Cuadro El Sermón de San Juan Bautista

Pintura al óleo sobre lienzo. La pintura de gran tamaño recuerda los métodos pictóricos del siglo XVII, pero es de una época posterior y fue creada sobre un lienzo aplicado a otro más antiguo. La escena narra el episodio bíblico (tomado del Libro de los Reyes) ampliamente narrado pictóricamente, que representa el baño de Betsabé, esposa del general Urías, al servicio del rey David. Según el relato bíblico, David se encuentra en la terraza de su palacio cuando ve a la mujer bañándose en el jardín de su casa, rodeada de sus sirvientas. Davide se enamora de ella y la seduce, dejándola embarazada. Para ocultar el crimen, llama al general Urías del frente, para obligarlo a acostarse con su esposa, pero Urías no quiere dejar a sus soldados; entonces David lo envía a luchar en primera línea esperando que lo maten: esto sucede y David puede casarse con Betsabé, pero será castigado por Dios por el adulterio y la impiedad cometidos. El cuadro muestra el momento en el que Betsabé, recién saliendo del baño, mientras se refleja en el espejo que sostiene una esclava, y rodeada de otros sirvientes, lee la nota que le envió el rey David; este último aparece en la parte superior derecha, dando a la terraza. La escena está dominada por figuras femeninas entrelazadas entre sí, en una maraña de ropas y telas, y rodeadas de flores del jardín; en el centro se encuentra el espejo con un rico marco dorado. El cuadro tiene un parche en la parte inferior derecha. Se presenta en un marco dorado antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del sur de Italia de los siglos XVII-XVIII. La escena, llena de personajes, tiene en el centro la figura de un líder, bien definida en los detalles de la armadura, la cimera, así como la anatomía: acompaña benevolentemente con el movimiento de sus brazos a un hombre arrodillado que Junto a su compañero, rinde homenaje a un emperador, pero señala con la mano extendida al grupo de seis niños, retenidos a la derecha por los soldados. El emperador se ha levantado del trono, a la izquierda, y va al encuentro de la pareja postrada, pero también él parece casi en una actitud de reverencia hacia el líder central. La escena parece hacer referencia a un episodio histórico de clemencia de un líder, que por su edad, rasgos y tipo de armadura, podría ser Alejandro Magno, personaje que, sin embargo, resulta difícil de igualar con la otra figura coronada de laurel. , que desciende del trono en el suntuoso palacio . Por tanto, no es posible identificar específicamente el episodio (¿histórico o legendario?) de referencia. Además, se aprecia la riqueza compositiva de la escena, con numerosas figuras bien detalladas y colores vivos que subrayan su dinamismo. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo.

Seguidor de Pedro Pablo Rubens

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro deriva de la obra de Rubens (1577 -1640) conservada en el Museo del Prado de Madrid, reproducida en grabado por Paulus Poncio (1603 -1658), como también aparece en esta versión. El centro vertical de la escena ocupa la figura de María, cuyo rostro se inspiró en el de Isabel Brandt, primera esposa del pintor flamenco, fallecida en 1626 con apenas 35 años. La Virgen sostiene en brazos al Niño Jesús, que la mira a los ojos con ternura pero con seriedad, mientras una manita se coloca sobre el pecho desnudo de su madre, del que acaba de recibir alimento; detrás, de pie, santa Ana envuelve los hombros de su hija y de su nieto en un abrazo tierno y protector, sonriendo con suficiencia: al lado izquierdo, un poco separado y en la oscuridad, José observa pensativo y preocupado: la única figura humana que no entra en la luz que emana del rostro del Niño, irradiada sobre el de María y, por reflexión, también sobre el de Santa Ana. respecto a la obra del maestro, se respeta la composición de las figuras, pero varios detalles varían, en particular en los vestidos de Santa Ana, de María, en los drapeados que rodean las caderas del Niño, para apoyar la hipótesis de que se trata de una obra de seguidor del maestro flamenco. La pintura, restaurada y revestida, se encuentra en buen estado, con sólo una raya en el color en la parte superior central.

Atribuido a Domenico Lupini

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro representa un episodio de la mitología romana referente a la joven heroína romana Clelia, que fue entregada como rehén, junto con otras niñas, al rey etrusco Porsenna durante las negociaciones de paz con la ciudad; Sin embargo, Clelia logró escapar nadando a través del Tíber. Porsenna pidió su regreso a los romanos, quienes aceptaron, pero admirado por su heroísmo, decidió liberarla permitiéndole traer consigo a otros prisioneros, a quienes Clelia eligió entre los más jóvenes. El momento representado en el cuadro es precisamente el del cruce del río, del que está la personificación en primer plano a la derecha, en la figura del anciano canoso, acompañado de una joven de la cornucopia. La escena es muy dinámica, con Clelia y las demás niñas creando un grupo numeroso y animado alrededor del caballo montado por la protagonista, como recuerdan algunas versiones de la historia; detrás de ellos las tiendas del campamento del rey etrusco con algunos soldados. Al otro lado del río hay otro grupo de mujeres que ya han cruzado, mientras que al fondo se puede ver la ciudad capitolina de aspecto clásico. La obra, como atestigua un pequeño pergamino, se atribuye a Domenico Lupini, un artista del que no se sabe mucho pero cuyo ámbito de actividad se puede suponer entre Bérgamo y Venecia. Las dos únicas obras firmadas son una "Magdalena convertida" y una "Anunciación", pero la erudita Federica Nurchis le ha atribuido otras obras y las ha colocado en el monasterio de Santa Chiara en Bérgamo. El cuadro presenta un cromatismo cálido y refinado que, junto con la elegancia de los personajes y el método compositivo, sugieren una estancia veneciana de Lucini, que parece recordar las atmósferas de Tintoretto, Veronese y Palma il Giovane. La pintura presenta signos de restauración y rebase.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La gran composición presenta una variedad de alimentos sobre la mesa de una cocina: a la izquierda una gran cesta de mimbre llena de verduras, coronada por un grupo de peces colgantes; otras verduras se colocan sobre la mesa, al lado de un plato de cerezas, una con una barra de pan, y más atrás otra con gambas; a la derecha hay un jarrón lleno de flores de colores y, sentado en el estante de un armario, un gato negro que se lame tranquilamente la pata. Destaca la nitidez de los colores, potenciada por los reflejos de la luz sobre algunos alimentos, como las cerezas o las gambas, y sobre la jarra de cobre que hay delante de las flores. El cuadro, restaurado y revestido, se presenta enmarcado en listones.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela emiliana del siglo XVII-XVIII. Se trata de una copia antigua de la famosa pintura sobre tabla de Correggio, titulada La Virgen de San Girolamo o Il Giorno, que data de alrededor de 1528 y se conserva hoy en la Galería Nacional de Parma. El tema de la representación es la presentación por parte de San Jerónimo a Jesús de la traducción de la Biblia del hebreo al latín popular, obra realizada por el santo a petición del Papa Dámaso y que llevó a cabo encerrándose en soledad en la cueva de Belén. . En el cuadro, el protagonismo de la escena lo ocupa María sentada con el Niño Jesús en brazos, alrededor de ella se componen diversas figuras formando un semicírculo. A la izquierda está la poderosa figura del viejo Jerónimo de pie, mirando al Niño, con el rollo de traducción en la mano, con el león, su compañero ermitaño, agachado a sus pies. En el mismo lado, un ángel sostiene la Biblia mientras se dirige sonriente a la Virgen y al Niño. Del otro lado, Magdalena yace semireclinada, abrazando cariñosamente el pie del bebé, quien a su vez acaricia su cabello, en un gesto íntimo que subraya el intenso vínculo entre las dos figuras. Detrás de Magdalena, un angelito arruga la nariz olfateando el frasco de ungüentos del santo penitente. La escena se sitúa bajo una cortina roja, abierta a un gran paisaje. La pintura de Correggio tuvo un gran éxito, hasta el punto de que existen numerosas copias y réplicas antiguas, incluida ésta que se presenta aquí. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo y contemporáneo.

Figuras con bodegones otoñales

Pintura al óleo sobre lienzo. La firma de H.Sanders está presente en el cañón, en la parte inferior izquierda. La escena, ambientada al aire libre en una calle de una ciudad flamenca, con el canal al fondo a la izquierda, muestra en primer plano a una vendedora de verduras detrás de su puesto, que está decorado con una variada composición de verduras de invierno, un bodegón compuesto de coliflores, repollo, zanahorias, mazorcas de maíz; junto a la mujer, un transeúnte que lleva un arpón al hombro le ofrece un pescado, evidentemente fruto de su pesca que quiere vender. La ambientación recuerda a Ámsterdam, ciudad donde nació y vivió el pintor holandés Hércules (o Herkules) Sanders, que se consagró principalmente como retratista, pero del que se conoce una escena de género interior, actualmente en el Instituto de Artes de Detroit. fechada en 1647 y titulada "Mujer limpiando pescado", cuya figura femenina se parece mucho a la vendedora de la obra aquí presentada. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. La gran escena representa el famoso episodio a medio camino entre la historia real y la leyenda, contado por primera vez por Tito Livio en su "Ab urbe condita libri" (los libros de la "Historia de Roma desde su fundación"). Para poblar la recién fundada ciudad, Rómulo, fundador y primer rey de la ciudad, recurrió a una estratagema: invitó a los sabinos, que vivían en la cercana ciudad de Curi, a la fiesta de la Consualia, en honor al dios Neptuno, y secuestró a sus mujeres. La pintura representa el momento en que los romanos secuestraron a las sabinas, alejándolas por la fuerza de sus compañeras, ante la mirada del rey, que permanecía escondido detrás de las columnas del templo de la divinidad, el dios Neptuno, reconocible por el tridente. . En el centro, detrás, se encuentra el obelisco, que para los romanos adquirió un significado simbólico como botín de guerra y testimonio de la fuerza imperial. Las numerosas figuras se entrelazan, se persiguen, se superponen, creando juegos de cuerpos y efectos cromáticos. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII-XVIII. La gran escena está repleta de figuras con antiguos trajes orientales, situadas en un paisaje nórdico, rico en vegetación y con picos montañosos a lo lejos. La mitad izquierda está ocupada principalmente por San Juan Bautista, de pie y representado según la iconografía tradicional: viste una pobre túnica hecha de pieles de animales, pero envuelve un manto rojo, símbolo del martirio; con una mano sostiene el palo en forma de cruz, alrededor del cual se enrolla el rollo con la inscripción "Ecce Agnus Dei", símbolo de su papel de precursor y heraldo de Cristo, y a sus pies el propio cordero, víctima del sacrificio y por tanto símbolo del sacrificio de Cristo. Con la otra mano Juan señala a alguien a su derecha fuera del marco de la escena, pero que obviamente es Cristo: este gesto cataliza las miradas de toda la multitud situada a la derecha de la escena, una multitud variada que representa géneros, clases sociales y razas diferentes, lo que indica la universalidad del mensaje del Bautista. La obra, previamente restaurada y revestida, presenta una pátina generalizada que requiere limpieza. Se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre cobre. Escuela flamenca del siglo XVII. La pintura, atribuida por tradición oral a Frans Francken el joven (1581 -1642), representa una curación milagrosa realizada por Jesús: mientras va con sus discípulos, se encuentra en el camino con un hombre enfermo, probablemente de lepra, enfermedad que involucra aislamiento y destierro de la ciudad; el hombre invoca a Cristo que hace el milagro y lo sana. El cuadro sitúa el acontecimiento en el borde izquierdo de la escena, en primer plano, donde destacan por sus vivos colores las figuras vestidas según el estilo típico de los tiempos de Cristo; además, el paisaje que llena el resto de la escena es decididamente nórdico, con un río lleno de agua que fluye en un campo lleno de vegetación, y una ciudad al fondo bajo los picos de las montañas. La descripción pictórica de la vegetación es minuciosa y precisa, rica y bien definida en los detalles: el tronco roto en primer plano, las frondas del gran árbol detrás de los personajes, los pájaros volando alto en el cielo, las pequeñas flores en la orilla , los matices del El agua en la que se reflejan las plantas y las nubes están pintados con un refinamiento pictórico propio de la pintura flamenca, de estilo similar al del gran artista de Amberes. La pintura se presenta en un marco antiguo reutilizado.

paisaje con figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran composición propone un paisaje con un gran árbol en el centro. para coronar con sus escasas ramas el campo de abajo, atravesado por un arroyo y animado por varias figuras de plebeyos en actividad o en reposo; en la parte superior derecha se encuentra una fortaleza, que domina el valle. Ya atribuida a Peruzzini de las Marcas, la pintura ciertamente se remonta a su círculo, debido a los trazos pictóricos rápidos y mal agregados. Antonio Francesco se especializó en pintura de paisaje, bajo la influencia de Salvator Rosa y de paisajistas como Pietro Montanini y Pandolfo Reschi, y también recibió influencias de pintores nórdicos activos en Italia, sobre todo de Pieter Mulier conocido como il Tempesta. En sus primeras obras ya se distingue la originalidad de su pintura dada una rápida redacción y un timbre cromático intenso y brillante. El largo vínculo artístico entre Antonio Francesco Peruzzini y Alessandro Magnasco comenzó a principios del siglo XX, luego de su encuentro en Milán, donde se había establecido Peruzzini; a partir de este período su pintura parece desmoronarse, a través de formas que se vuelven más dinámicas y ligeras, casi fantásticas, para finalmente llegar a un estilo marcado por una desintegración cada vez mayor de las formas de la naturaleza y su movimiento. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.