Cuadro con el Triunfo de Baco

Óleo sobre lienzo. Este cuadro de grandes dimensiones relata el famoso episodio mitológico del Juicio de Paris, acontecimiento que contribuyó a desencadenar la Guerra de Troya. Paris, un príncipe troyano, fue llamado para dirimir la disputa entre las tres diosas, Hera, Atenea y Afrodita, sobre quién merecía la manzana de oro que se concedería a «la más bella», arrojada por la diosa Discordia sobre la mesa de los dioses. Cada una de las tres diosas prometió a Paris una recompensa a cambio de la manzana, y él eligió a Afrodita, que le había prometido la mujer más bella del mundo, Helena, esposa de Menelao, rey de Esparta. En la gran escena, Paris está sentado en el centro, entre las piernas de la diosa Afrodita, a la que tiende la manzana con el brazo levantado; Afrodita coge la manzana con una mano, mientras se vuelve hacia arriba para indicar al dios Cupido, que se cierne sobre ella, que cumpla su voluntad. A la izquierda, las otras dos diosas le dan la espalda, indignadas y con el ceño fruncido, mientras que arriba, el dios Mercurio decreta la victoria de Afrodita, señalándola con su bastón, el caduceo símbolo del acuerdo alcanzado, y el dios Cupido, siguiendo las instrucciones de Afrodita, prepara la estral ardiente con la que enamorará a Helena de Paris. La escena se completa con un niño con alas que vierte agua de un jarrón, tal vez una especie de bautismo, o consagración de la elección. Las figuras, imponentes y fuertemente carnales, llenan la escena en un entretejido de cuerpos que, con la variación de los colores de las tez -pálida la de las divinidades, más brillante la del príncipe pastor, (¡el único mortal en el hecho!), pero todos interpretados en una misma gama cromática-, consiguen una homogeneidad cromática. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. La gran escena está ambientada en el exterior de una fortaleza rocosa y muestra a una guarnición de soldados preparándose para la batalla. En primer plano a la izquierda, cerca de un árbol, el grupo de comandantes a caballo observa el trabajo y da órdenes, mientras las tropas arman sus cañones en las terrazas, preparan lanzas rudimentarias y afilan sus armas blancas. Los colores son claros y apagados, con gradaciones de gris que pasan del cielo despejado con nubes a la fortaleza rocosa, para perderse en el terreno virando a un beige arenoso; sólo destacan algunos uniformes de oficiales, que rompen la uniformidad cromática. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. La mujer representada en la escena se remonta a Porcia, noble romana y esposa de Bruto, que vivió por tanto en el siglo I a.C.: según la leyenda, se suicidó tragándose un carbón encendido, y es en este momento fatal en el que se la representa aquí. El cuadro se acerca mucho a la manera pictórica de la pintura homónima de la escuela de Cignani, atribuida a su alumno Marcantonio Franceschini y conservada en el Palacio Tozzoni de Imola. La figura de Porcia, situada en un interior con elementos clásicos, ocupa todo el campo de la escena, y está representada sentada frente al brasero ardiente, en el acto de llevarse el carbón a la boca; su expresión revela el sufrimiento del gesto que está realizando, pero también su determinación, su mirada que mira lejos la sitúa ya lejos de la vida que deja atrás. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo. Se presenta en un marco antiguo del siglo XVIII.

Paisaje con Pastores y Rebaños.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. En un espléndido paisaje clásico, con verdes colinas que dominan un curso de agua, un arroyo en primer plano que luego se convierte en un ancho río a lo lejos, aparecen las figuras de un pastor y una pastora que conducen a su rebaño al agua. Las escenas pastorales de este tipo caracterizaron la producción del artista holandés Michiel Carree, pintor de la corte del rey de Prusia en las primeras décadas del siglo XVIII. El cuadro, en primer lienzo, se presenta en un marco dorado coetáneo de madera tallada y dorada.

Óleo sobre lienzo. Escuela romana de la segunda mitad del siglo XVII. La escena narra un episodio de la historia de amor entre la reina de Egipto y el triunviro romano Antonio: Cleopatra, para demostrar su riqueza y seducir al apuesto general, prepara un suntuoso banquete, durante el cual elige una perla de inestimable valor y la disuelve en vinagre, ofreciendo después la bebida, considerada un poderoso afrodisíaco, a Antonio. En el cuadro, la reina está a punto de depositar la perla en la copa: particular es la cinta a la que está atada la perla, que recuerda a la del cuadro homónimo de Carlo Maratta (1625 -1713). Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de madera de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. El tema representado narra un episodio bíblico del Antiguo Testamento: Susana, la bella y casta novia de Ioachim, un rico judío, es acosada por dos ancianos jueces del pueblo mientras se baña en su jardín. Este episodio ha sido ampliamente reproducido en el arte, como ocasión para exaltar la belleza femenina y condenar la voluptuosidad pecaminosa. En la escena, la figura femenina de Susana, desnuda, está sentada en primer plano a la izquierda, en la balaustrada de una fuente del jardín, con la intención de sumergirse, pero señalando con la mano a los dos ancianos de la derecha, que, ocultos tras un arbusto, la espían. Insólita en la escena es la figura de la otra mujer, probablemente una sierva de Susana, también discreta, probablemente introducida para exaltar aún más la desnudez femenina. Al fondo se ve el jardín de la villa, caracterizado por parterres simétricos y regulares. También es peculiar la presencia, a lo lejos, detrás de la cabeza de Susanna, de tres figurillas estilizadas, que parecen correr hacia ella, quizá para advertirle del peligro. La obra, en primer lienzo, presenta una ligera rotura en el ángulo superior izquierdo y manchas puntiformes de pintura. Se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. El cuadro es de grandes dimensiones, lo que recuerda los métodos pictóricos del siglo XVII, pero es de fecha posterior, y fue pintado sobre un lienzo aplicado sobre otro más antiguo. La escena relata el episodio bíblico (tomado del Libro de los Reyes) ampliamente narrado pictóricamente, que representa el baño de Betsabé, esposa del general Urías, al servicio del rey David. Según el relato bíblico, David se encuentra en la terraza de su palacio cuando observa a la mujer bañándose en el jardín de su casa, rodeada de sus siervas. David se enamora de ella y la seduce, dejándola embarazada. Para disimular la fechoría, convoca al general Urías desde el frente para que se acueste con su esposa, pero Urías no quiere dejar a sus soldados; así que David lo envía a luchar en primera línea con la esperanza de que lo maten: esto sucede y David puede casarse con Betsabé, pero será castigado por Dios por el adulterio y la impiedad cometidos. El cuadro representa el momento en que Betsabé, recién salida del baño, mientras se refleja en el espejo que sostiene una esclava, y rodeada de otros sirvientes, lee la nota que le envía el rey David; éste aparece en el ángulo superior derecho, asomado a la terraza. La escena está dominada por las figuras femeninas entrelazadas en una maraña de túnicas y telas, y rodeadas por las flores del jardín; en el centro se alza el espejo en un rico marco dorado. El cuadro tiene una mancha en la esquina inferior derecha. Se presenta en un marco antiguo dorado.

Óleo sobre lienzo. La escena tiene lugar en un campamento militar: fuera de una tienda, a la izquierda, un jefe de un ejército, probablemente griego, recibe las ofrendas de un grupo de hombres, pobres y harapientos, que se postran ante su nuevo señor; el primero reparte panes, otro saca algo de un saco, el tercero muestra las heridas de su cuerpo para invocar misericordia; detrás de ellos se acercan otras figuras que buscan, formando una fila dispersa por el camino que se pierde en la distancia, a la derecha. Al fondo, a la izquierda, la vida en el campamento militar es bulliciosa. El cuadro ha sido restaurado y repintado.

Seguidor de Pedro Pablo Rubens

Óleo sobre lienzo. El cuadro procede de la obra de Rubens (1577 -1640) conservada en el Museo del Prado de Madrid, reproducida como contrapartida en grabado por Paulus Pontius (1603 -1658), como también aparece en esta versión. Ocupa el centro vertical de la escena la figura de María, cuyo rostro se inspira en el de Isabel Brandt, la primera esposa del pintor flamenco, fallecida en 1626 con sólo 35 años. La Virgen sostiene en sus brazos al Niño Jesús, que la mira tierna pero seriamente a los ojos, mientras una pequeña mano se apoya en el pecho descubierto de su madre, de la que acaba de recibir el alimento; detrás, de pie, Santa Ana envuelve los hombros de su hija y de su nieto en un abrazo tierno y protector, sonriendo complacida: A la izquierda, algo separado y en penumbra, José observa pensativo y preocupado: la única figura humana que no encaja en la luz que emana del rostro del Niño, irradiada sobre el de María y, por reflejo, también sobre el de Santa Ana. En comparación con la obra del maestro, se respeta la composición de las figuras, pero varían varios detalles, sobre todo en la vestimenta de Santa Ana, María y el drapeado que rodea las caderas del Niño, lo que apoya la hipótesis de que sea obra de un seguidor del maestro flamenco. El cuadro, restaurado y repintado, está en buen estado, con sólo un rasguño de color en la parte superior central.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. La insólita y peculiar representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentados a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que van a tomar (consistente en fruta y pan). La escena, un tema representado con bastante poca frecuencia y normalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven la comida a la familia, tiene aquí en cambio el sabor de una intimidad doméstica muy normal y sencilla. Por otra parte, en torno a la Sagrada Familia se vislumbra majestuosamente una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentados en un bello efecto de perspectiva que conduce, en el extremo derecho, a la muralla de entrada a una ciudad ricamente torreada, probablemente Jerusalén. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.