Cuadro Cristo y la adúltera - Escuela flamenca del siglo XVI.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. El paisaje, amplio y aireado, impregnado de una atmósfera "clásica" e intemporal, se inscribe en la corriente clasicista de las vistas ideales extraídas de la campiña romana, introducidas en Roma con gran éxito durante el siglo XVII siguiendo el ejemplo de Carracci, Domenico, Albani. y los franceses Poussin, Dughet, Lorrain, y continuó en el siglo siguiente con artistas como Andrea Locatelli. Este tipo de pinturas de paisajes pretendían exaltar los principios de belleza, razón, orden y medida propios del mundo clásico, para celebrar el valor de la historia, la confianza heredada de los antiguos en las virtudes del hombre y sus posibilidades. En la naturaleza de estos paisajes, que no está abandonada al caos, sino compuesta, ordenada, no perturbada por elementos violentos o desordenados, se sitúan figuras humanas vestidas a la antigua usanza como en este cuadro, en el que una pareja vestida con trajes clásicos túnicas conversa amablemente sentada (o mejor dicho, medio recostada casi como si estuvieran en un triclinio) en medio de un paisaje verde y sombreado, cerca de un río tranquilo; A lo lejos se vislumbran los edificios de una ciudad y la mirada se pierde en la continuidad ordenada y pacífica de las colinas del Lacio. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. El gran escenario, de estilo flamenco, probablemente obra de un autor nórdico afincado en Roma, está ocupado por un gran conjunto arquitectónico, formado por restos de templos clásicos, deteriorados, inseguros e invadidos por la maleza, situados cerca de un lago. Entre los vestigios de una época ya muerta se encuentran numerosas figuras coloridas y animadas de personajes de la vida cotidiana contemporáneos a la producción del cuadro. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de listones.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del sur de Italia de los siglos XVII-XVIII. La escena, llena de personajes, tiene en el centro la figura de un líder, bien definida en los detalles de la armadura, la cimera, así como la anatomía: acompaña benevolentemente con el movimiento de sus brazos a un hombre arrodillado que Junto a su compañero, rinde homenaje a un emperador, pero señala con la mano extendida al grupo de seis niños, retenidos a la derecha por los soldados. El emperador se ha levantado del trono, a la izquierda, y va al encuentro de la pareja postrada, pero también él parece casi en una actitud de reverencia hacia el líder central. La escena parece hacer referencia a un episodio histórico de clemencia de un líder, que por su edad, rasgos y tipo de armadura, podría ser Alejandro Magno, personaje que, sin embargo, resulta difícil de igualar con la otra figura coronada de laurel. , que desciende del trono en el suntuoso palacio . Por tanto, no es posible identificar específicamente el episodio (¿histórico o legendario?) de referencia. Además, se aprecia la riqueza compositiva de la escena, con numerosas figuras bien detalladas y colores vivos que subrayan su dinamismo. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo.

escena de caza

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. La gran escena, ambientada en un paisaje nórdico, con una espesa vegetación bajo impermeables picos azules, representa el momento culminante de la caza de un cervatillo: el caballero, que ocupa la parte superior de la escena, lanza a la presa, aterrorizado y destrozado. En agonia; A su alrededor participa la jauría de perros, corriendo alrededor del jinete y la presa. Entre todos destaca el perro del centro abajo, el único de pelaje claro: el intenso brillo que emana y que resalta el cuidado diseño de su pelaje, los músculos en movimiento, la expresión exaltada del animal, hace lo convierten en protagonista de la escena, atrayendo la mirada hacia ellos mismos, mientras que todas las demás figuras, incluido el caballero, se convierten en el contorno, exacto y preciso pero no en el protagonista. Es precisamente la precisión en la pintura de los animales lo que sitúa la obra cerca de la producción de Philip Peter Roos, conocido como Rosa da Tivoli: originario de Frankfurt pero luego trasladado a Roma, donde permaneció hasta su muerte, este artista fue muy activo anteriormente. todo como un pintor de animales, fotografiado en primer plano sobre fondos paisajísticos y ejecutado con colores ricos e intensos efectos de luz. El gran éxito que tuvo y la consiguiente altísima producción (a veces en detrimento de la calidad de las obras), justifican la frecuente atribución a este pintor de obras con un tema y una técnica pictórica próximos al suyo, como la que aquí se presenta, que sin embargo no está documentado ni validado. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Figuras con bodegones otoñales

Pintura al óleo sobre lienzo. La firma de H.Sanders está presente en el cañón, en la parte inferior izquierda. La escena, ambientada al aire libre en una calle de una ciudad flamenca, con el canal al fondo a la izquierda, muestra en primer plano a una vendedora de verduras detrás de su puesto, que está decorado con una variada composición de verduras de invierno, un bodegón compuesto de coliflores, repollo, zanahorias, mazorcas de maíz; junto a la mujer, un transeúnte que lleva un arpón al hombro le ofrece un pescado, evidentemente fruto de su pesca que quiere vender. La ambientación recuerda a Ámsterdam, ciudad donde nació y vivió el pintor holandés Hércules (o Herkules) Sanders, que se consagró principalmente como retratista, pero del que se conoce una escena de género interior, actualmente en el Instituto de Artes de Detroit. fechada en 1647 y titulada "Mujer limpiando pescado", cuya figura femenina se parece mucho a la vendedora de la obra aquí presentada. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. La gran escena representa el famoso episodio a medio camino entre la historia real y la leyenda, contado por primera vez por Tito Livio en su "Ab urbe condita libri" (los libros de la "Historia de Roma desde su fundación"). Para poblar la recién fundada ciudad, Rómulo, fundador y primer rey de la ciudad, recurrió a una estratagema: invitó a los sabinos, que vivían en la cercana ciudad de Curi, a la fiesta de la Consualia, en honor al dios Neptuno, y secuestró a sus mujeres. La pintura representa el momento en que los romanos secuestraron a las sabinas, alejándolas por la fuerza de sus compañeras, ante la mirada del rey, que permanecía escondido detrás de las columnas del templo de la divinidad, el dios Neptuno, reconocible por el tridente. . En el centro, detrás, se encuentra el obelisco, que para los romanos adquirió un significado simbólico como botín de guerra y testimonio de la fuerza imperial. Las numerosas figuras se entrelazan, se persiguen, se superponen, creando juegos de cuerpos y efectos cromáticos. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII-XVIII. La gran escena está repleta de figuras con antiguos trajes orientales, situadas en un paisaje nórdico, rico en vegetación y con picos montañosos a lo lejos. La mitad izquierda está ocupada principalmente por San Juan Bautista, de pie y representado según la iconografía tradicional: viste una pobre túnica hecha de pieles de animales, pero envuelve un manto rojo, símbolo del martirio; con una mano sostiene el palo en forma de cruz, alrededor del cual se enrolla el rollo con la inscripción "Ecce Agnus Dei", símbolo de su papel de precursor y heraldo de Cristo, y a sus pies el propio cordero, víctima del sacrificio y por tanto símbolo del sacrificio de Cristo. Con la otra mano Juan señala a alguien a su derecha fuera del marco de la escena, pero que obviamente es Cristo: este gesto cataliza las miradas de toda la multitud situada a la derecha de la escena, una multitud variada que representa géneros, clases sociales y razas diferentes, lo que indica la universalidad del mensaje del Bautista. La obra, previamente restaurada y revestida, presenta una pátina generalizada que requiere limpieza. Se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana de los siglos XVII-XVIII. María y el Niño Jesús, de rodillas, están representados ya en la gloria del cielo, con angelitos a su lado. Son peculiares el collar y las pulseras de coral que porta el Niño: en el simbolismo cristiano el color de este material representa la sangre que Jesús tendrá que derramar; además, desde la antigüedad, el coral también era considerado un talismán de protección contra el mal de ojo y las fuerzas del mal, y se adornaba con él a los niños pequeños para protegerlos del maligno. La pintura está sobre un primer lienzo y se presenta en un marco antiguo y contemporáneo.