Antikes Bild mit Heiligem Subjekt Öl aif Leinwand XVII Jhd

Öl auf Leinwand. Römische Schule des 17. Jahrhunderts. Die blutige Episode des Opfers der Iphigenie, die auch in der Ilias erzählt wird, geht auf den Zorn der Artemis, der Göttin der Jagd, zurück, die, von Agamemnon wegen seiner Prahlerei als Jäger beleidigt, die griechische Flotte daran hinderte, nach Troja zu segeln; Der Wahrsager Calchas prophezeit dann, dass der Zorn der Göttin nur durch die Opferung der jüngsten Tochter von König Agamemnon selbst, Iphigenie, besänftigt werden kann, und so geschieht es. Im Zentrum der Szene ist das Mädchen dargestellt, das am Fuße des Opferaltars liegt, während es von den Priestern gemäß den Ritualen vorbereitet wird; In der linken Ecke können wir seinen Vater Agamemnon (mit der Krone zu seinen Füßen zurückgelassen) und seine Mutter Klytämnestra sehen, die es in ihrer Verzweiflung nicht wagt, hinzusehen. Oben beobachtet die Göttin Artemis die Szene, erkennbar am Mond auf ihrem Haar, am Bogen in ihrer Hand und an einem Hirsch, ihrem Symboltier, am Fuße des Baldachins: einer weniger gewalttätigen Version des Mythos zufolge, bei Im Moment der Opferung Iphigenias wird sie durch Artemis mit einer Hirschkuh ersetzt, wie die Anwesenheit des Tieres in dieser Darstellung andeuten könnte. Das hier vorgestellte Werk geht auf das zwischen 1640 und 1642 veröffentlichte Gemälde von Pietro Testa (heute in der Galleria Spada in Rom) und seine Stiche zurück: Die gesamte Komposition der Figuren ist davon übernommen, allerdings in der Kleidung und den Farben verändert in verschiedenen Einzelheiten. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem frühen 20. Jahrhundert präsentiert, der aus der Zeit der Restaurierung stammt.

Öl auf Leinwand. Dem Porträt eines Herrn ist oben links der Schriftzug „Paulus Castellanus Sanator“ beigefügt. Das Wort Castellanus könnte der Familienname sein, der sehr weit verbreitet ist und den Bewohner einer Burg identifiziert, nicht unbedingt den Burgherrn, sondern ein Familienmitglied. Der Begriff Sanator identifiziert den Menschen als Heiler, als Hausarzt. Das Gemälde wird in einem antiken Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Das Gemälde befasst sich mit dem ähnlichen Werk von Paolo Veronese (1528–1588), das um 1560–70 entstand und heute im Prado-Museum aufbewahrt wird und von dem unser Gemälde die Komposition der Figuren übernimmt und dabei den gesamten Hintergrund und die Kleidung verändert der Persönlichkeiten. Veroneses Werk war so erfolgreich, dass es in seiner eigenen Werkstatt mit zahlreichen Variationen repliziert wurde: Unser Werk geht wahrscheinlich auf eine dieser Kopien zurück, die in einer späteren Zeit repliziert wurden. Die dargestellte Episode wird im biblischen Buch Exodus erzählt und erzählt von der Entdeckung des kleinen Moses, den seine Mutter in einem Korb am Ufer des Nils zurückgelassen hatte, um ihn vor dem Massaker an den Kindern Israels durch den Pharao zu retten; Die Tochter des Pharaos, die mit ihrem Gefolge zum Fluss ging, findet ihn, rettet ihn und adoptiert ihn. Die Figuren der Szene sind in Kleidung aus dem 18. Jahrhundert dargestellt, insbesondere das Kleid der Prinzessin zeichnet sich durch seinen Reichtum und Prunk aus; Das einzige exotische Element ist die Anwesenheit eines schwarzen Dieners in der Fortsetzung, während der Hintergrund ebenfalls auf eine nordeuropäische Landschaft mit dichter Waldvegetation verweist. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen aus dem 11. Jahrhundert präsentiert.

Öl auf Leinwand. Die große, in einer hügeligen Landschaft angesiedelte Szene mit einem Dorf und Ruinen im Hintergrund links wird vollständig von der kompakten Gruppe zahlreicher lebender Figuren eingenommen: In der Mitte sitzt die Familie des Hirten und beobachtet seinen Begleiter, der das kleine Kind hält in ihren Armen in Windeln; Rundherum die Tiere, vom treuen Schäferhund bis zu den Tieren der Herde, Schafen, Ziegen und Kühen, auch in Ruhe. Hervorzuheben ist der große Naturalismus der Tierfiguren, der als Bildmodalität auf die Werke der Schule von Philipp Peter Roos, bekannt als Rosa da Tivoli (1657-1706), verweist, dem deutschen Maler, der als einer der besten Tiermaler der Welt galt Italien im 17. Jahrhundert, gekennzeichnet durch die besondere Fähigkeit, an das Fell und das Aussehen von Tieren zu erinnern. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem vergoldeten Rahmen aus der Zeit präsentiert.

Öl auf Leinwand. Venezianische Schule des 18 Jahrhunderts. Das Porträt schlägt die Figur einer jungen Frau vor, die ein Alltagskleid trägt, aber mit gefleckten Pelzkanten verziert ist; merkwürdigerweise stellt sie mit dem erhobenen Arm einen Pelzmuff zur Schau, den sie über eine Hand gesteckt hat, wahrscheinlich eine Gewohnheit, um eine Mode der Zeit zu unterstreichen. Das Gemälde weist Restaurierungsspuren auf, wobei die Originalleinwand erhalten blieb, jedoch auf einen neuen Rahmen montiert wurde. Es ist in einem ovalen Rahmen aus der gleichen Zeit präsentiert, der jedoch von einem später hinzugefügten Holzfries überragt wird.

Ölgemälde auf Leinwand. Venezianische Schule des späten 18. Jahrhunderts. Das große Gemälde erzählt die evangelische Episode der Begegnung zwischen der heiligen Elisabeth, die mit Johannes dem Täufer schwanger ist, und Maria, die auf Jesus wartet, ist jedoch in eine größere Chorszene eingefügt: Es ist auf einer großen Treppe, wahrscheinlich der des Tempels, angebracht Sacharja, der Ehemann Elisabeths, war Priester und eine Menschenmenge von Figuren und wird von einer Menschenmenge belebt, unter der mehrere Frauen mit Kindern und Familien hervorstechen. Ausschnitt im Vordergrund links ist die Figur mit einem kleinen Jungen an seinen Beinen, der zum Betrachter blickt und mit einer breiten Armbewegung auf das zentrale Ereignis, die Begegnung der beiden heiligen Frauen, hinweist. Hervorzuheben sind die Farben, die nach der venezianischen Bildtradition Grundelemente der Szenen sind, die Figuren unterstreichen und in die verschiedenen dreidimensionalen Ebenen übergehen. Unterfüttert und restauriert, die Leinwand weist links einen leichten Riss auf. Es wird in einem vergoldeten Rahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Mittelitalienische Schule des 17. Jahrhunderts. In seinem Bildstil erinnert das Gemälde an das Schaffen von Angelo Caroselli (1585-1652), einem römischen Barockkünstler, der Maler, Kopist, Restaurator, aber auch Pasticheur und Kunstkenner, also Schöpfer von Gemälden „in der Art von“ war " - in „Technik“ und im „Stil“ einer bestimmten künstlerischen Epoche oder eines bestimmten Autors, sogar durch Zusammenfügen von „Teilen“ aus verschiedenen Gemälden. Zunächst caravaggesk, entwickelte Il Caroselli später seine ganz persönliche künstlerische Sprache, die von vielen kleineren Künstlern kopiert wurde. In diesem Werk sticht die starre und fast verärgerte Ausdruckskraft der Figur hervor, deren Eleganz der Kleidung aus dem 17. Jahrhundert und die fast weiblichen Züge des Gesichts mit seinem rosigen Teint im Kontrast zur Grobheit von Goliaths blutigem Kopf mit der großen Stichwunde stehen das sich von der sterblichen Blässe abhebt. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert, wobei der ursprüngliche Holzrahmen erhalten blieb. Es wird in einem modernen Holzrahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Italienische Schule des 17.-18. Jahrhunderts. Eine große Komposition aus bunten Blumen in geprägten Metallvasen und einigen auf dem Boden verstreuten Früchten sind nahe einer Wand mit Blick auf eine maritime Landschaft platziert: Die Helligkeit des Himmels und des Meeres auf der rechten Seite kontrastiert mit dem schattigen Bereich auf der linken Seite. auf dem die Farben der Blumen hervorstechen. Das unterfütterte und restaurierte Gemälde weist einen erheblichen Riss auf. Es wird in einem modernen lackierten und vergoldeten Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Norditalienische Schule des 17. Jahrhunderts. Das große Gemälde stellt als Thema ein bekanntes alttestamentarisches Thema dar, nämlich den Reichtum König Salomos, der im Ersten Buch der Könige beschrieben wird: „König Salomo übertraf daher an Reichtum und Weisheit alle Könige der Erde. In jedem.“ Teil der Erde, um sich Salomo zu nähern, um auf die Weisheit zu hören, die Gott in sein Herz gelegt hatte. Jeder brachte ihm jedes Jahr Opfergaben aus Silber und Gold, Kleidern, Waffen, Gewürzen, Pferden und Maultieren. Auf dem Gemälde hört der König, reich gekleidet mit königlichen Symbolen (Krone, Zepter, Hermelinmantel), im Stehen den Postulanten zu, die zu ihm kommen, um den von seiner sprichwörtlichen Weisheit diktierten Rat zu erhalten, und im Gegenzug bringen sie ihn Opfergaben, die ihrer gesellschaftlichen Rolle angemessen sind: Einige Bauern bringen Säcke voller Getreide als Geschenke, die Früchte ihrer Arbeit auf den Feldern, ein anderer hebt einen Becher in die Höhe, um die Aufmerksamkeit des Königs zu erregen. Die Farben und der Bildstil des Gemäldes beziehen sich auf die norditalienische, insbesondere venezianische Produktion. Das Gemälde wurde restauriert und neu unterfüttert.

Öl auf Leinwand. Das Gemälde zeigt das halbhohe Porträt eines jungen Mannes in Deshabillé, der seine Pfeife anzündet, indem er mit einem Stock Feuer aus der Kerze schöpft, die vor ihm auf dem Tisch steht, auf dem auch ein Schwert ruht: vielleicht handelt es sich um einen jungen Ritter in einem Moment der Ruhe. Gerade die Kerze, die einzige Lichtquelle in der Szene, deutet darauf hin, dass sich der Künstler an Georges De La Tour (1593-1652) orientierte, dem französischen Maler des Caravaggio-Stils, der sich mit seinen "nächtlichen" Szenen einen Namen gemacht hat. Diese zeichnen sich dadurch aus, dass die Figuren, bei denen es sich in der Regel um Personen von niedrigem Rang und nicht um historische Vorbilder oder hochwohlgeborene Persönlichkeiten handelt, durch das Licht einer Kerze beleuchtet werden, wodurch eine besondere Atmosphäre der Intimität entsteht. Das restaurierte und neu gerahmte Gemälde wird in einem stilvollen Rahmen präsentiert.

Ölgemälde auf Leinwand. Intensiv und von hoher Qualität zeigt das Gemälde einen Monarchen des königlichen Hauses von Schottland. Um das Porträt herum befinden sich in einem gemalten ovalen Rahmen einige Schriften: Oben links der Name Rober (t), unten links der Titel Rex und rechts die Abkürzung Scot, die für Scotorum steht; die Schrift rechts oben ist nicht identifizierbar, scheint aber ein Akronym zu sein. Der abgebildete Mann trägt einen Hut und eine Jacke, die mit Hermelinpelz verziert ist, der als der edelste Pelz gilt, der dem Königtum vorbehalten ist. Um den Hals trägt er einen goldenen Anhänger, der zwei Blätter mit der Frucht der Distel darstellt, die in der Heraldik Schottland symbolisiert. Die Schrift und der Anhänger beziehen sich daher auf einen Robert von Schottland, wahrscheinlich aus der Dynastie, die im 14. Jahrhundert regierte. Das Porträt wurde auch in der romantischen Periode des neunzehnten Jahrhunderts ausgeführt, wobei wahrscheinlich einige alte Stiche als Inspiration verwendet wurden. Restauriert und unterfüttert, präsentiert es sich in einem historischen Rahmen.

Öl auf Leinwand. Norditalienische Schule. Die Darstellung der Geburt Christi wird hier als besinnlicher Moment des Heiligen Kindes gesehen, von Maria und Josef, begleitet von kleinen Engeln. Die malerischen Wege knüpfen an die weit verbreiteten Vorbilder an, beginnend bei Correggio, von Barocci, bis hin zu den zahlreichen Versionen von Gherardo delle notte oder dem flämischen Maler Gerard von Honthorst, Vertreter des Tenebrismus, einer Bildströmung, die mit starken Kontrasten der Dunkelheit spielte und Licht, hell und dunkel. Auch in dieser Arbeit erhellt das Licht des Jesuskindes die Gestalten um ihn herum und lässt sie aus der umgebenden Dunkelheit hervortreten. Das restaurierte und unterfütterte Werk wird in einem Rahmen aus dem 19. Jahrhundert präsentiert.