SECTION ART

Nature morte avec des trous, des fruits, un perroquet et une caille

Huile sur toile. Ecole napolitaine du XVIIe-XVIIIe siècle. La grande composition est riche de nombreux éléments différents : au centre se dresse une grande composition florale, de multiples variétés aux couleurs vives ; à gauche des fleurs, appuyées sur un chapiteau dorique, se trouve une perruche aux couleurs vives contrastant avec celles ternes de la caille morte gisant à l'étage inférieur, accompagnée de citrouilles et d'un vase en étain. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque. Il provient d'une importante collection (Commendatore Arturo Stucchi, un entrepreneur de Côme, est mentionné au dos).

Paysage de neige avec personnages 1872

Huile sur toile. Signé, daté 1872 et situé à Parme dans le coin inférieur droit. C'est un grand paysage d'hiver à fort impact scénique, qui s'inscrit bien dans le traditionalisme scénographique de la peinture de Mentore Silvani, artiste natif de Traversetolo (Parme), paysagiste mais également connu comme scénographe. Dans la scène, parsemée du blanc d'une courte chute de neige qui crée cette atmosphère hivernale raréfiée et silencieuse typique, parmi les arbres nus et secs, un chemin de terre serpente à travers un voyageur; à droite un bâtiment délabré avec un lavoir où une femme puise de l'eau ; au centre une petite colonne sur laquelle est montée une image sacrée. Formé dans sa ville natale, Silvani participe aux expositions de l'Encouragement de Parme à partir de 1864, et c'est principalement dans sa ville que l'on retrouve aujourd'hui ses oeuvres (à la Municipalité de Parme, à la Galerie Nationale, au lycée artistique Paolo Toschi) ; cependant, il expose également à Milan (1872) et à Florence (1875). Formé comme scénographe à l'école de Gerolamo Magnani, Silvani occupe ce poste à Parme mais aussi à Venise à partir de 1871. Sa production picturale, qui comprend principalement des paysages ruraux de la campagne de Parme, est toujours caractérisée par la fidélité à la réalité. Le travail proposé ici est présenté dans un cadre contemporain.

Amour et Psyché

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. La scène fait référence, avec quelques variantes mais de taille très proche, à une partie de la grande fresque intitulée « Banchetto degli dei » dans la Chambre de Cupidon (ou Chambre de Cupidon et Psyché) du Palazzo Té à Mantoue, une grande représentation de plus de neuf mètres fabriqués par Giulio Romano avec son atelier au XVIe siècle. La scène proposée (qui à Mantoue est située à droite du grand banquet) voit Cupidon et Psyché allongés sur un triclinium, tandis qu'une petite figure ailée les couronne de laurier et que deux nymphes lavent la main de Cupidon ; au fond à droite un groupe de satyres sacrifie une chèvre à l'autel d'une divinité, tandis qu'au centre, au loin, une ville brûle. Le banquet des dieux est le dernier moment du mythe des deux amants qui, après maintes épreuves et vicissitudes, obtiennent de Vénus la permission de se marier. L'oeuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre ancien.

Bacchus Ivre

Huile sur toile. Signée en bas à droite. Le dieu est représenté debout sur la scène, uniquement vêtu d'un tissu autour des reins et de feuilles de lierre placées sur les hanches et la tête, tenant un calice d'une main ; son regard est vide et hébété. Derrière lui, un putto semi-allongé joue avec du lierre. Tout autour, des nuages blancs, tout comme le sol est blanc, avec des éclats de ciel bleu et un buisson vert qui créent les seuls contrastes. Au dos de l'œuvre figure l'étiquette "Mario Galli Collezione d'Arte", avec le numéro de catalogue 64 et l'inscription autographe de l'artiste. L'œuvre représente bien la peinture de cet artiste, né à Modène mais formé artistiquement d'abord à Rome puis à Florence, où il passa la plus grande partie de sa vie. Sa riche production propose d'abord des sujets historiques, puis des portraits et enfin des paysages. Son originalité se reconnaît dans sa capacité à passer de sujets historiques, souvent situés dans des décors de l'ancienne Pompéi, au naturalisme à la Macchiai de sa deuxième période, dans laquelle Muzzioli recherche une perception significative de l'atmosphère et de la lumière dans des sujets inspirés de l'environnement rural toscan, souvent situés dans l'antiquité. Dans cette œuvre, un portrait d'un personnage mythologique, l'intention luministe de l'artiste transparaît fortement, la recherche de l'effet de la lumière jouant sur les corps nus du dieu et du putto, avant de s'effacer dans l'arrière-plan. L'étiquette de la galerie d'art renvoie au Florentin Mario Galli (1877 -1946), sculpteur qui fut également un important collectionneur d'œuvres, notamment de Macchiaioli. L'œuvre présente une fissure importante et a été retouchée. Elle est présentée dans un cadre élégant.

Paysage Fluvial avec Bergère et Ruines

Huile sur toile. Signé "Schütz decisit" sur la ruine à droite de la bergère. Christian Georg Schütz l'Ancien capture un paysage idyllique et serein, traversé par une rivière sinueuse et lente ; sur la rive droite se trouvent quelques ruines architecturales de structures classiques, tandis qu'au premier plan, assise au centre, sereine et posée, une bergère file la laine tout en veillant sur son petit troupeau de chèvres et de vaches. Le tableau est un hymne à la nature, où les éléments naturalistes, la terre, le ciel, la rivière se rencontrent pour former une scène harmonieuse et équilibrée, imprégnée de lumière rose, dans laquelle les personnages vivants et les vestiges architecturaux s'intègrent avec équilibre et calme. Schütz a créé principalement des vues fluviales du Rhin et du Main, lieux qu'il habitait, et a travaillé pour d'importants clients allemands, nobles et prélats. Le tableau a participé à plusieurs ventes aux enchères d'art. Restauré et rentoilé, il est présenté dans un cadre d'époque.

Affrontement entre soldats et guérilleros en Espagne

Huile sur toile. Accompagné de l'expertise du professeur Fernando Mazzocca. Le tableau appartient à une série d'œuvres du peintre véronais Giuseppe Canella situées en Espagne, à la suite du séjour de l'artiste dans ce pays entre 1820 et 1823, qui l'a amené à s'arrêter dans diverses villes espagnoles, la dernière étant Madrid où il fréquenta la cour. De ses voyages à travers l'Europe, Canella rapporte de nombreux dessins dont il s'inspire pour les œuvres ensuite retravaillées dans son atelier de Milan, souvent présentées ensuite aux expositions de l'Académie de Brera. Dans cet ouvrage, la référence est à une période dramatique de l'histoire de l'Espagne, marquée par les soulèvements constitutionnels contre le roi Ferdinand VII de Bourbon, qui provoquèrent l'intervention française en soutien à la monarchie contre les rebelles. En réalité, l'événement historique est presque un prétexte pour Canella pour rappeler la dureté et le charme du paysage montagneux, qui sert de toile de fond monumentale à l'affrontement entre l'armée et les rebelles, petites figurines presque indistinctes. Le tableau, en excellent état, ne présente que de très légères chutes de couleur, déjà restaurées. Il est présenté dans un cadre contemporain.

Vendeur de Cerises CourtiséE et deux Musiciens 1720 ca.

Huile sur toile. Le tableau est accompagné de l'expertise de l'historien de l'art Dr Giuseppe Sava. Le protagoniste de la scène du marché en plein air est un vendeur de cerises, qui porte un chapeau de paille voyant et est assis à côté d'un panier de ces fruits posé sur un banc en bois, à côté d'une pierre sur laquelle repose la cour en acier. Le regard souriant, presque clignotant, tourné vers le spectateur, elle accepte les avances de l'homme qui, derrière elle, pose une main sur son épaule, d'un air lascif, tandis que deux musiciens à gauche improvisent un concert. Le groupe composite et joyeux fait référence à la production de Giacomo Francesco Cipper, dit Todeschini (1664 -1736), peintre d'origine autrichienne mais lombard par sa formation et son style pictural, qui était un "chanteur de paysans, vendeurs ambulants soucieux de leur quotidien occupations ou de loisirs", spécialiste des scènes de marché, des concerts en plein air, des joueurs de cartes, des scènes de vie humble quotidienne réalisées avec une force caricaturale riante et une recherche d'effet comique. Cipper a tiré ce style narratif du peintre danois Monsù Bernardo, longtemps actif en Italie entre Bergame et Milan: de lui est notamment née la prédilection pour les histoires quotidiennes et les personnages humbles, ainsi que le caractère impertinent de ces personnages, qui sollicitent l'attention de l'observateur à travers un regard fixé sur lui. Dans ce tableau également, la femme protagoniste fixe son regard malicieux sur l'observateur, souriant avec complicité et ironie au jeu de cour dans lequel les trois hommes font d'elle la protagoniste, impliquant un « marché » qui n'est plus seulement celui des cerises. Dans son expertise, le Dr Sava souligne les relations stylistiques et typologiques de ce tableau avec d'autres personnages de Cipper, pour étayer l'attribution ; l'évolution stylistique dans les aspects formels et techniques de ses œuvres est également expliquée - les couleurs qui s'éclaircissent, avec une prédilection évidente pour l'ocre, le noisette, le vert sauge, parmi lesquels s'insinue le bleu poudré ; les fonds laiteux, la luminosité plus tamisée et le clair-obscur moins plastique, une évolution qui permet de situer l'œuvre dans sa production du début du XVIIIe siècle. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien adapté.