Pintura de Moisés sacando agua de la roca

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. La obra de carácter devocional, ve a la Virgen, sentada sobre las nubes y asistida por dos ángeles que sujetan sus vestiduras, es venerada por dos santos, arrodillados a sus pies: a la derecha la joven vestida de príncipe, a cuyos pies está descansando una corona real, se refiere a Isabel de Hungría; a la izquierda, el santo que lleva en brazos al Niño Jesús se identifica como San Caetano da Thiene. Particular es el juego de miradas entre los distintos personajes, que se entrelazan junto con las posiciones y los gestos, para crear un movimiento casi circular. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo restaurado a principios del siglo XX, con varias carencias actuales (por restaurar).

Pintura al óleo sobre lienzo. Se trata de una copia de época del grabado del mismo nombre realizado por Annibale Carracci (1560-1609), que tuvo un éxito inmediato y dio lugar a una serie de réplicas impresas y copias pintadas. Presenta el momento de la Pasión en el que Cristo es coronado con la corona de espinas, objeto de tortura, símbolo denigrante de su proclamación como Rey de Reyes.El acto está protagonizado por dos figuras, el soldado romano y el judío, que representan las dos personas que tomaron parte en la sentencia de muerte de Cristo. Las figuras, vigorosas y sanguíneas, las de los dos verdugos más pálidas e inertes que la víctima, crean una composición de cuerpos entrelazados, uniendo a los otros dos el del Jesús central, uniéndolos en la corresponsabilidad de lo que hacen; colocado de lado, Jesús tiene la cabeza inclinada a la fuerza hacia la izquierda por el soldado que le impone la corona de espinas, mientras que el judío de la derecha coloca la caña de bambú en su mano, reemplazando el cetro. La escena está dominada por colores lúgubres y oscuros, entre los que destaca únicamente el rojo vivo del manto de Cristo, símbolo de su humanidad doliente. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un bello marco coetáneo, con carencias.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. Según la iconografía clásica, la Magdalena penitente está representada con lágrimas en los ojos, el cabello suelto, sin ropa, sosteniendo el frasco de ungüento con el que ungió a Jesús en el episodio evangélico, y la calavera, Memento mori por excelencia. Sobre ella, un angelito señala el cielo. Los modos pictóricos están muy próximos a una obra similar de Panfilo Nuvolone (1581 -1651), pintor italiano activo entre Lombardía y Emilia, intérprete de un manierismo tardío anticuado inspirado en los dictados de la Contrarreforma, conocido por sus bodegones pero también autor de figuras similares a ésta. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un antiguo marco dorado.

Óleo sobre lienzo. Retrato de un noble, orgulloso, con la mano apoyada en la empuñadura de su espada y vestido con un manto ribeteado de armiño. En la esquina superior derecha aparece el escudo de armas de su familia, que muestra un león rampante coronado de rojo que sostiene una espada; a lo ancho hay una banda con tres grupos de bolas dispuestas en forma de flor. Un león rampante similar se encuentra en el escudo de armas de algunas ciudades del centro de Italia, como Faenza. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un marco de madera tallada y lacada coetánea.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa de la segunda mitad del siglo XVIII. Probablemente obra de un seguidor de Claude Joseph Vernet (1714 -1789), pintor francés especializado en marinas, que pintó varias veces vistas de tormentas y naufragios. La escena se desarrolla en una costa rocosa, cerca de un pueblo construido sobre el acantilado; una fuerte tormenta está en curso, descargando un rayo, que destella desde arriba a la derecha, por encima de unas figuras de viandantes asustados, y se dirige hacia el velero que navega a merced de las fuertes olas. El cielo está cargado de nubes negras, aunque un atisbo de azul parece abrirse ya en la lejanía. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Adoración de los Pastores hacia 1620

Óleo sobre lienzo. Escuela véneta del siglo XVII. Siguiendo los modelos popularizados por Jacopo Bassano, el cuadro presenta una escena rica en figuras y elementos de contorno típicos de la vida pastoril, elegante pero con una sencillez rústica. Los pastores crean con María y José un círculo de figuras que adoran al Niño Jesús, círculo en el que también participan animales, el buey y la oveja, mientras que unos angelitos completan la escena dando vueltas por encima. La obra se remonta a la producción de Baldassarre D'Anna, pintor de origen veneciano que se formó con Leonardo Corona, cuyos vivos colores e instancias de claroscuro reprodujo, y que más tarde trabajó en Venecia, Dalmacia, Istria y en toda la zona de Friuli. Se sitúa en la mejor etapa del artista, entre 1610 y 1620. En particular, encontramos las mismas características y muchos de los personajes que en la serie de ocho lienzos pintados hacia 1620 para el Santuario de las Gracias de Cordovado, en la provincia de Pordenone: similares son los colores vivos extendidos con fondos nítidos y drapeados angulosos, los contornos enérgicos, las fisonomías severas y marcadas que encontramos tanto en los pastores como en la Virgen arrodillada. También encontramos en la obra las notas realistas «à la Bassano», como la cesta de huevos de la que emerge una servilleta, la arquitectura desprovista de toda monumentalidad.

Óleo sobre lienzo. En el centro de la escena, un rey se arrodilla en actitud contrita ante un anciano, que se inclina hacia él en actitud benévola de bienvenida; a su alrededor, los soldados del séquito y otros dignatarios observan en obsequiosa participación. Podría tratarse del episodio bíblico del arrepentimiento del rey David ante el profeta Natán, que le abrió los ojos ante su pecado de concubinato con Betsabé y el asesinato de su marido Urías, y luego le aseguró el perdón del Señor. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco, compuesto de elementos antiguos, al que le faltan algunas piezas.

Óleo sobre lienzo. La escena representa una batalla entre un ejército de moros y soldados blancos, que defienden una fortificación desde la que disparan cañones, mientras al fondo emerge una ciudad blanca en lo alto de un promontorio. Situada cerca del mar, con varias naves de los invasores dirigiéndose hacia la costa, la escena se centra en la captura del rey moro, en el centro sobre su caballo blanco, con una expresión de consternación en el rostro al verse rodeado por soldados contrarios que intentan derrocarle, mientras los suyos tratan de defenderle. La atmósfera de la escena está dominada por el polvo y el humo de los cañones, cubriendo a todos los personajes con un velo terroso, incluso allí donde los colores de las túnicas serían más vivos. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. El gran paisaje nórdico, con verdes laderas montañosas en medio de las cuales fluye un río, está habitado por varias figuras en primer plano: un grupo de personas escucha a un joven que, de pie en el centro, anuncia algo, señalando, con el brazo extendido hacia arriba, el sol que se abre paso entre las nubes oscuras. Evoca una predicación de San Juan Bautista, aunque ningún elemento iconográfico remite específicamente a este personaje. El cuadro, restaurado y reencuadrado, está montado en un marco de principios del siglo XX. Se presenta en un marco coetáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a un cuenco lleno de hongos porcini y un racimo de uvas: con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la bella composición se puede ver, descansando sobre un aparador de madera con incrustaciones, una cesta llena de cerezas, algunas de las cuales están esparcidas por encima, y un plato lleno de grosellas rojas, mezcladas con hojas y algunas flores de cerezo. Un jilguero descansa sobre el asa de la cesta; para enmarcar la composición, a la derecha un gran ramo de flores multicolores en un jarrón, a la izquierda una cortina roja. Destacan los colores vivos de las frutas, las flores y la cortina, mientras que el armario de apoyo se funde con el fondo oscuro, al igual que el pajarito, distinguible del fondo oscuro sólo por el plumaje blanco de las alas y el contorno rojo de la ojos. La obra forma parte de la gran producción emiliana del siglo XVII de este tipo de tema altamente decorativo. El cuadro, restaurado y reasentado, presenta una marcada fisura y gotas de color en los bordes.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales de 1600-principios de 1700. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a dos grandes calabazas y frutas mixtas (uvas y melocotones): con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.