Pintura de Michiel Caree - Paisaje con pastores y rebaños.

Óleo sobre lienzo. Escuela romana de la segunda mitad del siglo XVII. La escena narra un episodio de la historia de amor entre la reina de Egipto y el triunviro romano Antonio: Cleopatra, para demostrar su riqueza y seducir al apuesto general, organiza un suntuoso banquete, durante el cual ella elige una perla de inestimable valor y él la disuelve. en vinagre, para luego ofrecer la bebida, considerada un poderoso afrodisíaco, a Antonio. En el cuadro la reina se prepara para poner la perla en la copa: la cinta a la que está atada la perla es particular, que recuerda la del cuadro homónimo de Carlo Maratta (1625 -1713). Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de madera de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. La pintura de gran tamaño recuerda los métodos pictóricos del siglo XVII, pero es de una época posterior y fue creada sobre un lienzo aplicado a otro más antiguo. La escena narra el episodio bíblico (tomado del Libro de los Reyes) ampliamente narrado pictóricamente, que representa el baño de Betsabé, esposa del general Urías, al servicio del rey David. Según el relato bíblico, David se encuentra en la terraza de su palacio cuando ve a la mujer bañándose en el jardín de su casa, rodeada de sus sirvientas. Davide se enamora de ella y la seduce, dejándola embarazada. Para ocultar el crimen, llama al general Urías del frente, para obligarlo a acostarse con su esposa, pero Urías no quiere dejar a sus soldados; entonces David lo envía a luchar en primera línea esperando que lo maten: esto sucede y David puede casarse con Betsabé, pero será castigado por Dios por el adulterio y la impiedad cometidos. El cuadro muestra el momento en el que Betsabé, recién saliendo del baño, mientras se refleja en el espejo que sostiene una esclava, y rodeada de otros sirvientes, lee la nota que le envió el rey David; este último aparece en la parte superior derecha, dando a la terraza. La escena está dominada por figuras femeninas entrelazadas entre sí, en una maraña de ropas y telas, y rodeadas de flores del jardín; en el centro se encuentra el espejo con un rico marco dorado. El cuadro tiene un parche en la parte inferior derecha. Se presenta en un marco dorado antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. En su estilo pictórico, el cuadro recuerda la producción de Angelo Caroselli (1585-1652), artista del barroco romano, pintor, copista, restaurador, pero también pasticheur y conocedor del arte, es decir, creador de pinturas "a la manera de " - en la “técnica” y en el “estilo” de un determinado período artístico o de un determinado autor, incluso ensamblando “partes” extraídas de diferentes cuadros. Inicialmente caravaggesco, Il Caroselli desarrolló más tarde su propio lenguaje artístico personal, que fue copiado por muchos artistas menores. En esta obra destaca la expresividad fija y casi exasperada del personaje, cuya elegancia del vestido del siglo XVII y los rasgos casi femeninos del rostro de tez sonrosada contrastan con la tosquedad de la cabeza de Goliat, ensangrentada, con la gran herida de arma blanca. que se destaca contra la palidez mortal. El cuadro ha sido restaurado y revestido conservando el marco de madera original. Se presenta en un marco de madera contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena se desarrolla cerca de un campamento militar: frente a una tienda de campaña, a la izquierda, un líder del ejército, probablemente griego, recibe ofrendas de un grupo de hombres, pobres y harapientos, que se postran ante el nuevo maestro; el primero extiende unas hogazas de pan, otro saca algo de un costal, el tercero muestra las heridas de su cuerpo para pedir misericordia; detrás de ellos se acercan otras figuras de mendigos, formando una línea dispersa en el camino que se pierde en la distancia a la derecha. Al fondo, a la izquierda, la vida en el campamento militar es muy animada. La pintura ha sido restaurada y revestida.

Seguidor de Pedro Pablo Rubens

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro deriva de la obra de Rubens (1577 -1640) conservada en el Museo del Prado de Madrid, reproducida en grabado por Paulus Poncio (1603 -1658), como también aparece en esta versión. El centro vertical de la escena ocupa la figura de María, cuyo rostro se inspiró en el de Isabel Brandt, primera esposa del pintor flamenco, fallecida en 1626 con apenas 35 años. La Virgen sostiene en brazos al Niño Jesús, que la mira a los ojos con ternura pero con seriedad, mientras una manita se coloca sobre el pecho desnudo de su madre, del que acaba de recibir alimento; detrás, de pie, santa Ana envuelve los hombros de su hija y de su nieto en un abrazo tierno y protector, sonriendo con suficiencia: al lado izquierdo, un poco separado y en la oscuridad, José observa pensativo y preocupado: la única figura humana que no entra en la luz que emana del rostro del Niño, irradiada sobre el de María y, por reflexión, también sobre el de Santa Ana. respecto a la obra del maestro, se respeta la composición de las figuras, pero varios detalles varían, en particular en los vestidos de Santa Ana, de María, en los drapeados que rodean las caderas del Niño, para apoyar la hipótesis de que se trata de una obra de seguidor del maestro flamenco. La pintura, restaurada y revestida, se encuentra en buen estado, con sólo una raya en el color en la parte superior central.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. La insólita y particular representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentado a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que están a punto de consumir (compuesta por fruta y pan); la escena, un tema poco representado y generalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven comida a la familia, tiene aquí en cambio un sabor de intimidad doméstica muy normal y sencilla. En cambio, todo lo que rodea a la Sagrada Familia destaca majestuosamente, la visión de una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentada según un hermoso efecto de perspectiva que conduce, abajo a la derecha, a los muros de entrada de una rica ciudad con torres, probablemente Jerusalén. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Atribuido a Domenico Lupini

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro representa un episodio de la mitología romana referente a la joven heroína romana Clelia, que fue entregada como rehén, junto con otras niñas, al rey etrusco Porsenna durante las negociaciones de paz con la ciudad; Sin embargo, Clelia logró escapar nadando a través del Tíber. Porsenna pidió su regreso a los romanos, quienes aceptaron, pero admirado por su heroísmo, decidió liberarla permitiéndole traer consigo a otros prisioneros, a quienes Clelia eligió entre los más jóvenes. El momento representado en el cuadro es precisamente el del cruce del río, del que está la personificación en primer plano a la derecha, en la figura del anciano canoso, acompañado de una joven de la cornucopia. La escena es muy dinámica, con Clelia y las demás niñas creando un grupo numeroso y animado alrededor del caballo montado por la protagonista, como recuerdan algunas versiones de la historia; detrás de ellos las tiendas del campamento del rey etrusco con algunos soldados. Al otro lado del río hay otro grupo de mujeres que ya han cruzado, mientras que al fondo se puede ver la ciudad capitolina de aspecto clásico. La obra, como atestigua un pequeño pergamino, se atribuye a Domenico Lupini, un artista del que no se sabe mucho pero cuyo ámbito de actividad se puede suponer entre Bérgamo y Venecia. Las dos únicas obras firmadas son una "Magdalena convertida" y una "Anunciación", pero la erudita Federica Nurchis le ha atribuido otras obras y las ha colocado en el monasterio de Santa Chiara en Bérgamo. El cuadro presenta un cromatismo cálido y refinado que, junto con la elegancia de los personajes y el método compositivo, sugieren una estancia veneciana de Lucini, que parece recordar las atmósferas de Tintoretto, Veronese y Palma il Giovane. La pintura presenta signos de restauración y rebase.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela emiliana del siglo XVII-XVIII. Se trata de una copia antigua de la famosa pintura sobre tabla de Correggio, titulada La Virgen de San Girolamo o Il Giorno, que data de alrededor de 1528 y se conserva hoy en la Galería Nacional de Parma. El tema de la representación es la presentación por parte de San Jerónimo a Jesús de la traducción de la Biblia del hebreo al latín popular, obra realizada por el santo a petición del Papa Dámaso y que llevó a cabo encerrándose en soledad en la cueva de Belén. . En el cuadro, el protagonismo de la escena lo ocupa María sentada con el Niño Jesús en brazos, alrededor de ella se componen diversas figuras formando un semicírculo. A la izquierda está la poderosa figura del viejo Jerónimo de pie, mirando al Niño, con el rollo de traducción en la mano, con el león, su compañero ermitaño, agachado a sus pies. En el mismo lado, un ángel sostiene la Biblia mientras se dirige sonriente a la Virgen y al Niño. Del otro lado, Magdalena yace semireclinada, abrazando cariñosamente el pie del bebé, quien a su vez acaricia su cabello, en un gesto íntimo que subraya el intenso vínculo entre las dos figuras. Detrás de Magdalena, un angelito arruga la nariz olfateando el frasco de ungüentos del santo penitente. La escena se sitúa bajo una cortina roja, abierta a un gran paisaje. La pintura de Correggio tuvo un gran éxito, hasta el punto de que existen numerosas copias y réplicas antiguas, incluida ésta que se presenta aquí. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo y contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII. Una composición de flores abigarradas, en tonos claros, se coloca en un jarrón, negro como el fondo, sobre una base de mármol, de la que sólo se distingue la base, porque está cubierta con una tela también negra, de la que sólo Destacan las pasamanerías doradas dispuestas a crear un juego de curvas; Dos pájaros descansan a ambos lados de la parte superior, una gran paloma a la izquierda sosteniendo en su pico una ramita robada de la composición y un pájaro carpintero pelirrojo a la derecha. En el margen izquierdo se abre un paisaje, con un árbol alto y curvo bajo un cielo oscuro, y una ciudad al fondo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre cobre. Escuela flamenca del siglo XVII. La pintura, atribuida por tradición oral a Frans Francken el joven (1581 -1642), representa una curación milagrosa realizada por Jesús: mientras va con sus discípulos, se encuentra en el camino con un hombre enfermo, probablemente de lepra, enfermedad que involucra aislamiento y destierro de la ciudad; el hombre invoca a Cristo que hace el milagro y lo sana. El cuadro sitúa el acontecimiento en el borde izquierdo de la escena, en primer plano, donde destacan por sus vivos colores las figuras vestidas según el estilo típico de los tiempos de Cristo; además, el paisaje que llena el resto de la escena es decididamente nórdico, con un río lleno de agua que fluye en un campo lleno de vegetación, y una ciudad al fondo bajo los picos de las montañas. La descripción pictórica de la vegetación es minuciosa y precisa, rica y bien definida en los detalles: el tronco roto en primer plano, las frondas del gran árbol detrás de los personajes, los pájaros volando alto en el cielo, las pequeñas flores en la orilla , los matices del El agua en la que se reflejan las plantas y las nubes están pintados con un refinamiento pictórico propio de la pintura flamenca, de estilo similar al del gran artista de Amberes. La pintura se presenta en un marco antiguo reutilizado.

Copia de Guido Reni

Pintura al óleo sobre lienzo. La obra es una de las numerosas réplicas, con algunas variaciones, del famoso tema creado por el famoso pintor boloñés Guido Reni (1574 -1642) y su taller. La composición, que ve a la Virgen en oración inclinada a adorar al Niño dormido, se considera una invención de la genial vena de Reni, que, tras el gran éxito entre los coleccionistas de la época, fue retomada luego por otros autores del siglo XVII. , entre los que destaca el nombre de Giovan Battista Salvi conocido como "Il Sassoferrato". Las dos variantes más famosas de esta fascinante escena ven a la Virgen con las manos juntas en oración, adoptada por Salvi, o la de las manos sobre el pecho, como esta, típicamente de Reni. Otras variaciones se refieren a la posición de la cabeza del Niño Jesús dormido, vuelta hacia arriba como en esta versión, en lugar de reclinarse hacia un lado; finalmente las telas de fondo cambian. Sin embargo, la intensidad de la escena también se destaca en esta réplica: está ocupada transversalmente por el cuerpo abandonado en reposo del niño, donde la naturaleza divina se sujeta a la humana en el sueño; sobre ella, inclinado en gesto protector y al mismo tiempo contemplativo, el cuerpo de María, que expresa toda la ternura materna pero también, en el gesto de las manos, la adoración del misterio encarnado representado por el pequeño hijo. Los colores vivos de las telas -el almohadón sobre el que está reclinado Jesús, la cortina detrás de él, los vestidos de la Madre- resaltan la luminosidad de las tonalidades de la carne. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.