ART CONTEMPORAIN
 

Tableau Contemporain Copie Signée Rognoni du XXe Siècle

Vision Fantastique avec Figures

Huile sur toile. La signature du peintre Franco Rognoni apparaît en bas à droite, mais l'œuvre n'a pas été reconnue comme authentique par les archives de l'artiste. Il reprend également le style pictural de Rognoni, caractérisé par des figures, hommes et maisons, dessinées en noir avec quelques traits précis, puis remplies de couleur qui s'estompe dans l'arrière-plan. La toile représente une élégante figure masculine appuyée, impassible et indifférente, contre la balustrade fleurie d'une terrasse surplombant une ville ; au-dessous de lui, en bas à gauche, émerge un autre visage (le même homme ?) coiffé d'un casque militaire et placé sur un fond urbain plus sombre, moins ensoleillé : que ce soit l'homme en guerre qui évoque le temps de paix ou l'inverse, la référence à l'alternance dans la vie de la paix et de la guerre, de la sérénité et du drame est évidente. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Peinture de Paolo Patelli

Sans titre 2003

Technique mixte sur papier. Signé et numéroté au dos. Exemplaire n° 40 d'une édition de 350 exemplaires, dont les 50 premiers exemplaires sont numérotés et signés par l'artiste. Ces œuvres ont été réalisées en annexe au Catalogue de la 1040e exposition à la Galleria del Cavallino - Venise, tenue en octobre 2003 et dédiée aux œuvres de Paolo Patelli, comme indiqué dans le colophon de la brochure, où il y a une autre signature de l'artiste et une dédicace. Paolo Patelli, artiste d'origine istrienne, exprime la joie de peindre en créant des œuvres enrichies par sa passion pour la musique. L'esprit rythmique du style de l'artiste capture les mouvements et les traduit dans un langage visuel qui brise le moule des modèles artistiques traditionnels, rendant chaque ligne et chaque coup de pinceau visibles tout en laissant une large exposition de la surface du papier.

Panneau Contemporaine Cuivre Bruni Italie des Années 70

Plaque de cuivre brunie et travaillée, avec des décorations ponctuelles plus claires, des gaufrages et des trous, montée sur un panneau de contreplaqué teinté rouge.

Sculpture Lumineuse Contemporaine Aluminium Années 70

Sculpture en bas-relief, avec fils métalliques, globe en aluminium et douille montée en forme de papillon sur un panneau en plastique noir brillant. Sur l'étiquette arrière du Studio EF, modèle top, Made in Italy.

Composition Abstraite Contemporaine Métal Encadrée Années 70

Sculpture en bas-relief, composée d'anneaux et d'autres formes métalliques montées sur un panneau métallique. Dans le cadre.

Panneau de sculpture en cuivre et laiton des années 70

Panneau en cuivre et laiton, travaillé de figures géométriques irrégulières. Inspiré des œuvres du sculpteur et peintre Lino Bersani (Gênes 1935). Monté sur panneau en bois laqué blanc.

Bas-Relief Contemporain Technique Mixte S. Colombo Studio 1975

Bas-relief en technique mixte sur aggloméré. Composition abstraite, datée de 1975 en bas à gauche. Au dos le titre, la date et la déclaration de révision de celui-ci, avec dédicace et signature de l'artiste Stefano Colombo.

Bas-Relief Contemporain Composition Abstraite Années 70

Bas-relief en bois, tissu et détrempe blanche, évoquant un Crucifix stylisé. Monté sur panneau et présenté en vitrine.

Sérigraphie Contemporaine A. Burri Sestante 14 Italie 1989

Sestante 14 1989

Sérigraphie couleur sur papier. Signé au crayon en bas à droite, numéroté n. IV/XV en bas à gauche. Il est accompagné d'une photo d'authentification de la maison d'art "Il borghetto" de Milan. L'œuvre faisait partie de la série « Sestante », composée de 16 sérigraphies différentes. En 1982, Alberto Burri crée Sestante, un grand cycle de dix-sept violoncelles et une sculpture en fer, exposé de mai à septembre de l'année suivante dans l'espace des anciens chantiers navals de la Giudecca à Venise. L'évocation de l'ancien instrument nautique, qui servait aux voyageurs pour établir la position d'un point donné par rapport à l'horizon, est un hommage au destin maritime de Venise. Les peintures sont le énième défi de Burri : dans leurs combinaisons les formes et les couleurs du « sextant » créent un cycle inépuisable où il n'y a pas la moindre répétition. Au sein d'un même tableau, ou dans la juxtaposition des unes aux autres, le kaléidoscope des formes fait cohabiter des structures carrées et curvilignes, ainsi que de grands fonds chromatiques et des motifs visuels denses. En 1989, l'artiste propose à nouveau le cycle comme œuvre graphique, créant la série "Sestante". L'historien de l';art Bruno Corà a déclaré que « dans le cas de Burri, parler de graphisme ne signifie pas parler d'une production moindre par rapport à la peinture, mais seulement d'une modalité artistique différente et parallèle, dans la conception et l'exécution, en bref de manière à pouvoir être inclus avec une importance absolue dans la production du grand peintre, aux côtés de toutes ses autres déclarations révolutionnaires et innovantes". L'œuvre est présentée dans un cadre.

Photographie Contemporaine Franco Fontana Serie Natura 1976

Série "Natura" 1976

Tirage photographique sur aluminium, marouflé sur panneau de contreplaqué. Signé en bas à droite. Selon l'étiquette au dos, de la série Natura, imprimée par AMAR Collezioni Milan, Italie, 1976, et il s'agit du spécimen n° 05 de la série. Franco Fontana est un photographe éclectique qui s'est aventuré avec succès dans différents genres photographiques. Mais ses recherches portent avant tout sur l’utilisation de la couleur et de la géométrie. Le choix des sujets, qu'il s'agisse de paysages ruraux, industriels ou urbains, est toujours secondaire par rapport aux deux protagonistes des photographies de Fontana : la couleur et la géométrie. A travers ces deux « leviers », que Fontana manie comme un maître, les photographies de ses paysages ne se limitent pas à représenter la réalité, mais créent une abstraction faite de couleurs fortes, presque exagérées et de lignes claires et marquées. Le panneau est encadré d'une bande d'aluminium.

Photographie Contemporaine Franco Fontana Natura 1976

Série Natura, 1976

Tirage photographique sur aluminium, marouflé sur panneau de contreplaqué. Signé en bas à droite. Selon l'étiquette au dos, de la série Natura, imprimée par AMAR Collezioni Milan, Italie, 1976, et il s'agit du spécimen n° 05 de la série. Franco Fontana est un photographe éclectique qui s'est aventuré avec succès dans différents genres photographiques. Mais ses recherches portent avant tout sur l’utilisation de la couleur et de la géométrie. Le choix des sujets, qu'il s'agisse de paysages ruraux, industriels ou urbains, est toujours secondaire par rapport aux deux protagonistes des photographies de Fontana : la couleur et la géométrie. A travers ces deux « leviers », que Fontana manie comme un maître, les photographies de ses paysages ne se limitent pas à représenter la réalité, mais créent une abstraction faite de couleurs fortes, presque exagérées, et de lignes claires et marquées. Le panneau est encadré d'une bande d'aluminium.

Tableau Contemporain Signé Luca Caccioni Technique Mixte 1992

Paysage 1992

Technique mixte sur papier. Au dos, cachet de l'artiste avec signature, date et titre (partiellement lisible). Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a aujourd'hui atteint une maturation linguistique définitive et occupe une place importante dans le panorama artistique contemporain. Ses recherches utilisent principalement des matériaux inhabituels tels que les acétates, le PVC et, plus récemment, des fonds de scène d'œuvres théâtrales du XIXe siècle, sur lesquels il intervient en peignant des formes tirées de sa mémoire personnelle et de suggestions provenant de différentes cultures et périodes historiques. Un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni est l'écriture, signe signifiant qui conçoit l'œuvre et est capable de raconter des pensées ; Travaillant par superposition, les images sont construites par addition ou soustraction de couleur sur les différents supports. Travail dans le cadre.

Tirage Photographique Contemporain L. Genovese Infinitesimi 6 2005

Infinitesimi 6, 2005

Impression photographique sur aluminium et plexiglas. Au dos la signature, le titre et le numéro de série 1/5 gravés dans l'aluminium. Une étiquette de la Galerie Italienne de Photographie est également présente avec les données complètes de l'œuvre. L'artiste lucanien mais résidant à Milan, initialement connu pour la photographie en noir et blanc, a entamé au début du XXIe siècle un nouveau chemin de recherche sur la couleur. Il comprend l'exposition personnelle réalisée en 2005 à la Galerie Photo de Milan, intitulée Aspiration, dont il était dit : "Pas de narration, pas de réalité reconnaissable, seulement des évocations obtenues par l'évaporation des couleurs, dans de nombreux nuages ​​épars : plus de peinture que photographie". L'œuvre présentée ici s'inscrit dans cette tendance.

Dessin Contemporain Signé Jean Cocteau Vis à Vis 1963

Vis à Vis 1963

Technique mixte (feutre, aquarelle) sur papier. signé et daté en bas à droite. Jean Cocteau était un artiste aux multiples facettes : écrivain, dramaturge, dramaturge, il s'est également intéressé aux arts visuels, aimant expérimenter toutes les avant-gardes de son siècle. Cocteau publie son premier livre de dessins en 1923, à seulement 36 ans. Le poète y met en scène ses amis Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, mais aussi de nombreuses scènes de la vie quotidienne parisienne, les ballets russes de Nijinski, des allégories, des caricatures, des images poétiques. Cocteau se révèle être un dessinateur de talent, mais surtout un artiste capable de capter l'essence des visages, des comportements et des faiblesses humaines. Dans sa production picturale revient le thème du visage, ou plutôt des visages, souvent deux profils se faisant face, face à vis. En 1962, l'artiste achève la création du théâtre de plein air à Cap d'Ail, sur la côte méditerranéenne française, dont le sol est décoré de ce sujet, deux visages au profil grec se faisant face, avec un œil interposé ; le sujet fut ensuite repris par lui dans la période suivante - d'ailleurs proche de sa mort subite -, avec diverses variantes. Dans le dessin présenté ici on retrouve les deux profils grecs, séparés par le troisième œil mais aussi par deux serpents tordus, tandis que dans le dessin du théâtre il y a des feuilles. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Tableau Contemporain Signé Gaetano Peratici Huile sur Panneau 1979

L'Ange de la Mort 1979

Huile sur panneau. Signé et daté en bas à gauche. Signature supplémentaire, date et titre au dos. La production artistique d'Angelo Peratici se caractérise par un désir de liberté d'expression qui s'appuie sur sa fervente imagination pour représenter la réalité. Partant de cette volonté innée de transfigurer le réel, son art s'est transformé en un laborieux processus de recherche, fécond d'images métaphoriques et visionnaires, parfois grotesques, farfelues, que l'on voit se créer notamment dans la production du début des années 1980.

Tableau Contemporain Aldo Mondino Huile sur Linoleum '900

Sans Titre

Huile sur linoléum, avec applications en polystyrène recouvertes de papier d'aluminium. Signé au dos. Accompagné de l'authentification des archives Aldo Mondino. L'artiste éclectique turinois Aldo Mondino a articulé sa recherche artistique à travers des métamorphoses continues qui ont rendu sa production polymorphe : une tentative incessante de trouver une réponse personnelle aux transformations qui se produisaient dans les années 70, en essayant de faire cohabiter l'histoire de l'art avec les images. de consommation de masse, de fantasmes personnels, de religion, de classicisme, de mysticisme, de voyages en Orient, d'amis et de kitsch. Son besoin obstiné d'expérimenter les matériaux - comme le café, les friandises, le sucre, les chocolats fondants de son bien-aimé Piémont, les guimauves importées d'Amérique, le bronze, les fleurs, le Bic strictement bleu, la céramique et les tapis Héraclite - démontre sa capacité à apporter l'art, l'artisanat, la vie commune, la nature et la religion dans le dialogue. Le tout assaisonné d’ironie, pour démasquer les conventions avec grâce. Dans les années 1980, Aldo Mondino entreprit un voyage entre le Maroc et la Palestine qui le marqua profondément, au point de donner naissance à la série d'œuvres des Derviches, sujets dansants peints sur linoléum, qui pratiquent la danse rituelle caractéristique de la tradition turque. en effectuant des mouvements fluides et circulaires. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Sculpture Contemporaine Signée G. Masciarelli Vol de Canard

Vol de Canard

Sculpture en bronze. Signature gravée sur la base. Gino Masciarelli, sculpteur originaire des Abruzzes mais qui a vécu dans la région de Milan, après avoir travaillé également au Centre Expérimental de Recherche Scientifique « F. Marinotti» en Lombardie, spécialisé dans la prise de vue cinématographique à haute fréquence, a appris à capter l'instabilité des corps en mouvement et la dissolution de la matière dans l'espace dans nombre de ses œuvres. Dans les sculptures « Groupes humains » et « Vols » - auxquelles appartient l'œuvre présentée ici -, le dynamisme du vol peut être observé presque comme s'il s'agissait d'une séquence photographique. L'artiste lui-même a déclaré : "Seulement 8 secondes ont marqué sur 300 mètres de film, le but était de ralentir ce que l'œil humain ne peut pas voir, je voulais capturer le mouvement et la projection de ces secondes a duré quelques heures" .

Tableau Contemporain Signé Mario Previ Le Bûcheron 1980

Le Bûcheron 1980

Huile sur verre. En bas à gauche se trouvent la signature et la date, accompagnées du symbole de l'artiste, la figurine stylisée d'un homme en fauteuil roulant. Il s'agit d'une œuvre sur verre du peintre Mario Previ, qui vit et peint en fauteuil roulant depuis l'âge de dix-huit ans, à la suite d'une tétraplégie consécutive à un plongeon dans sa rivière Taro. Il dit de lui-même : « Le monde, le temps qui passe, de ce point de vue (le fauteuil roulant) vous apprend beaucoup de choses. Vous apprenez à vous lever chaque matin avec un but, même si votre corps souffre, si chaque geste génère de la souffrance et que vous dépendez des autres, et que le renoncement pourrait être une solution facile. Au lieu de cela, l'art, la peinture, ainsi que la sérénité de mon monde, de mes amis, me donnent une énergie incroyable. Ils m'ont sauvé, en me donnant la force de vivre". En 1974, trois ans après l'accident, inspiré par une émission de télévision sur les peintres naïfs yougoslaves, en particulier par les œuvres sur verre de Mijo Kovacic, Previ a commencé à peindre et à apprendre l'art de la peinture sur verre en tant qu'artiste autodidacte, jusqu'à ce qu'il soit connu et apprécié pour ses peintures. Dans ses naïfs, Mario Previ raconte une réalité qui a presque disparu, des histoires vraies mais sur le ton du conte de fées, il fait revivre des traditions perdues, des aperçus de la vie qui appartenait à d'autres générations, celles de la civilisation paysanne (dont il est issu), mais ce qui ressort le plus de ses visions, ce sont les « forë », ceux que l'on entendait autrefois dans les « firossi », les soirées traditionnelles des hameaux de Parme consacrées à se réunir pour raconter des anecdotes, des histoires et des curiosités historiques, souvent devant la cheminée, lorsqu'il faisait froid et qu'il neigeait à l'extérieur. L'œuvre est présentée dans le cadre.

Tableau Naif Contemporain de M. Previ Huile sur Verre 1979

Le Feu de Joie sous la Neige, 1979

Huile sur verre. En bas à droite figurent la signature et la date, accompagnées du symbole de l'artiste, la figurine stylisée d'un homme en fauteuil roulant. Il s'agit d'une œuvre sur verre du peintre Mario Previ, qui vit et peint en fauteuil roulant depuis l'âge de dix-huit ans, en raison d'une tétraplégie résultant d'une plongée dans son Taro. Il a dit de lui-même : « Le monde, le passage du temps, de ce point de vue (le fauteuil roulant) enseignent beaucoup de choses. On apprend à se réveiller chaque matin avec un but, même si son corps souffre, si chaque geste génère souffrir et dépendre des autres et abandonner pourrait être une solution facile. Et au contraire, l'art, la peinture, ainsi que la sérénité de mon monde, des amis, me donnent une énergie incroyable. Ils m'ont sauvé, me donnant la force de vivre. En 1974, trois ans après l'accident, inspiré par une émission télévisée sur les peintres naïfs yougoslaves, notamment par les œuvres sur verre de Mijo Kovacic, Previ commence à peindre et apprend l'art de la peinture sur verre en autodidacte, jusqu'à ce qu'il se faire connaître et apprécier pour ses peintures. Dans ses naïfs, Mario Previ raconte une réalité presque disparue, des histoires vraies quoique sur le ton d'un conte de fées, il fait revivre des traditions perdues, des tranches de vie qui ont appartenu à d'autres générations, celles de la civilisation paysanne (dont il est également issu), mais ce qui ressort le plus de ses visions sont les "forë", ceux qu';on pouvait autrefois entendre dans les "firossi", les soirées traditionnelles des hameaux de Parme dédiées aux rencontres pour raconter des anecdotes, des histoires et des curiosités historiques, souvent devant la cheminée. feu, alors qu'il faisait froid et qu'il neigeait dehors. L'œuvre est présentée dans un cadre.