Dipinto Ambito di Felice Boselli - Natura morta con Pesci

La Continenza di Scipione

Olio su tavola. Scuola nord-europea del XVII secolo. La scena raffigura un episodio della vita di Scipione narrato da Tito Livio e da Valerio Massimo. Publio Cornelio Scipione, poi noto come Scipione l'Africano, nel 209 a.C. durante la campagna di Spagna, dopo la presa di Cartagena ricevette come omaggio personale una bellissima vergine, che si trovava nel gruppo degli ostaggi. Ma egli, ascoltando le suppliche della sua famiglia, la rispettò rimandandola ai genitori e al fidanzato, con l'unica raccomandazione che il suo promesso sposo si adoperasse per la pace tra Roma e Cartagine. Nella raffigurazione Scipione è al centro, seduto sul suo trono, e si rivolge a sinistra, ai genitori supplici della fanciulla, mentre con un gesto clemente, indica loro di riprendersi la figlia, in piedi a destra, affiancata dal fidanzato. All'intorno , soldati e seguaci del re. La scena è ricca di figure, luminosa e colorata, e sottolinea la positività del re, personaggio centrale e potente, ma capace di mitezza e clemenza. Il dipinto, restaurato, è stato rinforzato al retro con listelli lignei. E' presentato in cornice in stile.

Dipinto Cristo coronato di Spine

Olio su tela. Il Cristo, seduto nella prigione, con indosso il mantello rosso e una canna tra le mani, riceve anche la corona di spine, a completare i simboli di dileggio della sua dichiarata regalità, motivo della sua condanna a morte. La scena presenta figure movimentate e ben definite; il Cristo centrale, sofferente e rassegnato nell'espressione del viso, è illuminato dalla luce che entra dall'apertura nella parete rocciosa, mentre i due soldati gli fanno da contorno. Il dipinto in prima tela, è inscritto in tre elementi lignei tortili, scolpiti a motivi fogliacei e dorati.

Dipinto Cristo coronato di Spine

Olio su tela. Il Cristo, seduto nella prigione, con indosso il mantello rosso e una canna tra le mani, riceve anche la corona di spine, a completare i simboli di dileggio della sua dichiarata regalità, motivo della sua condanna a morte. La scena presenta figure movimentate e ben definite; il Cristo centrale, sofferente e rassegnato nell'espressione del viso, è illuminato dalla luce che entra dall'apertura nella parete rocciosa, mentre i due soldati gli fanno da contorno. Il dipinto in prima tela, è inscritto in tre elementi lignei tortili, scolpiti a motivi fogliacei e dorati.

Dipinto Scena Galante all'Aperto

Olio su tela. Scuola francese del XVIII secolo. La scena raffigura il momento in cui una elegante giovane donna giunge sul luogo di una festa all'aperto: sta scendendo dal suo cocchio da campagna, trainato da cani, aiutata galantemente da un giovane signore. Intorno a lei la cameriera, ancora sul cocchio, a regger l'ombrellino parasole, le altre fanciulle del suo seguito e la locandiera che accolgono la signora, e si accingono ad allestire il banchetto con le vivande contenute nel paniere. I colori accesi dei personaggi vivacizzano l'ambiente rurale, mentre l'abito bianco della protagonista spicca e illumina la scena. Il dipinto, in prima tela, presenta tracce di restauro e piccole cadute di colore. E' presentato in cornice di inizio '900.

Grande Dipinto a Soggetto Mitologico

La Favola di Apollo e Marsia

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII secolo. La grande tela deriva da un'incisione del 1562 ad opera del veneziano Giulio Sanuto, che riprendeva fedelmente l'opera omonima del Bronzino (1503-1572), attualmente conservata all'Hermitage; rispetto all'originale, l'incisione aggiunse il gruppo di Muse e modificò lo sfondo paesaggistico introducendo gli scorci dei paesi. L'opera è suddivisa in quattro scene, che vanno lette da destra verso sinistra. Nella prima scena è raffigurata la contesa musicale tra Apollo e il sileno Marsia, che suonava il flauto talmente bene da essere ritenuto superiore allo stesso dio; i due contendenti si stanno esibendo, il dio con la lira e il sileno con il flauto addirittura capovolto (per aumentare la difficoltà dell'impresa), davanti al re Mida e alla dea Minerva, riconoscibile dai suoi attributi, l'elmo, la lancia e lo scudo. Nella seconda scena Apollo è intento a scorticare Marsia, per punirlo dell'aver vinto la gara musicale; appoggiati per terra di fianco a lui, il suo mantello e la lira. Nella terza scena, è Re Mida ad esser punito dal dio per avergli preferito Marsia: Apollo sta infilando le orecchie d'asino a Mida, mentre Minerva assiste. Infine la quarta scena, in primo piano a sinistra, è caratterizzata da una figura particolare, identificata nel fedele servitore e barbiere del re: poichè Mida gli aveva ordinato di mantenere il segreto sulle sue orecchie d'asino, non potendo sfogarsi altrimenti, egli scavò una buca nel terreno e urlò lì dentro il suo segreto; in quel luogo però, la leggenda vuole che crebbe un cespuglio di canne che con il vento sussurravano "Re mida ha le orecchie d'asino", rivelando così il temuto segreto. Il dipinto è stato precedentemente restaurato e ritelato, ma necessita attualmente di eventuale ulteriore ripresa del colore. Sul retro a matita è presente una vecchia attribuzione alla scuola ferrarese ("Ercole da Ferrara"). E' presentato in cornice in stile di fine '800.

Dipinto Ritratto maschile

Olio su tela. E' il ritratto di un uomo in armatura, accompagnato dalla scritta in alto a destra "Paulus Maria Castellanus L.T. Gare". La parola Castellanus potrebbe essere il cognome, molto diffuso e identificante l'abitante di un castello, non necessariamente il signore ma un membro della famiglia. Il dipinto è presentato in cornice antica.

Dipinto Il Sacrificio di Ifigenia

Olio su tela. Scuola romana del XVII secolo. Il cruento episodio del sacrificio di Ifigenia, raccontato anche nell'Iliade, prende origine dall' ira di Artemide, dea della caccia, che offesa con Agamennone per le sue vanterie di cacciatore, impedisce alla flotta greca di salpare alla volta di Troia; l'indovino Calcante allora profetizza che si potrà placare 'ira della dea solo sacrificandole la figlia minore dello stesso re Agamennone, Ifigenia, e così avviene. Al centro della scena è raffigurata la fanciulla prostrata ai piedi dell'ara sacrificale, mentre viene preparata dai sacerdoti secondo i rituali; nell'angolo a sinistra si intravvedono il padre Agamennone (con la corona abbandonata ai suoi piedi) con la madre Clitennestra che, disperati, non osano guardare. In alto, assiste alla scena la dea Artemide, riconoscibile dalla luna sulla chioma, dall'arco che tiene in mano e da un cervo, suo animale simbolico, ai piedi del baldacchino: secondo una versione meno violenta del mito, al momento del sacrificio Ifigenia viene sostituita da Artemide con una cerva, come potrebbe indicare la presenza dell'animale in questa rappresentazione. L'opera qui presentata deriva dal dipinto di Pietro Testa, pubblicata tra il 1640 e il 1642 (oggi presso la Galleria Spada a Roma) e dalle sue incisioni: da esso viene ripresa tutta la composizione delle figure, sebbene modificate negli abiti, nei colori e in diversi particolari. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di inizio '900, coeva al restauro.

Dipinto Ritratto maschile

Olio su tela. Il ritratto di un gentiluomo è accompagnata dalla scritta in alto a sinistra "Paulus Castellanus Sanator". La parola Castellanus potrebbe essere il cognome, molto diffuso e identificante l'abitante di un castello, non necessariamente il signore ma un membro della famiglia. Il termine Sanator identifica l'uomo come un guaritore, il medico della famiglia. Il dipnto è presentato in cornice antica.

Dipinto Susanna e i Vecchioni

Olio su tela. Il soggetto raffigurato racconta un episodio biblico dell'antico testamento: Susanna, la sposa bella e casta di Ioachim, ricco ebreo, viene insidiata da due anziani giudici del popolo mentre si concede un bagno nel suo giardino. Tale episodio è stato ampiamente riprodotto nell'arte, come occasione di esaltazione della bellezza femminile e condanna della voluttà peccaminosa. Nella scena la figura femminile di Susanna, discinta, siede in primo piano a sinistra, sulla balaustra di una fontana zampillante del giardino, intenta ad immergersi, ma indicando con la mano i due vecchioni sulla destra, che nascosti dietro un cespuglio la spiano. Insolita nella scena è la figura dell'altra donna, probabilmente un'ancella di Susanna, anch'essa discinta, probabilmente introdotta ad ulteriore esaltazione della nudità femminile. Di sfondo compare il giardino della villa, caratterizzato da aiuole fiorite simmetriche e regolari. Peculiare anche la presenza, in lontananza dietro il capo di Susanna, di tre figurine stilizzate, che sembrano correre verso di lei, forse per avvertirla del pericolo. L'opera, in prima tela, presenta una lieve rottura in alto a sinistra, e puntiformi macchie di vernice. E' presentata in cornice di inizio '900.

Dipinto Susanna e i Vecchioni

Olio su tela. Il soggetto raffigurato racconta un episodio biblico dell'antico testamento: Susanna, la sposa bella e casta di Ioachim, ricco ebreo, viene insidiata da due anziani giudici del popolo mentre si concede un bagno nel suo giardino. Tale episodio è stato ampiamente riprodotto nell'arte, come occasione di esaltazione della bellezza femminile e condanna della voluttà peccaminosa. Nella scena la figura femminile di Susanna, discinta, siede in primo piano a sinistra, sulla balaustra di una fontana zampillante del giardino, intenta ad immergersi, ma indicando con la mano i due vecchioni sulla destra, che nascosti dietro un cespuglio la spiano. Insolita nella scena è la figura dell'altra donna, probabilmente un'ancella di Susanna, anch'essa discinta, probabilmente introdotta ad ulteriore esaltazione della nudità femminile. Di sfondo compare il giardino della villa, caratterizzato da aiuole fiorite simmetriche e regolari. Peculiare anche la presenza, in lontananza dietro il capo di Susanna, di tre figurine stilizzate, che sembrano correre verso di lei, forse per avvertirla del pericolo. L'opera, in prima tela, presenta una lieve rottura in alto a sinistra, e puntiformi macchie di vernice. E' presentata in cornice di inizio '900.