, de fabricación toscana del siglo XVII.

Natividad

Óleo sobre lienzo. Segunda mitad del siglo XVI. La pintura procede de la colección familiar histórica del Conde Castracane, como consta en el recibo original autógrafo de Francesco Bassano (adjunto a la obra), que dice: «Su Ilustrísimo Conde Castracane. Recibo de la suma de quinientos ducados por la pintura de mi mano de la Nativitas Domini Nostri, tal como usted lo había ordenado. Su devoto y obediente servidor Franciscus da Ponte de Bassano. El 12 de diciembre de 1589». En la parte posterior del marco también hay una etiqueta de inventario en la parte superior y las palabras "proprietà Castracane" en la parte inferior. El citado Conde Castracane pertenece a la noble familia de los Castracani degli Altelminelli de Fano, de origen luccano. Francesco Dal Ponte da Bassano, conocido como el Joven, trabajó durante muchos años en el importante taller de su padre Jacopo, conocido como Bassano el Viejo, antes de trasladarse a Venecia en 1578, donde abrió su propio taller personal, mientras continuaba colaborando con el taller de Bassano, que mientras tanto era dirigido por su hermano Leandro después de la muerte de su padre; Sin embargo, hacia finales de la década de 1580, se manifestó en Francesco una crisis que se reflejó también en su producción alegórica: en un acercamiento progresivo al gusto de su hermano Leandro, el color se volvió más claro y perdió fuerza, las formas se dilataron y simplificaron, la composición se fragmentó. La producción de la familia Bassano se distinguió sobre todo por temas sagrados, insertos sin embargo en ambientes rurales, lo que llevó a definirlos como bíblico-pastorales. También en este cuadro la Sagrada Familia no caracteriza la centralidad de la escena, sino que es uno de los dos grupos de figuras muy humanas que ocupan la parte derecha de la escena, mientras que a la izquierda destaca el grupo de pastores con los animales del campo y los sencillos objetos de la vida cotidiana. El contexto rural está bien definido también por los objetos circundantes, aunque la cabaña natal es sustituida por una estructura arquitectónica con columnas de mármol, pero de un color que se funde con las demás estructuras circundantes. Los únicos elementos espirituales son el ángel - ¡solitario! - quien se aparece a los pastores para hacer el anuncio, relegado a lo alto, pequeño y apenas visible; y el halo que rodea la cabeza del Niño Jesús, que aparece representado durmiendo plácidamente, ajeno a lo que ocurre a su alrededor y a lo que le espera. Característicos de la producción del taller paterno de Bassano eran la riqueza y vivacidad del color y los contrastes luminosos, que sin embargo en Francesco se atenuaron, traduciéndose en elecciones cromáticas más tenues y formas simplificadas, perdiendo parte de su fuerza. Esto también se puede ver en esta obra, que se remonta a los últimos años de la vida del artista, especialmente en la ropa de los personajes; Obsérvese en particular que el vestido de María ya no es rojo como indica la tradición, color fuertemente simbólico del dolor humano, sino del mismo tono rosa de la túnica central del pastor, casi como para subrayar la pertenencia de la Virgen a la humanidad humilde y sencilla. Además, en su último período, Francesco Bassano, debido a su salud comprometida por una grave hipocondría (se suicidó en 1592), recibió encargos de obras que sólo parcialmente ejecutó él, pero delegó al menos parcialmente a sus ayudantes. Esto indica que la obra fue encargada por él y salió de su taller, como afirma su declaración autógrafa, pero probablemente no fue realizada directamente por el maestro, sino por alguno de sus colaboradores. El cuadro ha sido restaurado y revestido. Se presenta en un marco de madera antiguo de finales del siglo XVIII - principios del XIX.

Toscana 1470-1480 ca.

Escultura en madera policromada que representa a Cristo Crucificado, con los miembros demacrados y la cabeza apoyada en el pecho; el cuerpo está pintado en un tono terroso, alrededor de las caderas un taparrabos que se ha reproducido en el lacado.

Bodegón con Agujeros, fruta, loro y codorniz

Óleo sobre lienzo. La composición, de grandes dimensiones, está llena de elementos muy variados: en el centro se encuentra una gran composición floral de múltiples variedades de vivos colores. A la izquierda de las flores, apoyado en un capitel dórico, hay un periquito de vivos colores que contrasta con los colores apagados de los pájaros que yacen en el suelo debajo, junto con algunas calabazas y un jarrón de peltre. Según el experto en arte Dr. Gianluca Bocchi (cuya pericia se adjunta), la obra se remonta a la producción de Carlo Antonio Crespi, pintor activo en Como hacia mediados del siglo XVIII, de la misma familia Crespi a la que también pertenece el artista boloñés del mismo nombre. Al nacido en Como, Crespi le gustaba crear composiciones con los productos de la fértil tierra del valle del Po, en compañía de pequeños animales, cerámicas o cestas de mimbre, jarrones de flores, todo ello sobre un fondo de elementos arquitectónicos barrocos o clásicos. Sus lienzos, a menudo de grandes dimensiones, remiten al mundo de las villas y palacios de la campiña lombarda del siglo XVIII. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un elegante marco. Procede de una importante colección (en el reverso se menciona al comendador Arturo Stucchi, empresario de Como).

Paisaje Nevado con Figuras 1872

Óleo sobre lienzo. Firmado, fechado en 1872 y localizado en Parma en el ángulo inferior derecho. Se trata de un gran paisaje invernal de fuerte impacto escenográfico, que se inscribe bien en el tradicionalismo escenográfico típico de la pintura de Mentore Silvani, natural de Traversetolo (Parma), paisajista pero también conocido como escenógrafo. En la escena, salpicada del blanco de una breve nevada que crea esa típica atmósfera invernal enrarecida y silenciosa, entre árboles desnudos y marchitos, serpentea un camino de tierra transitado por un caminante; a la derecha, un edificio en ruinas con un lavadero donde una mujer saca agua; en el centro, una pequeña columna sobre la que está montada una imagen sagrada. Formado en su ciudad natal, Silvani participó en las exposiciones del Fomento de Parma a partir de 1864, y es principalmente en su ciudad natal donde se encuentran hoy sus obras (en el Ayuntamiento de Parma, la Galería Nacional, la Escuela de Arte Paolo Toschi); también expuso en Milán (1872) y Florencia (1875). Formado como escenógrafo en la escuela de Gerolamo Magnani, Silvani desempeñó este cargo en Parma, pero también en Venecia a partir de 1871. Su producción pictórica, que incluye principalmente paisajes rurales de la campiña parmesana, se caracteriza siempre por la fidelidad a la realidad. La obra que aquí se propone se presenta en un marco contemporáneo.

Amor y Psique

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. La escena está basada, con algunas variaciones pero muy próxima en tamaño, en una parte del gran fresco titulado «Banquete de los dioses» de la Cámara de Cupido (o Cámara de Cupido y Psique) del Palacio Té de Mantua, una gran representación de más de nueve metros realizada por Giulio Romano y su taller en el siglo XVI. La escena representada (que en Mantua se sitúa a la derecha del gran banquete), ve a Cupido y Psique tumbados sobre un triclinio, mientras una pequeña figura alada los corona de laurel y dos ninfas lavan la mano del Amor; al fondo, a la derecha, un grupo de sátiros sacrifica una cabra en el altar de una divinidad, mientras en el centro, a lo lejos, arde una ciudad. El banquete de los dioses es el momento final del mito de los dos amantes, que, tras muchas pruebas y vicisitudes, obtienen el permiso de Venus para casarse. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco antiguo.

Baco Borracho

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. El dios está representado de pie en la escena, vestido sólo con un paño alrededor de los lomos y hojas de hiedra colocadas en las caderas y la cabeza, mientras sostiene un cáliz en una mano; su mirada está vacía y aturdida. Detrás de él, un putto semirreclinado juega con la hiedra. Alrededor, nubes blancas, al igual que el suelo, con destellos de cielo azul y un arbusto verde como únicos contrastes. En el reverso de la obra figura la etiqueta «Mario Galli Collezione d'Arte», con el número de catálogo 64 y la inscripción autógrafa del artista. La obra representa bien la pintura de este artista, nacido en Módena pero formado artísticamente primero en Roma y luego en Florencia, donde pasó la mayor parte de su vida. Su rica producción propuso al principio principalmente temas históricos, pero más tarde se orientó también hacia el retrato y finalmente hacia el paisaje. Su singularidad se reconoce en su capacidad para pasar de los temas históricos, a menudo ambientados en escenarios tomados de la antigua Pompeya, al naturalismo de estilo macchiaioli de su segunda época, en la que Muzzioli buscó una importante percepción de la atmósfera y de la luz en temas inspirados en el entorno rural toscano, a menudo ambientados en la Antigüedad. En esta obra, retrato de un personaje mitológico, transpira con fuerza la intención luminista del artista, la búsqueda del efecto de la luz jugando sobre los cuerpos desnudos del dios y del putto, para luego desvanecerse en el fondo. La etiqueta de la pinacoteca remite al florentino Mario Galli (1877 -1946), escultor que fue también un importante coleccionista de obras, especialmente de Macchiaioli. La obra presenta una importante grieta y ha sido retocada. Se presenta en un elegante marco.