Tableau Ancien Sujét Sacré Huile sur Toile XVIIe-XVIIIe Siècle

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. L'œuvre à caractère dévotionnel, voit la Madone, assise sur les nuées et assistée de deux anges qui soutiennent ses vêtements, est vénérée par deux saints, agenouillés à ses pieds : à droite la jeune femme en habit princier, aux pieds de laquelle se trouve reposant une couronne royale, il fait référence à Elisabeth de Hongrie ; à gauche, le saint tenant l'Enfant Jésus dans ses bras peut être identifié comme San Caetano da Thiene. Particulier est le jeu de regards entre les différents personnages, qui s'entremêlent avec les positions et les gestes, pour créer un mouvement presque circulaire. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien restauré au début du XXe siècle, avec divers manques actuels (à restaurer).

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie d'époque de la gravure du même nom réalisée par Annibale Carracci (1560-1609), qui connut un succès immédiat et donna lieu à une série de répliques imprimées et de copies peintes. Il présente le moment de la Passion où le Christ est couronné de la couronne d'épines, objet de torture, symbole dénigrant de sa proclamation comme Roi des rois. L'acte est accompli par deux personnages, le soldat romain et le Juif, représentant les deux personnes qui ont participé à la condamnation à mort du Christ. Les figures, vigoureuses et sanguines, celles des deux bourreaux plus pâles et plus inertes que la victime, créent une composition entrelacée de corps, celle du Jésus central rejoignant les deux autres, les unissant dans la responsabilité partagée de ce qu'ils font ; placé de côté, Jésus a la tête inclinée de force vers la gauche par le soldat qui lui impose la couronne d'épines, tandis que le Juif de droite place la canne de bambou dans sa main, remplaçant le sceptre. La scène est dominée par des couleurs sombres et sombres, parmi lesquelles seul ressort le rouge vif de la robe du Christ, symbole de son humanité souffrante. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un beau cadre contemporain, avec des défauts.

Huile sur toile. École lombarde du XVIIe siècle. Selon l'iconographie classique, la Madeleine pénitente est représentée avec les larmes aux yeux, les cheveux dénoués, les vêtements dévêtus, tenant près d'elle le pot de parfum avec lequel elle a oint Jésus dans l'épisode évangélique, et le crâne, le Memento mori par excellence. Au dessus d'elle, un petit ange pointe vers le ciel. Les procédés picturaux sont très proches d'une œuvre similaire de Panfilo Nuvolone (1581 -1651), peintre italien actif entre la Lombardie et l'Émilie, interprète d'un maniérisme tardif suranné inspiré des diktats de la Contre-Réforme, connu pour ses natures mortes mais aussi auteur de figures similaires à celle-ci. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre doré ancien.

Huile sur toile. Portrait d'un noble, fier, la main posée sur la poignée de son épée et vêtu d'un manteau doublé d'hermine. En haut à droite apparaît le blason de sa maison, qui représente un lion rouge rampant couronné et tenant une épée ; à travers une bande avec trois groupes de boules disposées en forme de fleur. Un lion rampant semblable à celui-ci se retrouve dans les armoiries de certaines villes du centre de l'Italie, comme Faenza. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre contemporain en bois sculpté et laqué.

Huile sur toile. Ecole française de la seconde moitié du XVIIIe siècle. Probablement l'œuvre d'un disciple de Claude Joseph Vernet (1714 -1789), peintre français spécialisé dans les scènes marines et qui peignait souvent des aperçus de tempêtes et de naufrages. La scène se déroule sur une côte rocheuse, près d'un village construit sur la falaise au-dessus ; une forte tempête fait rage, qui décharge un éclair, frappant en haut à droite, au-dessus de quelques figures effrayées de voyageurs, et dirigé vers le voilier qui navigue à la merci des fortes vagues. Le ciel est plein de nuages ​​noirs, même si au loin une tache bleue semble déjà commencer à s'ouvrir. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Adoration des Bergers, vers 1620

Huile sur toile. École vénitienne du XVIIe siècle. En regardant les modèles diffusés par Jacopo Bassano, le tableau présente une scène riche en figures et en éléments environnants typiques de la vie pastorale, élégante mais avec une simplicité rustique. Les bergers, avec Marie et Joseph, créent un cercle de personnages adorant l'Enfant Jésus, cercle auquel participent également les animaux, le bœuf et le mouton, tandis que les petits anges complètent la scène en tournant au-dessus. L'œuvre remonte à la production de Baldassarre D'Anna, peintre né à Venise qui s'est formé auprès de Leonardo Corona, dont il a reproduit la vivacité chromatique et le clair-obscur, et a ensuite travaillé à Venise, en Dalmatie, en Istrie et dans toute la région du Frioul. Elle se situe dans la meilleure phase de l'artiste, entre 1610 et 1620, on retrouve en particulier les mêmes caractéristiques et de nombreux caractères de la série de huit toiles réalisées vers 1620 pour le Sanctuaire delle Grazie à Cordovado dans la province de Pordenone : semblables sont les couleurs vives étalées sur des fonds clairs et des draperies nettes, les contours énergiques, les physionomies sévères et marquées que l'on retrouve aussi bien chez les bergers que chez la Vierge agenouillée. L'œuvre présente en outre des notes réalistes « à la Bassano », comme le panier d'œufs d'où émerge une serviette, et l'architecture dénuée de toute monumentalité. En raison de sa petite taille, cette toile peut être attribuée à une commande privée, destinée à la dévotion personnelle ou à la collection. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre doré de style. Le tableau est accompagné d'une expertise.

Huile sur toile. Au centre de la scène un roi s'agenouille dans une attitude contrite devant un homme âgé, qui se penche vers lui avec une attitude d'accueil bienveillant ; tout autour, les soldats de la suite et autres dignitaires assistent avec sympathie et obséquiosité. Il pourrait s'agir de l'épisode biblique du repentir du roi David devant le prophète Nathan, qui lui a ouvert les yeux sur son péché de concubinage avec Bethsabée et sur le meurtre de son mari Urie, puis l'a assuré du pardon du Seigneur. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque, composé d'éléments anciens, comportant plusieurs manques.

Huile sur toile. La scène représente une bataille entre une armée de Maures et des soldats blancs, défendant une fortification d'où tirent des canons, tandis qu'en arrière-plan, une ville blanche surgit au sommet d'un promontoire. Située près de la mer, avec plusieurs navires envahisseurs se dirigeant vers la côte, la scène se concentre sur la capture du roi maure, au centre sur son cheval blanc, avec une expression consternée sur le visage car il est entouré de soldats adverses qui tentent pour le renverser, pendant que ses hommes tentent de le défendre. L'atmosphère de la scène est dominée par la poussière et la fumée des canons, qui couvrent tous les personnages d'un voile terreux, même là où les couleurs des vêtements seraient plus vives. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École vénitienne du XVIIIe siècle. Le grand paysage nordique, aux pentes verdoyantes des montagnes au milieu desquelles coule une rivière, est habité par plusieurs personnages au premier plan : un groupe de personnes écoute un jeune homme debout au centre, qui annonce quelque chose en montrant du doigt bras tendu vers le haut, le soleil brisant les nuages ​​sombres. Il évoque un sermon de saint Jean-Baptiste, même si aucun élément iconographique ne fait spécifiquement référence à ce personnage. Le tableau, restauré et rentoilé, est monté sur un châssis du début du XXème siècle. Il est présenté dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté d'un bol rempli de cèpes et d'une grappe de raisin : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Dans la belle composition, on peut voir, posés sur un buffet en bois marqueté, un panier plein de cerises, dont certaines sont éparpillées sur le dessus, et une assiette pleine de groseilles rouges, mélangées avec des feuilles et quelques fleurs de cerisier. Un chardonneret repose sur l'anse du panier ; pour encadrer la composition, à droite un grand bouquet de fleurs multicolores dans un vase, à gauche un rideau rouge. Les couleurs vives des fruits, des fleurs et du rideau ressortent, tandis que le meuble de support se fond dans le fond sombre, tout comme le petit oiseau, ne se distinguant du fond sombre que par le plumage blanc des ailes et le contour rouge du les yeux. L'œuvre fait partie de la grande production émilienne du XVIIe siècle de ce type de sujet très décoratif. La peinture, restaurée et rentoilée, présente une fissure marquée et des gouttes de couleur le long des bords.

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté de deux grandes citrouilles et de fruits mélangés (raisins et pêches) : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.