Vierge à l'Enfant Huile sur Toile Italie XVIIe Siècle - Version réduite d'un retable de Girolamo Mazzola Bedoli

Peinture à l'huile sur toile. La scène se déroule à proximité d'un camp militaire : devant une tente à gauche un chef d'armée, probablement grec, reçoit les offrandes d'un groupe d'hommes pauvres et en haillons qui se prosternent devant le nouveau maître ; le premier tend des miches de pain, un autre sort quelque chose d'un sac, le troisième montre les blessures de son corps pour demander grâce ; derrière eux, d'autres figures de mendiants s'approchent, formant une ligne éparse sur le chemin qui s'efface au loin sur la droite. Au fond à gauche, la vie dans le camp militaire est trépidante. Le tableau a été restauré et rentoilé.

Peinture à l'huile sur toile. École de l'Italie du Nord du XVIIe siècle. Le grand tableau présente comme sujet un thème bien connu de l'Ancien Testament, la richesse du roi Salomon, raconté dans le Premier Livre des Rois : « Le roi Salomon surpassa donc, en richesse et en sagesse, tous les rois de la terre. partie de la terre pour s'approcher de Salomon pour écouter la sagesse que Dieu avait placée dans son cœur. Chacun lui apportait, chaque année, des offrandes d'objets en argent et en or, des vêtements, des armes, des épices, des chevaux et des mulets". Dans le tableau, le roi, richement vêtu des symboles de la royauté (la couronne, le sceptre, le manteau d'hermine), écoute debout les postulants qui viennent à lui pour recevoir les conseils dictés par sa proverbiale sagesse, et en échange ils lui apportent des offrandes, à la mesure de leur rôle social : certains agriculteurs apportent en cadeau des sacs de céréales, fruits de leur travail dans les champs, un autre lève haut une coupe, pour attirer l'attention du roi. Les couleurs et le style pictural du tableau font référence à la production de l'Italie du Nord, notamment vénitienne. Le tableau a été restauré et rentoilé.

Disciple de Peter Paul Rubens

Huile sur toile. Le tableau dérive de l'œuvre de Rubens (1577 -1640) conservée au musée du Prado à Madrid, reproduite comme contrepartie dans la gravure de Paulus Pontius (1603 -1658), qui apparaît également dans cette version. Au centre de la scène, à la verticale, se trouve la figure de Marie, dont le visage est inspiré de celui d'Isabel Brandt, la première épouse du peintre flamand, décédée en 1626 à l'âge de 35 ans. La Vierge tient dans ses bras l'Enfant Jésus, qui la regarde tendrement mais gravement dans les yeux, tandis qu'une petite main se pose sur le sein découvert de sa mère, dont il vient d'être nourri ; derrière, debout, sainte Anne entoure les épaules de sa fille et de son petit-fils d'une étreinte tendre et protectrice, en souriant avec complaisance : Sur le côté gauche, un peu à l'écart et dans l'obscurité, Joseph observe, pensif et inquiet : c'est la seule figure humaine qui ne s'intègre pas dans la lumière émanant du visage de l'Enfant, rayonnant sur celui de Marie et, par réflexion, également sur celui de Sainte Anne. Par rapport à l'œuvre du maître, la composition des figures est respectée, mais plusieurs détails varient, notamment dans les vêtements de sainte Anne, de Marie et dans la draperie qui entoure les hanches de l'Enfant, ce qui renforce l'hypothèse qu'il s'agit de l'œuvre d'un suiveur du maître flamand. La peinture, restaurée et reteinte, est en bon état, avec seulement une éraflure dans la couleur en haut au centre.

Huile sur toile. École d'Italie centrale du XVIIe siècle. Cette représentation inhabituelle et particulière présente à gauche les trois personnages de la Sainte Famille, avec Jésus déjà enfant, assis à table et bénissant le simple repas qu'ils s'apprêtent à prendre (composé de fruits et de pain). La scène, un sujet représenté plutôt rarement et habituellement avec un caractère plus sacré en raison de la présence d'anges servant la nourriture à la famille, a ici plutôt la saveur d'une intimité domestique très normale et très simple. D'autre part, tout autour de la Sainte Famille se détache majestueusement un aperçu d'une ville de la Renaissance, avec de hauts bâtiments dotés de loggias et de colonnades, présentés dans un bel effet de perspective qui mène, à l'extrême droite, au mur d'entrée d'une ville richement touffue, probablement Jérusalem. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Attr. à Domenico Lupini

Huile sur toile. Le tableau représente un épisode de la mythologie romaine relatif à la jeune héroïne romaine Clélia, qui fut donnée en otage, avec d'autres jeunes filles, au roi étrusque Porsenna lors de négociations de paix avec la cité ; Clélia réussit cependant à s'échapper en traversant le Tibre à la nage. Porsenna exigea qu'elle soit rendue aux Romains, qui acceptèrent, mais admirant son héroïsme, il décida de la libérer en lui permettant d'emmener avec elle d'autres prisonnières, que Clélia choisit parmi les plus jeunes. Le moment représenté dans le tableau est celui de la traversée du fleuve, dont la personnification se trouve au premier plan à droite, dans la figure du vieillard canin, accompagné d'une jeune femme avec une corne d'abondance. La scène est très dynamique : Clélia et les autres jeunes filles forment un groupe dense et animé autour du cheval monté par le protagoniste, comme le rappellent certaines versions de l'histoire ; derrière elles se trouvent les tentes du camp du roi étrusque avec quelques soldats. De l'autre côté du fleuve, un autre groupe de femmes a déjà effectué la traversée, tandis qu'à l'arrière-plan se dessine la ville capitoline à l'aspect classique. L'œuvre, comme l'atteste un petit cartouche, est attribuée à Domenico Lupini, un artiste dont on ne sait pas grand-chose mais dont on peut supposer qu'il a exercé son activité entre Bergame et Venise. Les deux seules œuvres signées sont une "Madeleine convertie" et une "Annonciation", mais d'autres œuvres lui ont été attribuées par l'érudite Federica Nurchis et ont été placées dans le monastère de Santa Chiara à Bergame. Le tableau présente un chromatisme chaud et raffiné qui, avec l'élégance des personnages et le mode de composition, suggère le séjour vénitien de Lucini, qui semble rappeler les atmosphères du Tintoret, de Véronèse et de Palma il Giovane. La peinture présente des signes de restauration et de retouche.

Huile sur toile. Intense et de qualité, le tableau représente un monarque de la maison royale d'Écosse. Autour du portrait, dans un cadre ovale peint, il y a quelques écritures : le nom Rober (t) apparaît en haut à gauche, le titre Rex en bas à gauche et l'abréviation Scot à droite, qui signifie Scotorum ; l'écriture en haut à droite n'est pas identifiable, mais il semble qu'il s'agisse d'un acronyme. L'homme représenté porte un chapeau et une veste ornés de fourrure d'hermine, considérée comme la fourrure la plus noble réservée à la royauté. Il porte un pendentif en or autour du cou, qui représente deux feuilles avec le fruit du chardon, qui en héraldique symbolise l'Écosse. L'écriture et le pendentif font donc référence à un Robert d'Ecosse, probablement de la dynastie qui régna au XIVe siècle. Le portrait a également été exécuté dans la période romantique du XIXe siècle, en utilisant probablement des gravures anciennes pour s'inspirer. Restaurée et regarnisée, elle est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École napolitaine du XVIIe siècle. Une composition de fleurs panachées dans des tons clairs est placée dans un vase, noir comme le fond, sur un socle de marbre, dont on ne distingue que le socle, car il est recouvert d'un tissu également noir, dont on ne distingue que les garnitures dorées disposées de façon à créer un jeu de courbes. Sur les deux côtés du plan se trouvent deux oiseaux, un gros pigeon à gauche tenant dans son bec une petite branche volée à la composition, et un pic à tête rouge à droite. Le long de la marge gauche se trouve un paysage, avec un grand arbre courbé sous un ciel sombre, et une ville à l'arrière-plan. Restauré et retouché, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur cuivre. Ecole flamande du XVIIe siècle. Le tableau, attribué par tradition orale à Frans Francken le jeune (1581 -1642), représente une guérison miraculeuse opérée par Jésus : alors qu'il accompagne ses disciples, il rencontre sur son chemin un malade, probablement atteint de la lèpre, une maladie qui isolement et bannissement de la ville; l'homme invoque le Christ qui accomplit le miracle et le guérit. Le tableau place l'événement sur le bord gauche de la scène, au premier plan, où les personnages habillés selon le style typique de l'époque du Christ se distinguent par leurs couleurs vives ; de plus, le paysage qui remplit le reste de la scène est résolument nordique, avec une rivière pleine d'eau qui coule dans une campagne pleine de végétation, et une ville en arrière-plan sous les sommets des montagnes. La description picturale de la végétation est minutieuse et précise, riche et bien définie dans les détails : le tronc brisé au premier plan, les frondes du grand arbre derrière les personnages, les oiseaux volant haut dans le ciel, les petites fleurs sur le rivage , les nuances de l'eau dans lesquelles se reflètent plantes et nuages ​​sont peintes avec un raffinement pictural typique de la peinture flamande, proche dans le style de celui du grand artiste anversois. La peinture est présentée dans un cadre antique réutilisé.

Huile sur toile. École d'Italie du Nord. La représentation de la Nativité est vue ici comme un moment contemplatif du Saint Enfant, par Marie et Joseph, accompagnés de petits anges. Les voies picturales reprennent celles de modèles largement reproduits, partant de Correggio, de Barocci, pour arriver aux nombreuses versions de Gherardo delle notte, ou du peintre flamand Gerard Von Honthorst, représentatif du ténébrisme, courant pictural qui jouait sur de forts contrastes d\'obscurité. et la lumière, la lumière et l\' obscurité. Dans cette œuvre aussi, la lumière rayonnée par l\'Enfant Jésus illumine les personnages qui l\'entourent et les fait émerger des ténèbres environnantes. L\'œuvre restaurée et regarnisée est présentée dans un cadre du XIXe siècle.

Copie de Guido Reni

Peinture à l'huile sur toile. L'œuvre est l'une des nombreuses répliques, avec quelques variantes, du célèbre sujet créé par le célèbre peintre bolognais Guido Reni (1574 -1642) et son atelier. La composition, qui voit la Vierge en prière penchée pour adorer l'Enfant endormi, est considérée comme une invention de la brillante veine de Reni, qui, suite au grand succès auprès des collectionneurs de l'époque, fut ensuite reprise par d'autres auteurs du XVIIe siècle. , parmi lesquels se distingue le nom de Giovan Battista Salvi dit "Il Sassoferrato". Les deux variantes les plus célèbres de cette scène fascinante voient la Vierge avec les mains jointes en prière, adoptée par Salvi, ou celle avec les mains sur la poitrine, comme celle-ci, typiquement de Reni. D'autres variantes concernent la position de la tête de l'Enfant Jésus endormi, tournée vers le haut comme dans cette version, plutôt qu'inclinée sur le côté ; enfin les tissus de fond changent. Cependant, l'intensité de la scène ressort également dans cette réplique : elle est occupée transversalement par le corps abandonné au repos de l'enfant, où la nature divine est soumise à l'humaine dans le sommeil ; au-dessus, incliné dans un geste protecteur et en même temps contemplatif, le corps de Marie, qui exprime toute la tendresse maternelle mais aussi, dans le geste des mains, l'adoration du mystère incarné représenté par le petit fils. Les couleurs vives des tissus - l'oreiller sur lequel Jésus est couché, le rideau derrière, les vêtements de la Mère - font ressortir l'éclat des tons chair. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre fin XIXème.

Peinture à l'huile sur toile. L'épisode biblique représenté fait référence à l'histoire de Daniel, le prophète de la cour du roi Darius le Mède qui, pour avoir prié son Dieu, fut condamné à être jeté dans la fosse aux lions. Mais Dieu a sauvé Daniel, en envoyant un ange pour fermer les mâchoires des bêtes, et le roi a pardonné à Daniel en condamnant à la place ceux qui l'avaient dénoncé. Le sujet a été représenté à plusieurs reprises dans l'art, pour la fascination liée à l'histoire mais aussi pour sa saveur exotique due à la présence de bêtes sauvages ; on se souvient en particulier de la version de Rubens de 1615, où le prophète est représenté, nu dans la fosse souterraine, tandis qu'il prie ardemment, entouré d'une foule de lions féroces. L'œuvre présentée ici propose plutôt une version centrée sur le dialogue entre le prophète et l'ange, qui se font face, se détachant par les couleurs vives de leurs robes sur le fond sombre d'une prison ; il n'y a qu'un seul lion, docilement accroupi aux pieds de l'ange, et donc la dimension spirituelle et salvatrice de l'événement biblique prévaut. Selon le célèbre historien de l'art Maurizio Marini, spécialiste de la peinture du Caravage et de l'art baroque, qui avait eu l'occasion de voir le tableau il y a des années, l'œuvre pourrait être attribuée à Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) pour la composition et choix chromatiques. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté avec un cadre en listello.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIème siècle. Dans le portrait de ce gentleman, la robe de chambre confectionnée dans un élégant tissu fleuri se détache particulièrement, dans des tons de rouge brique qui rappellent la couleur de la perruque. La sévérité de la pose et le regard austère du personnage contrastent presque avec l'élégance presque frivole de son habillement. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre du début des années 1900.