Cuadro del taller de Francesco Bassano - Natividad

Escuela francesa. Mediados del siglo XVIII

Óleo sobre tabla. Escuela francesa. Mediados del siglo XVIII. La escena representa una fiesta en el interior de un parque cerrado por murallas con aberturas arqueadas que dan al campo, y adornado a la derecha con un ánfora sobre una pequeña columna y en el centro, detrás de las figuras, con una fuente que mana, con estatuas de querubines y conchas. Dos parejas de damas y caballeros ricamente vestidos son galantemente agasajados, rodeados de criados; uno de los hombres toca el violín, agazapado frente a su dama, que, flanqueada por la damisela, sigue la melodía de la partitura que sostiene el moreno a su lado, mientras dos músicos acompañan la interpretación con flauta y mandolina; la otra pareja, en actitud de diálogo íntimo, escucha a la izquierda, mientras que a la derecha el cazador que regresa de la caza también observa la escena. El cuadro se presenta en un elegante marco.

Uvas, higos, granadas y melocotones en un capitel

Óleo sobre lienzo. Firmado «Max. PF.» en el marco superior del capitel. El bodegón está compuesto por uvas, granadas y melocotones colocados sobre un capitel, en la composición hay también una bandeja de plata; al fondo hay un paisaje con árboles y ruinas, a la izquierda se vislumbra un cielo cerúleo, apenas velado por las nubes. Maximilian Pfeiler se dio a conocer con sus bodegones en los que colocaba un fragmento arquitectónico en el fondo de las flores y las frutas, introduciendo ya el gusto por las ruinas antiguas que se impondría plenamente en el siglo XVIII. El cuadro ha sido retocado y restaurado (repintes menores). Se presenta en un elegante marco.

Escuela Flamenca del Siglo XVI.

Óleo sobre tabla. Escuela flamenca del siglo XVI. La obra lleva una placa en la base que la atribuye a Lambert Van Noort (1520 -1571), justificada por la proximidad a su estilo pictórico que se encuentra en los rostros de Jesús y María Magdalena, pero no confirmada para las demás partes del cuadro. La obra narra el episodio del Evangelio de Juan en el que los escribas y fariseos llevaron ante Jesús a una mujer acusada de adulterio, con el fin de poner a prueba su observancia de la ley de Moisés, que preveía la lapidación. Pero Jesús, inclinándose hasta el suelo, comenzó a escribir con el dedo en el polvo, y luego, apremiado, pronunció las palabras «El que esté libre de pecado que tire la primera piedra». salvando a la mujer y perdonándola después. La gran escena está repleta de un grupo numeroso y apretado de personajes. Jesús, en el centro, es la única figura encorvada, apartada del resto del grupo y fija en su gesto de escribir con el dedo; de pie, detrás de él, con una precisa alineación vertical de su rostro con el de Cristo, está la mujer acusada, que se cubre el cuerpo con el manto, observando el gesto de Crsito, mientras espera la sentencia; alrededor están los escribas, los fariseos y algunos soldados, que hablan animadamente entre ellos, se inquietan y se enfrentan, señalando lo que hace Jesús. El tema fue ampliamente representado en la pintura flamenca, con diferentes interpretaciones. Mientras que en este cuadro se percibe claramente la escuela flamenca en los rostros de rasgos duros y en los cuerpos más bien rígidos en los movimientos de los escribas y fariseos, así como en la representación del edificio del fondo y en la minuciosa representación de los zapatos en el primer plano derecho, las dos figuras de Jesús y la mujer están, en cambio, influidas por la escuela italiana, que suavizó los rasgos de los rostros, dio mayor compostura y gracia a los movimientos de los cuerpos y, con la ayuda de un color más vivo, los hizo destacar entre las demás figuras. La tabla del cuadro fue restaurada y parquetada en la primera mitad del siglo XX. El cuadro se presenta en un marco antiguo adaptado.

Óleo sobre tabla. Escuela italiana central de la segunda mitad del siglo XVI. La escena sacra de la Anunciación ve a las dos figuras protagonistas situadas en primer plano en un interior que corresponde a la habitación de María. La joven está sentada frente a un pequeño escritorio de madera, sostenido por figuras de ángeles, sobre el que descansa un libro de oraciones y un pequeño jarrón con florecillas; a sus pies, la cesta de costura. María tiene el cuerpo parcialmente girado hacia atrás, en un movimiento contorsionado, casi un intento de huida, como si quisiera alejarse de la otra figura, la del arcángel Gabriel. Está de pie a la derecha, majestuoso y elegante, con una mano sosteniendo un lirio y la otra apuntando hacia arriba, por encima de él, donde la paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo, emerge de una rendija de luz. Al fondo, altas columnas con cortinajes coronan la plataforma sobre la que descansa el lecho de María. La composición recuerda, por su estilo figurativo y sus elecciones cromáticas, la pintura ya manierista de las escuelas del centro de Italia: en particular, hay una fuerte concordancia de estilo y composición con algunas obras del mismo tema del pintor Bastiano Vini, conocido como Bastiano Veronese (1525/1530 - 1602), que vivió y trabajó en Pistoia desde 1540 aproximadamente. Es en esta ciudad donde se encuentran algunas de sus Anunciaciones: en particular la de la iglesia de Santa Maria delle Grazie (un retablo de más de dos metros de altura), presenta claras similitudes de forma y composición con la que aquí se presenta. Hay concordancia en la ambientación de la escena sagrada: una habitación, en cuyo fondo hay una cortina que cubre parcialmente una cama, amueblada con los elementos esenciales para la narración, el atril y la silla ricamente adornados con cariátides de querubines o ángeles que parecen tallados en madera. El esquema compositivo se corresponde, aunque con ligeras variaciones, con las dos figuras dispuestas «en friso» sobre la misma pose, y los rasgos somáticos de la Virgen y el Arcángel también se corresponden. El suelo, en cambio, difiere: mientras que en nuestro panel es homogéneo, en el de Pistoiese presenta una alternancia de colores a cuadros. Sin embargo, parece que este diseño del suelo se añadió en un periodo posterior, cuando se reconstruyó el altar en 1637-1639, en consonancia con el de otra obra del mismo Sebastiano Vini en la misma iglesia, una Sacra Conversazione. Por tanto, parece bastante seguro que nuestro panel fue pintado mirando a la obra de Bastiano Veronese, probablemente a petición expresa del mecenas, y antes de la alteración del suelo, lo que lo sitúa en la segunda mitad del siglo XVI. El cuadro ha sido objeto de una restauración, con dos refuerzos aplicados en la parte posterior del panel. Se presenta en un marco de finales del siglo XIX. (Referencia del retablo de Pistoia: Catálogo de bienes culturales https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

Paisaje Nevado con Figuras 1872

Óleo sobre lienzo. Firmado, fechado en 1872 y localizado en Parma en el ángulo inferior derecho. Se trata de un gran paisaje invernal de fuerte impacto escenográfico, que se inscribe bien en el tradicionalismo escenográfico típico de la pintura de Mentore Silvani, natural de Traversetolo (Parma), paisajista pero también conocido como escenógrafo. En la escena, salpicada del blanco de una breve nevada que crea esa típica atmósfera invernal enrarecida y silenciosa, entre árboles desnudos y marchitos, serpentea un camino de tierra transitado por un caminante; a la derecha, un edificio en ruinas con un lavadero donde una mujer saca agua; en el centro, una pequeña columna sobre la que está montada una imagen sagrada. Formado en su ciudad natal, Silvani participó en las exposiciones del Fomento de Parma a partir de 1864, y es principalmente en su ciudad natal donde se encuentran hoy sus obras (en el Ayuntamiento de Parma, la Galería Nacional, la Escuela de Arte Paolo Toschi); también expuso en Milán (1872) y Florencia (1875). Formado como escenógrafo en la escuela de Gerolamo Magnani, Silvani desempeñó este cargo en Parma, pero también en Venecia a partir de 1871. Su producción pictórica, que incluye principalmente paisajes rurales de la campiña parmesana, se caracteriza siempre por la fidelidad a la realidad. La obra que aquí se propone se presenta en un marco contemporáneo.

Enfrentamiento entre Soldados y Guerrilleros en España

Óleo sobre lienzo. Acompañado de la experticia del profesor Fernando Mazzocca. El cuadro pertenece a una serie de obras del pintor veronés Giuseppe Canella ambientadas en España, tras la estancia del artista en dicho país entre 1820 y 1823, que le llevó a hacer escala en diversas ciudades españolas, siendo la última Madrid donde asistió a la corte. De sus viajes por Europa, Canella trajo numerosos dibujos en los que se inspiró para las obras posteriormente reelaboradas en su estudio de Milán y presentadas posteriormente en las exposiciones de la Academia de Brera. En esta obra se hace referencia a un período dramático de la historia de España, marcado por los levantamientos constitucionales contra el rey Fernando VII de Borbón, que provocaron la intervención francesa en apoyo de la monarquía contra los rebeldes. En realidad, el acontecimiento histórico es casi un pretexto para que Canella recuerde la dureza y el encanto del paisaje montañoso, que actúa como telón de fondo monumental del enfrentamiento entre el ejército y los rebeldes, figuras pequeñas y casi indistintas. El cuadro, en excelente estado, tiene sólo muy ligeras caídas de color, ya restaurado. Se presenta en un marco contemporáneo.