Pintura de la Magdalena penitente

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVII. Las figuras, representadas en primer plano de medio cuerpo, ven a María colocada en el centro con el Niño Jesús en sus brazos; Detrás de ellos, a la izquierda, está San José y debajo de él el pequeño Juan Bautista, vestido con pieles y con el tradicional bastón en forma de cruz con la banda con la inscripción "Ecce Agnus Dei". La mirada de estas cuatro figuras se dirige hacia la izquierda, donde aparece Santa Catalina de Siena, reconocible por el hábito negro de los dominicos, y por sus atributos iconográficos, la corona de espinas, los estigmas y el lirio. Jesús extiende sus manos hacia ella, para establecer ese matrimonio místico que caracteriza a la santa. Restaurada y reencuadernada, la pintura muestra pequeñas pérdidas de color generalizadas. Se presenta en un marco reutilizado del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Retrato de un noble, orgulloso, con la mano apoyada en la empuñadura de su espada y vestido con una capa forrada de armiño. En la parte superior derecha aparece el escudo de armas de su casa, en el que aparece un león rojo rampante coronado y sosteniendo una espada; a través de una banda con tres grupos de bolas dispuestas en forma de flor. Un león rampante similar a éste se encuentra en el escudo de armas de algunas ciudades del centro de Italia, como Faenza. Restaurada y reentelada, la pintura se presenta en un marco contemporáneo de madera tallada y lacada.

Óleo sobre lienzo. La escena se desarrolla en el interior de un palacio de mármol, con arcos y bóvedas; Las numerosas figuras ocupan el espacio en un juego de cuerpos entrelazados y miradas cruzadas. En el centro, la Virgen María levanta al Niño Jesús para mostrarlo a los visitantes; Detrás de él, a la derecha, José observa atentamente, mientras sobre él se cierne un pequeño ángel que sostiene el pergamino con el Gloria. A la izquierda está el grupo de los tres reyes de Oriente, rindiendo homenaje al Niño, y detrás de ellos están los sirvientes curiosos que observan y señalan. Destacan los colores brillantes y vivos. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa de la segunda mitad del siglo XVIII. Probablemente obra de un seguidor de Claude Joseph Vernet (1714 -1789), pintor francés especializado en escenas marinas y que a menudo pintaba destellos de tormentas y naufragios. La escena se desarrolla en una costa rocosa, cerca de un pueblo construido sobre el acantilado; Se desata una fuerte tormenta que descarga un rayo, que cae desde arriba a la derecha, sobre unas asustadas figuras de viajeros, y se dirige hacia el velero que navega a merced de las fuertes olas. El cielo está lleno de nubes negras, aunque a lo lejos ya parece empezar a abrirse una mancha azul. Restaurado y reentelado, el cuadro se presenta en un marco de época.

Adoración de los pastores, hacia 1620

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVII. Tomando como referencia los modelos difundidos por Jacopo Bassano, el cuadro presenta una escena rica en figuras y elementos circundantes típicos de la vida pastoral, elegante pero de una sencillez rústica. Los pastores, junto con María y José, crean un círculo de figuras adorando al Niño Jesús, círculo en el que también participan los animales, el buey y las ovejas, mientras los angelitos completan la escena formando un círculo por encima. La obra se remonta a la producción de Baldassarre D'Anna, pintor nacido en Venecia que se formó con Leonardo Corona, del que reprodujo la vivacidad cromática y el claroscuro, y que luego trabajó en Venecia, en Dalmacia, en Istria y en todo el Friuli. Se sitúa en la mejor fase del artista, entre 1610 y 1620, en particular encontramos las mismas características y muchos personajes de la serie de ocho lienzos realizados alrededor de 1620 para el Santuario delle Grazie en Cordovado en la provincia de Pordenone: similares son los colores vivos distribuidos con fondos claros y drapeados marcados, los contornos enérgicos, las fisonomías severas y marcadas que se encuentran tanto en los pastores como en la Virgen arrodillada. Además, la obra presenta notas realistas "à la Bassano", como la cesta de huevos de la que surge una servilleta, y la arquitectura desprovista de cualquier monumentalidad. Por su pequeño tamaño, este lienzo puede atribuirse a un encargo privado, destinado a la devoción personal o al coleccionismo. El cuadro, restaurado y reentelado, se presenta en un marco dorado con estilo. El cuadro va acompañado de una pericia.

Óleo sobre lienzo. En el centro de la escena un rey se arrodilla en actitud contrita frente a un anciano, que se inclina hacia él en actitud de benévola bienvenida; A su alrededor, los soldados del séquito y otros dignatarios asisten con simpatía y servilismo. Podría ser el episodio bíblico del arrepentimiento del rey David ante el profeta Natán, quien le abrió los ojos sobre su pecado de concubinato con Betsabé y el asesinato de su marido Urías, y luego le aseguró el perdón del Señor. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época, compuesto por elementos antiguos, al que le faltan varias piezas.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. El gran paisaje nórdico, con verdes laderas de montañas en medio de las cuales discurre un río, está habitado por varias figuras en primer plano: un grupo de personas escucha a un joven de pie en el centro, que anuncia algo, señalando con el brazo extendido hacia lo alto, el sol rompiendo las nubes oscuras. Evoca un sermón de San Juan Bautista, aunque ningún elemento iconográfico hace referencia específica a este personaje. El cuadro, restaurado y revestido, está montado sobre un marco de principios del siglo XX. Se presenta en un marco contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a un cuenco lleno de hongos porcini y un racimo de uvas: con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XVIII. Escena animada y agitada, que representa una fiesta popular de la localidad: un grupo de hombres y mujeres frente a la posada del pueblo, reconocibles por el cartel, bailan acompañados por los músicos de la izquierda, mientras la gente de alrededor observa, bebe y charla. . Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la bella composición se puede ver, descansando sobre un aparador de madera con incrustaciones, una cesta llena de cerezas, algunas de las cuales están esparcidas por encima, y un plato lleno de grosellas rojas, mezcladas con hojas y algunas flores de cerezo. Un jilguero descansa sobre el asa de la cesta; para enmarcar la composición, a la derecha un gran ramo de flores multicolores en un jarrón, a la izquierda una cortina roja. Destacan los colores vivos de las frutas, las flores y la cortina, mientras que el armario de apoyo se funde con el fondo oscuro, al igual que el pajarito, distinguible del fondo oscuro sólo por el plumaje blanco de las alas y el contorno rojo de la ojos. La obra forma parte de la gran producción emiliana del siglo XVII de este tipo de tema altamente decorativo. El cuadro, restaurado y reasentado, presenta una marcada fisura y gotas de color en los bordes.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales de 1600-principios de 1700. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a dos grandes calabazas y frutas mixtas (uvas y melocotones): con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. En un gran paisaje montañoso, bastante árido, que se ensancha y se desvanece a la derecha, hay una alta roca, en forma de arco, bajo la cual está San Jerónimo penitente, representado en el acto de oración y adoración de la Cruz. De acuerdo con los cánones de la pintura de los siglos XVII-XVIII, la figura del Santo, adaptada a la iconografía en su indumentaria y actitud, se inserta sin embargo en un paisaje incoherente, cercano al del pintor que se inspira en la realidad paisajística conocida por el. . La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.