Antiker Spiegel Vergoldetes Holz Italien des XX Jhs - Italien, XX Jhd

Die Ankündigung

Öl auf Holz. Der Referenzname wird oben links angezeigt, der Nachname wurde in Mayer geändert. Es handelt sich um eine Kopie des gleichnamigen Gemäldes von Claus Meyer, das 2005 in Deutschland versteigert wurde. Der deutsche Künstler liebte es, Genreszenen mit flämischem Einschlag wiederzugeben. In der vorgestellten Arbeit, die in einem Raum eines Bürgerhauses spielt, liest ein Mann mit dem Rücken zugewandt einen Brief an eine Gruppe anderer Männer, allesamt Honoratioren oder lokale Persönlichkeiten. Das Werk wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Zusammengesetzt aus geholzten Blättern, zusammengenäht und teilweise koloriert, mit passenden Figuren und Texten. Die Gruppe besteht aus 23 Heften, davon zwei in drei Exemplaren und eines in vier Exemplaren; ein anderes Paar hat das gleiche Cover, aber unterschiedliche Inhalte. Die Hefte können als „Manga“ des 19. Jahrhunderts betrachtet werden: Das Wort „Manga“ kann noch heute viele verschiedene Produktionen bezeichnen, wie einzelne Cartoons, verstreute Zeichnungen, aufwändigere Illustrationen, Comicstrips, Comicbücher sowie animierte Zeichnungen . Ausgehend von der Annahme, dass es keine „Manga-Form“ gibt, sondern unterschiedliche Auffassungen von Gegenständen und grafischen Formen, die alle mit diesem Wort bezeichnet werden, lässt sich der Begriff Manga bereits im 18 , wie oben erwähnt, Zeichnungen und Skizzen. Aber erst in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts etablierten sich Katsushika Hokusais 15 Bände mit Illustrationen, Studien, grafischer Unterhaltung und detaillierten zweifarbigen Drucken dank der fortschreitenden Veröffentlichung ab 1814. Wollen wir dagegen dem Wort die spezifischere Bedeutung von „aneinandergereihten Geschichten“ geben, dann muss das Debüt in die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts gelegt werden, ähnlich wie es in Europa und den Vereinigten Staaten geschah für Comics. Die Hefte sind in gutem Zustand.

Hospitalisierung des Dreizacks 1916

Öl auf Karton. Rechts unten signiert. Auf der Rückseite befindet sich der Name mit dem Titel, der den kleinen Einblick in Mazedonien im Jahr 1916, während des Ersten Weltkriegs, verortet. Alfonso Corradi, geboren in der Emilia, aber ausgebildet und dann in Mailand lebend, studierte Ornamentik an der Brera Academy und widmete sich einige Jahre auch der Szenografie. Er spezialisierte sich auf Landschaftsmalerei und begann eine vor allem in Mailand konzentrierte Ausstellungskarriere. Das hier vorgeschlagene Sujet, obwohl Landschaftscharakter, ist Teil einer seltenen Produktion einer Serie kleiner Bilder, fast Skizzen, die bis zum Ersten Weltkrieg zurückführt, insbesondere zur Militärexpedition einer italienischen Einheit nach Mazedonien im Jahr 1916 , die von der Regierung mit dem Ziel entsandt wurden, den österreichisch-ungarischen und bulgarischen Streitkräften während des Ersten Weltkriegs entgegenzuwirken und dieses Gebiet zu kontrollieren. Auch eine direkte Beteiligung des Malers an diesem Kriegszug ist nicht dokumentiert. Das Gemälde ist gerahmt.

Stillleben

Öl auf Leinwand. Oben rechts signiert. Der Maler kalabrischer Herkunft Enotrio Pugliese, in der Kunst nur Enotrio, malte bevorzugt Themen, die mit seiner Heimat Kalabrien verbunden sind, in Landschaften, aber auch in Stillleben mit beliebten Gegenständen und einfachen Alltagsgegenständen, wie der hier vorgestellten Komposition. Das Gemälde wird in einem Rahmen präsentiert.

Farbstifte auf Papier. Rechts unten uneinheitliche Signatur und Datierung (1930). In ener geordnetem Landschaft steht links ein Häuschen mit Kleidern, die an Außenschnüren in der Sonne hängen; rechts geht ein Mann mit Krücken die Straße entlang, während ein anderer oben am Ufer eine Zigarette anzündet. In der Mitte teilt ein Lichtmast die Szenein zwei Hälften. Die Arbeit wird in einem historischen Rahmen präsentiert.

Komposition mit Karaffe

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert. Die Komposition geht zurück auf die Produktion von Sante Monachesi in den 1940er und 1950er Jahren, in der der Künstler nach einem dem Futurismus nahestehenden Debüt dazu überging, seine figurative Poetik durch synthetische Kompositionen auszudrücken, die sich ausdehnen und großen chromatischen Feldern Raum geben, inspiriert von der Neokubismus. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Les Bouches de Naples gemissent de Terreur ou de Plaisir 1969

Tusche auf Papier. Unterschrift, Datum und Titel unten. Mit Authentifizierung auf Foto der Galleria Giò Marconi in Mailand und Stempel aus Privatarchiv. Es ist die Zeichnung des jungen Künstlers, der bald zu einem der wichtigsten Vertreter des Weltsurrealismus wurde, der Dichter und Maler, aber auch Filmemacher, Kunst- und Filmkritiker, Fotograf und humorvoller Designer war. In Nordfrankreich geboren, ließ er sich 1927 in Paris nieder, wo er in Kontakt mit einer Gruppe junger Dichter und Philosophen kam, mit denen er die Bewegung „Grand Jeu“ gründete: Spiel wird als Lebenskunst verstanden. Seit 1928 arbeitet er an Texten, Gedichten und Zeichnungen für die Zeitschrift der Bewegung und arbeitet in der Zwischenzeit als Redakteur und Reporter mit verschiedenen Pariser Zeitungen zusammen der surrealistischen Bewegung, Mitarbeit an ihren Veröffentlichungen und Teilnahme an ihren Ausstellungen. Sein Humor wendet sich dem Ungewöhnlichen und Grausamen zu, verspottet immer mehr die Absurdität des Alltags, die tragische Seite des gemeinsamen Daseins, gegen die sich der Geist und das Unbewusste auflehnen und versuchen, das Unbeobachtbare zu erreichen. Kennt Salvador Dalí. 1939 begann er auch seine Tätigkeit als Filmemacher, 1941 fand seine erste Einzelausstellung in Paris statt: Erster Käufer war Pablo Picasso. Nehmen Sie an allen surrealistischen Ausstellungen teil, einschließlich der internationalen Ausstellung von 1947 in Paris. 1951 verließ er aus Gründen der internen Disziplin der Gruppe die surrealistische Bewegung mit anderen, praktizierte aber weiterhin ihre Poetik. 1955 begeisterte er sich auch für die Fotografie. Seit 1968 widmet er sich fast ausschließlich der Malerei und gibt die Tätigkeit des humorvollen Zeichners auf. Im selben Jahr ließ er sich dauerhaft in Mailand nieder: In Italien stellte er in verschiedenen Einzelausstellungen aus, in Mailand in der Galleria Marconi. Das hier vorgestellte Werk, eine frühe Zeichnung, stammt aus einer bedeutenden Mailänder Privatsammlung. Es wird in einem Rahmen präsentiert.

Tempera auf Leinwand. unten rechts signiert Mimy und datiert. Die Szene spielt in einem eleganten Wohnzimmer und zeigt eine Gruppe Damen und Herren, die sich während eines Empfangs musikalisch unterhalten: Während eine Frau Spinett spielt, tanzt ein junges Paar. Das Werk wird in einem historischen Rahmen präsentiert, mit einem großen Mangel im oberen Teil.

Komposition mit Brot und Tomaten

Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert. Auf der Rückseite befindet sich der Stempel des Künstlers auf dem Rahmen. De Bernardis Gemälde ist Teil der lombardischen Landschaftstradition des 19. und 20. Jahrhunderts. Er lebte immer in Besozzo, seiner Heimatstadt in der Provinz Varese, reiste jedoch viel, in Italien und außerhalb Italiens, sammelte Eindrücke und suchte nach neuen Landschaften, um sie in seiner Arbeit noch einmal zu erleben. Er bevorzugte die Landschaftsmalerei, auch wenn sie in seinen verschiedenen Bildphasen einen wechselnden Stil zum Ausdruck brachte. In seinem Schaffen mangelt es nicht an Stillleben, die hauptsächlich bis in die 1940er-Jahre zurückreichen, sorgfältig gestaltete Kompositionen, die darauf abzielen, die Probleme des Lichts und der atmosphärischen Tiefe mit Beweglichkeit und Frische anzugehen, wie in dieser Präsentation von Brot und Tomaten auf einem rustikalen Tisch. Das restaurierte und unterfütterte Gemälde wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Leinwand. Nordeuropäische Schule aus dem frühen 20. Jahrhundert. Unten rechts unbekannte Signatur. Die Landschaft stellt einen Blick auf eine unbebaute Landschaft dar, mit Vegetationsstücken, Wiesen voller Heidekraut, durchquert von einem Weg, der zu den nahegelegenen Hügeln führt und an einem Stall vorbeiführt. Das Werk hat oben in der Mitte einen kleinen Einschnitt. Es wird in einem Rahmen präsentiert.

Die Freuden der Mutter

Öl auf Leinwand. Anfang des 20. Jahrhunderts. Das Gemälde erinnert sehr detailliert an das gleichnamige Werk aus der Zeit um 1866. vom emilianischen Maler Gaetano Chierici, einem Künstler, der sich mit einer großen Produktion von Szenen aus dem bäuerlichen Leben einen Namen gemacht hat, festgehalten in rustikalen Innenräumen, interpretiert durch eine innige sentimentale Verbundenheit und einen klaren formalen Realismus, die von einer kleinen Welt erzählen, die glücklich und ewig ist heiter, ja oft trotz der Armut fröhlich, weil es keine gesellschaftliche Denunziationsabsicht gibt, sondern vielmehr die glückliche Vorstellung von Familie repräsentiert, die der Künstler hatte. Seine Gemälde waren beim damaligen Bürgertum so erfolgreich, dass sie in der eigenen Werkstatt des Künstlers und später auch von anderen Malern mehrfach reproduziert wurden. Chierici spielt die Szene fast immer in einer bescheidenen Bauernküche, voller Gegenstände, die bis ins kleinste Detail beschrieben werden, bevölkert von Kindern, die ihren täglichen Aktivitäten nachgehen, und von Erwachsenen, die sie glücklich und amüsiert betrachten: In dieser Szene, die an einem armen Ort spielt, a Eine sitzende Frau dreht sich und blickt die beiden kleinen Kinder mit zärtlich amüsiertem Lächeln an, das ältere steht da und stiehlt dem Kleinen den Schnuller, der auf einem Bett aus Decken auf dem Boden liegt und seine Händchen nach seinem Lustobjekt ausstreckt . Das Werk, die erste Leinwand, wird in einem geschnitzten und vergoldeten Holzrahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.

Die Maske

Öl auf Leinwand. Das Gemälde greift ziemlich ausführlich das gleichnamige Werk des emilianischen Malers Gaetano Chierici aus dem Jahr 1869 auf, einem Künstler, der sich für eine große Produktion von Szenen aus dem bäuerlichen Leben etabliert hat, die in rustikalen Innenräumen festgehalten und durch eine innige sentimentale Verbundenheit interpretiert werden ein klarer formaler Realismus, der von einer kleinen, glücklichen und immer heiteren Welt erzählt, die trotz der Armut oft fröhlich ist, weil sie keinerlei soziale Denunziation zum Ausdruck bringt, sondern vielmehr repräsentativ für die glückliche Vorstellung von Familie ist, die der Künstler hatte. Seine Gemälde waren beim damaligen Bürgertum so erfolgreich, dass sie in der eigenen Werkstatt des Künstlers und später auch von anderen Malern mehrfach reproduziert wurden. Chierici stellt die Szene fast immer in eine bescheidene Bauernküche, voller Gegenstände, die bis ins kleinste Detail beschrieben werden, bevölkert von Kindern, die konzentriert ihren täglichen Aktivitäten nachgehen, mit Erwachsenen, die sie glücklich und amüsiert betrachten: Hier sehen wir das Kind, in das es plötzlich eintritt die Küche, trägt eine groteske Maske im Gesicht und erschreckt so seine kleine Schwester, die ihr Essen aufgibt, um zu rennen und sich an den Röcken ihrer Mutter festzuhalten, die am Herd beschäftigt ist, die ihren Sohn schimpft, während sie die Kelle schwenkt. Das Werk wird in einem geschnitzten und vergoldeten Holzrahmen aus dem späten 19. Jahrhundert präsentiert.