PINTURA ANTIGUA
 

Cuadro de paisaje con escena de predicación.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. El gran paisaje nórdico, con verdes laderas de montañas en medio de las cuales discurre un río, está habitado por varias figuras en primer plano: un grupo de personas escucha a un joven de pie en el centro, que anuncia algo, señalando con el brazo extendido hacia lo alto, el sol rompiendo las nubes oscuras. Evoca un sermón de San Juan Bautista, aunque ningún elemento iconográfico hace referencia específica a este personaje. El cuadro, restaurado y revestido, está montado sobre un marco de principios del siglo XX. Se presenta en un marco contemporáneo.

Cuadro con el triunfo de Baco

Óleo sobre lienzo. El gran cuadro representa el triunfo del dios Baco, encarnación del placer, que, ya borracho, se sienta en el suelo, sosteniendo entre sus piernas una tinaja de la que mana vino, mientras a su alrededor varias ménades bailan, juegan y una mujer enjoyada , quizás Ariadna de linaje real, arroja pétalos de flores sobre su cabeza; arriba, un ángel toca una trompeta en señal de celebración, mientras que abajo, a la izquierda, dos pequeños sátiros duermen, agazapados en el suelo. El entrelazamiento de los cuerpos y la gama cromática bastante homogénea, que va desde la tez rosa pálida de las ninfas hasta el color rubí terroso de Baco, desvaneciéndose en el fondo también rojizo, dan a la escena uniformidad pero amplio movimiento. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Cuadro Paisaje invernal con figuras

Óleo sobre lienzo. La amplia vista enmarca un paisaje montañoso nevado, con un amplio valle bajo afiladas cumbres, en el que se abre un pequeño lago; Pequeñas figuras de viajeros caminan por el camino que parte del pueblo a la izquierda. La blancura de la nieve crea una atmósfera apagada y luminosa, en contraste con el cielo oscuro de nubes. El cuadro se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Cuadro de paisaje con escena de cosecha de trigo

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. El gran paisaje enmarca un campo cultivado cerca de un río, con agricultores decididos a cosechar el trigo, recogiéndolo en manojos; Otros viajeros caminan por el sendero que viene del pueblo, con los picos nevados al fondo. Las figuras humanas, más detalladas en el primer plano, siluetas menos definidas a lo lejos, son cromáticamente uniformes con los colores de la tierra, que oscilan en las gamas del marrón-ocre, incorporando también el curso de agua; alrededor, enmarcando la escena del trabajo en el campo, las ramas de los árboles y el cielo lleno de nubes. Restaurado y revestido, con sustitución del marco. Se presenta en un marco contemporáneo.

Pintura de Giacomo Francesco Cipper conocida como Todeschini

Vendedor de cerezas cortejado y dos músicos 1720 ca.

Óleo sobre lienzo. La pintura va acompañada de los conocimientos del historiador del arte Dr. Giuseppe Sava. El protagonista de la escena del mercado al aire libre es un vendedor de cerezas, que luce un vistoso sombrero de paja y se sienta junto a una cesta de estas frutas colocada sobre un banco de madera, junto a una piedra sobre la que apoya la acería. Con su mirada sonriente, casi guiñando un ojo, dirigida al espectador, acepta las insinuaciones del hombre que, detrás de ella, le pone una mano en el hombro, con mirada lasciva, mientras dos intérpretes de la izquierda improvisan un concierto. El grupo compuesto y alegre hace referencia a la producción de Giacomo Francesco Cipper, conocido como Todeschini (1664 -1736), pintor de origen austriaco pero lombardo por formación y estilo pictórico, que era un "cantante de campesinos, vendedores ambulantes concentrados en su día a día". ocupaciones o en el ocio", especialista en escenas de mercado, conciertos al aire libre, jugadores de cartas, escenas de la vida cotidiana humilde creadas con fuerza caricaturesca risueña y una búsqueda de efecto. cómico. Cipper tomó este estilo narrativo del pintor danés Monsù Bernardo, activo durante mucho tiempo en Italia, entre Bérgamo y Milán: de él, en particular, la predilección por las historias cotidianas y los personajes humildes, así como el carácter impertinente de estos personajes. que buscan la atención del observador a través de una mirada fija en él. También en este cuadro la mujer protagonista fija su mirada pícara en el observador, sonriendo con complicidad e ironía ante el juego de cortejo en el que los tres hombres la convierten en protagonista, implicando un "mercado" que ya no es sólo el de las cerezas. En su experiencia, el Dr. Sava subraya las relaciones estilísticas y tipológicas de esta pintura con otros personajes de Cipper, para respaldar la atribución; también se explica la evolución estilística en los aspectos formales y técnicos de sus obras -los colores que aclaran, con evidente predilección por el ocre, el avellana, el verde salvia, entre los que se insinúa el azul pálido; los fondos lechosos, los brillos más difusos y los claroscuros menos plásticos, evolución que permite situar la obra en su producción de principios del siglo XVIII. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo adaptado.

Pintura Antigua Retrato Masculino Óleo sobre Lienzo '600-'700

Óleo sobre lienzo. El hombre retratado está envuelto en una lujosa túnica de damasco de color rojo púrpura y sostiene un sobre en la mano, lo que indica su condición de noble literato. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo adaptado y redorado.

Cuadro Esperando la batalla

Óleo sobre lienzo. La gran escena se desarrolla en el exterior de una fortaleza rocosa y presenta una guarnición de soldados que se preparan para la batalla: en primer plano a la izquierda, cerca de un árbol, el grupo de comandantes a caballo observa el trabajo y da órdenes, mientras las tropas arman los cañones en las gradas, preparan lanzas rudimentarias y afilan sus armas. Los colores son claros y apagados, con tonalidades de grises que van desde el cielo despejado con nubes hasta la fortaleza rocosa, para perderse en la tierra, tornándose en un beige arena; sólo destacan algunos de los uniformes de los oficiales, rompiendo la uniformidad cromática. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Retrato pintado de una mujer noble

Óleo sobre lienzo. La noble, una dama elegante y orgullosa con cabello plateado, está representada con un vestido de noche rosa, adornado con encaje y encaje, y completado con una capa de terciopelo azul, forrada con una tela arabesca plateada. La dama no luce ninguna joya, solo tiene un ramo de delicadas flores en su peinado. Restaurada y revestida, tiene una pequeña pérdida de color del fondo en la parte superior. Se presenta en un marco elegante.

Cuadro Virgen en Adoración del Niño Jesús

Óleo sobre lienzo. Se trata de una buena copia de la obra de Antonio Allegri conocida como Correggio (1489 -1534), realizada entre 1518 y 1520, donada por el duque de Mantua, Ferdinando Gonzaga, al gran duque Cosimo II de Medici, colocada en 1617 en la Tribuna de los Uffizi, donde permaneció hasta 1848. El tema del cuadro había gozado de cierta fortuna en el siglo XV a través de las obras de Filippo y Filippino Lippi que habían creado múltiples versiones. La iconografía deriva de la visión del nacimiento de Jesús que tuvo santa Brígida de Suecia en Belén en 1372. En sus Revelaciones la Santa relata que "la Virgen se quitó los zapatos [...] se arrodilló en actitud orante, con las manos se estiró hacia adelante y, de repente, en un instante dio a luz a su Hijo. El recién nacido apareció repentinamente en el suelo y de él irradiaba una luz inefable. Cuando María sintió que había dado a luz al Niño, lo saludó con estas palabras: Bienvenido, oh Dios mío, Señor e Hijo mío”. Se representa así una bella y dulce Virgen que, arrodillada ante Jesús recién nacido, lo contempla con ternura. El Pequeño devuelve la mirada a su madre extendiendo su manita en un intento típicamente infantil de agarrar su vestido. Su vínculo íntimo se ve subrayado por la invención de colocar al recién nacido en un borde del manto de la madre. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo reutilizado.

Cuadro Capriccio Arquitectónico con Figuras

Óleo sobre lienzo. Segunda mitad del siglo XVIII. Una parte de una gran estructura arquitectónica en ruinas llena toda la escena: un pórtico coronado por una balaustrada, cubierto de plantas, rodea un patio donde se mueven varias figuras populares, ocupadas en sus actividades. Un cielo azul brillante corona la estructura y la luz se filtra a través de uno de los arcos para crear un juego de luces y sombras bajo el pórtico. En el reverso del marco hay una atribución a Gaetano Vetturali (1701-1783), aunque la calidad de las figuras parece aquí superior a las del artista de Lucca, que se estableció en su territorio por caprichos arquitectónicos de gran impacto escenográfico. El cuadro se presenta en un elegante marco dorado.

paisaje con figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro, realizado en la primera mitad del siglo XX, retoma la obra paisajística en el tema y en la modalidad pictórica: en un paisaje rico en vegetación y con picos al fondo, un joven plebeyo pide caridad a unos viajeros que descansan. en el borde de la carretera, cerca de un arco de piedra. El lienzo ha sufrido un envejecimiento y se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Pintura Antigua Escena Interior Óleo sobre Lienzo Siglo XIX

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca de principios del siglo XIX. La escena, situada en el ambiente pobre y espartano de una taberna, presenta a dos jugadores de cartas que utilizan un barril como superficie de apoyo, observados por otros dos, mientras beben su copa de vino y fuman. El posadero, de espaldas a la derecha, sale de la habitación. La escena es animada y divertida, con personajes más bien ficticios. En el primer lienzo, el cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Cuadro con Capriccio Arquitectónico y Figuras

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVIII. Capricho arquitectónico típico, es decir, paisajes con estructuras arquitectónicas insertadas, a menudo ruinas de estilo clásico pero en este caso más bien los pronaos de columnas de una estructura barroca, imponentes que ocupan la mayor parte de la escena y que contrastan con las figuras pequeñas y mal definidas de caminantes o populares. personajes. El cuadro, restaurado y revestido, se presenta en un marco de estilo de mediados del siglo XX.

Pintura Antigua Paisaje Ruinas Óleo sobre Lienzo '700-'800

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de finales del siglo XVIII y principios del XIX. En el vasto paisaje, que permite a la mirada recorrer una vasta llanura con colinas borrosas que se asoman en el horizonte, hay una ruina arquitectónica de piedra a la derecha, mientras que a la izquierda un puente igualmente viejo y ruinoso cruza el río. Numerosas figuras de viajeros, a pie o a caballo, llenan la escena. La pintura, todavía en el primer lienzo, se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Cuadro de paisaje con pastora y oveja.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea de finales del siglo XVIII. El cuadro de gran tamaño muestra un paisaje rural, con una casa campesina a la izquierda, la pastora en primer plano a la izquierda mirando su rebaño de ovejas abrevando en el arroyo cercano. El ambiente con colores apagados y luces suaves, con nubes rosadas en el cielo, recuerda un crepúsculo tranquilo y pacífico. En el primer lienzo, el cuadro se presenta en un marco dorado contemporáneo.

Pintura de escena bíblica

David tocando el arpa

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. La escena representa el episodio bíblico tomado del Primer Libro de Samuel que cuenta así: "Cuando el espíritu malo permitido por Dios atacó a Saúl, David tomó el arpa y comenzó a tocar; Saúl se sintió aliviado, estaba mejor, y el espíritu malo se alejó de él." En el cuadro las figuras aparecen poderosas y vigorosas, tanto el rey Saúl como los guardias que lo retienen, representados en una maraña de figuras que ocupa todo el lado izquierdo de la escena; a la derecha está David, quien, aunque joven y sencillo pastor, se mantiene tranquilo frente al rey furioso, tocando su instrumento con dignidad y firmeza. Al fondo, a la derecha, en un pasillo del palacio, los sacerdotes y los consejeros del rey contemplan consternados la cena. En el marco del cuadro hay una placa que atribuye a Bernardo Strozzi. La pintura, restaurada y revestida a mediados del siglo XX, está colocada con estilo en un marco dorado.

Cuadro El suicidio de Porcia

Óleo sobre lienzo. La mujer representada en la escena se remonta a Porcia, la noble romana esposa de Bruto, que vivió en el siglo I a.C.: según la leyenda se suicidó tragándose un carbón encendido, y es en este fatídico momento cuando es representado aquí. El cuadro se acerca mucho a los métodos pictóricos del cuadro homónimo de la escuela de Cignani, atribuido a su alumno Marcantonio Franceschini y conservado en el Palacio Tozzoni de Imola. La figura de Porcia, situada en un interior con elementos clásicos, ocupa todo el campo de la escena, y se representa sentada frente al brasero ardiendo, en el acto de llevarse carbón a la boca; su expresión revela el sufrimiento del gesto que hace, pero también su determinación, la mirada que mira a lo lejos ya la sitúa lejos de la vida que deja. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo del siglo XVIII.

Pintura de Michiel Caree

Paisaje con pastores y rebaños.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. En un espléndido paisaje clásico, con colinas verdes que dominan un curso de agua, un arroyo en primer plano que luego se convierte en un ancho río en la distancia, se encuentran las figuras de un pastor y una pastora que llevan su rebaño al agua. Las escenas pastorales de este tipo caracterizaron la producción del artista holandés Michiel Carree, quien fue pintor de la corte del rey de Prusia en las primeras décadas del siglo XVIII. El cuadro, sobre primer lienzo, se presenta en un marco dorado contemporáneo, en madera tallada y dorada.

Cuadro Cleopatra disuelve una perla en una copa de vinagre

Óleo sobre lienzo. Escuela romana de la segunda mitad del siglo XVII. La escena narra un episodio de la historia de amor entre la reina de Egipto y el triunviro romano Antonio: Cleopatra, para demostrar su riqueza y seducir al apuesto general, organiza un suntuoso banquete, durante el cual ella elige una perla de inestimable valor y él la disuelve. en vinagre, para luego ofrecer la bebida, considerada un poderoso afrodisíaco, a Antonio. En el cuadro la reina se prepara para poner la perla en la copa: la cinta a la que está atada la perla es particular, que recuerda la del cuadro homónimo de Carlo Maratta (1625 -1713). Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de madera de finales del siglo XIX.