Mentor Silvani - Paisaje Nevado con Figuras 1872

Óleo sobre lienzo. La gran escena está ambientada en el exterior de una fortaleza rocosa y muestra a una guarnición de soldados preparándose para la batalla. En primer plano a la izquierda, cerca de un árbol, el grupo de comandantes a caballo observa el trabajo y da órdenes, mientras las tropas arman sus cañones en las terrazas, preparan lanzas rudimentarias y afilan sus armas blancas. Los colores son claros y apagados, con gradaciones de gris que pasan del cielo despejado con nubes a la fortaleza rocosa, para perderse en el terreno virando a un beige arenoso; sólo destacan algunos uniformes de oficiales, que rompen la uniformidad cromática. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. El tema representado narra un episodio bíblico del Antiguo Testamento: Susana, la bella y casta novia de Ioachim, un rico judío, es acosada por dos ancianos jueces del pueblo mientras se baña en su jardín. Este episodio ha sido ampliamente reproducido en el arte, como ocasión para exaltar la belleza femenina y condenar la voluptuosidad pecaminosa. En la escena, la figura femenina de Susana, desnuda, está sentada en primer plano a la izquierda, en la balaustrada de una fuente del jardín, con la intención de sumergirse, pero señalando con la mano a los dos ancianos de la derecha, que, ocultos tras un arbusto, la espían. Insólita en la escena es la figura de la otra mujer, probablemente una sierva de Susana, también discreta, probablemente introducida para exaltar aún más la desnudez femenina. Al fondo se ve el jardín de la villa, caracterizado por parterres simétricos y regulares. También es peculiar la presencia, a lo lejos, detrás de la cabeza de Susanna, de tres figurillas estilizadas, que parecen correr hacia ella, quizá para advertirle del peligro. La obra, en primer lienzo, presenta una ligera rotura en el ángulo superior izquierdo y manchas puntiformes de pintura. Se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela del sur de Italia, siglos XVII-XVIII. La escena, llena de personajes, tiene en el centro la figura de un condottiere, bien definido en los detalles de armadura, cimera y anatomía, que acompaña benévolamente con el movimiento de sus brazos a un hombre arrodillado que, junto con su compañero, rinde homenaje a un emperador, mientras señala con la mano extendida al grupo de seis niños, sostenidos a la derecha por soldados. El emperador se ha levantado de su trono, a la izquierda, y va al encuentro de la pareja postrada, pero también él parece casi en actitud de reverencia hacia el líder central. La escena parece referirse a un episodio histórico de clemencia de un condottiere, que por edad, rasgos y tipo de armadura, podría ser Alejandro Magno, personaje que sin embargo es difícil de emparejar con la otra figura coronada de laurel, que desciende de su trono en el suntuoso palacio. El episodio (¿histórico o legendario?) de referencia no puede, pues, identificarse específicamente. Sin embargo, se puede apreciar la riqueza compositiva de la escena, con numerosas figuras bien detalladas y colores vivos que acentúan su dinamismo. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La gran composición presenta diversos alimentos sobre una mesa de cocina: a la izquierda, una gran cesta de mimbre llena de verduras, coronada por un grupo de peces colgantes; otras verduras están colocadas sobre la superficie de la mesa, junto a un plato de cerezas, otro con una hogaza de pan y, más atrás, otro con gambas; a la derecha, un jarrón lleno de flores multicolores y, sentado en lo alto de una alacena, un gato negro que lame tranquilamente su pata. Destaca la nitidez de los colores, realzada por los reflejos de la luz en algunos alimentos, como las cerezas o las gambas, y en la jarra de cobre situada delante de las flores. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un marco de listones.

Figuras con Bodegones Otoñales

Óleo sobre lienzo. En el tonel, en la esquina inferior izquierda, figura la firma de H. Sanders. La escena, ambientada al aire libre en una calle de una ciudad flamenca, con el canal al fondo a la izquierda, muestra en primer plano a una vendedora de verduras detrás de su puesto, montado con una variada composición de verduras de invierno, un bodegón compuesto de coliflor, repollo, zanahorias, mazorcas de maíz; junto a la mujer, un transeúnte que lleva un arpón le ofrece pescado, evidentemente el fruto de su pesca que quiere vender. El escenario recuerda Ámsterdam, ciudad donde nació y vivió el pintor holandés Hércules (o Herkules) Sanders, que se estableció principalmente como retratista, pero del que conocemos una escena de género en un interior, hoy en el Detroit Institute of Arts, fechada en 1647 y titulada «Mujer limpiando pescado», cuya figura femenina se asemeja mucho a la vendedora de la obra que aquí se presenta. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de estilo.

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca de los siglos XVII-XVIII. La gran escena se desarrolla en un vasto paisaje nórdico, dentro de un bosque lleno de plantas retorcidas, y a la derecha una ciudad coronada por picos rocosos. En el interior del bosque, un numeroso grupo de personajes, populares pero también de alto rango, todos con ropajes orientales, rodean a Juan el Bautista, retratado con su traje iconográfico tradicional (vestido con pieles, con su bastón coronado por la Cruz y envuelto en un rollo, un cordero a sus pies): la mirada de Juan se dirige hacia arriba, en línea con un pájaro que vuela por encima de las copas de los árboles, representación simbólica del Espíritu Santo que inspira las palabras del predicador. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX-principios del XX.

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Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. La escena, de grandes dimensiones, está repleta de figuras vestidas a la antigua usanza oriental, situadas en un paisaje nórdico, rico en vegetación y con picos montañosos en la lejanía. La mitad izquierda está ocupada principalmente por San Juan Bautista, de pie y representado según la iconografía tradicional: Está vestido con una túnica pobre hecha de pieles de animales, pero lleva alrededor un manto rojo, símbolo del martirio; en una mano sostiene el báculo en forma de cruz, alrededor del cual se enrolla el pergamino con la inscripción «Ecce Agnus Dei», símbolo de su papel de precursor y heraldo de Cristo, y a sus pies el propio cordero, víctima sacrificial y, por tanto, símbolo del sacrificio de Cristo. Con la otra mano, Juan señala a su derecha a alguien fuera del marco de la escena, pero que evidentemente es Cristo: este gesto cataliza la mirada de toda la multitud a la derecha de la escena, una multitud variada que representa diferentes géneros, clases sociales y razas, indicando la universalidad del mensaje del Bautista. La obra, previamente restaurada y retocada, presenta una pátina difusa que requiere limpieza. Se presenta en un marco antiguo.

Paisaje con Figuras

Óleo sobre lienzo. La composición, de grandes dimensiones, representa un paisaje con un gran árbol en el centro, cuyas escasas ramas dominan la campiña, atravesada por un curso de agua y animada por diversas figuras de personas en actividad o en reposo; una fortaleza se eleva en lo alto, a la derecha, dominando el valle. Atribuido ya a Peruzzini, de la región de Las Marcas, el cuadro se remonta sin duda a su esfera, debido a los trazos pictóricos rápidos y poco agrupados. Antonio Francesco se especializó en la pintura de paisaje, recibiendo la influencia de Salvator Rosa y de pintores paisajistas como Pietro Montanini y Pandolfo Reschi, y otras influencias le llegaron de pintores nórdicos activos en Italia, especialmente Pieter Mulier, conocido como Tempesta. En sus primeras obras ya se puede distinguir la originalidad de su pintura, dada la rapidez de su trazo y la intensidad y brillantez de sus colores. A principios de los años noventa se inicia la larga relación artística de Antonio Francesco Peruzzini con Alessandro Magnasco, tras su encuentro en Milán, donde Peruzzini se había establecido; a partir de este periodo, su pintura parece descomponerse, a través de formas que se vuelven más dinámicas y ligeras, casi fantásticas, para llegar finalmente a un estilo marcado por una creciente desintegración de las formas de la naturaleza y de su movimiento. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.