Pintura de Giuseppe Solenghi. - Jardín con Figura

Esculturas de madera. Se trata de un conjunto enmarcado de dos cabezas de madera, una masculina y otra femenina, atornilladas a una mesa rodeadas de un marco dorado adaptado del siglo XIX. Las dos cabezas probablemente eran manijas de una cómoda del siglo XVII.

Pintura al óleo sobre lienzo. El retrato del joven, elegantemente vestido, está inscrito en un contorno ovalado. Hay ligeras gotas de color y signos de descolgamiento del lienzo. Por lo tanto, necesita restauración. Se presenta en un marco coetáneo, con varios signos de uso, para restaurar.

Bordado de tela. El bordado representa a una niña de medio cuerpo con un traje popular con máscara, al estilo de la comedia del arte. Está montado sobre un marco de madera con dos asas laterales, comandando un enganche trasero, siendo probablemente un panel de cierre.

Escena de asedio

Pintura al óleo sobre lienzo. Fuera de las fortificaciones de una ciudad, un líder, rodeado por sus soldados, está a punto de encender la mecha del cañón. El ejército defiende la ciudadela fuera de los muros y los soldados escanear hacia abajo el horizonte buscando: esto lleva con nosotros para realizar la escena sobre las fortificaciones de una ciudad, en particular las de Génova que se alza sobre las montañas detrás y desde el cual el genovés defendió la ciudad de los ataques del mar; la ubicación en Génova está respaldada por la pancarta que ondea sobre las paredes, la bandera Croce di San Giorgio (cruz roja sobre fondo blanco) de la República de Génova. La forma de las armaduras, armas y vestimentas se referiría al asedio de Génova en 1522. Se trata, por tanto, de la representación decimonónica de un episodio histórico, que por tanto forma parte de esa producción pictórica difundida en Italia en el siglo XIX, inspirada en la nueva novela histórica propuesto por la literatura. En la parte posterior del marco está el nombre G. Boni, junto con un número que hace referencia a la participación en una exposición oficial. Giovanni Boni fue alumno de la Academia de Brera, en particular seguidor de Giuseppe Sogni, un artista que entre los primeros favoreció la pintura histórica en sus innovadoras declinaciones románticas. De Boni no se sabe mucho, ni desde el punto de vista biográfico ni desde su producción. De su atribución segura sólo conocemos el Desnudo de hombre (Academia pintada) con el que obtuvo el primer premio de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. La obra expresa las figuras y el patetismo de la escena con eficacia expresiva; los personajes en primer plano están muy bien caracterizados en sus poses, expresiones, en los detalles de la ropa y las armas, mientras que las otras figuras se desvanecen en el fondo, sugiriendo la presencia de un gran ejército. La pintura, todavía en el primer lienzo, muestra pequeñas gotas de color difusas. Se presenta en un marco elegante.

Pintado bajo vidrio. La obra parece estar compuesta por un grabado aplicado sobre el vidrio y pintado en el reverso. Se representa a San Pedro Apóstol, concentrado en la oración y escuchando la voz divina que proviene del cielo abierto sobre él; Según la iconografía tradicional, Pedro lleva consigo un manojo de llaves, signo de su investidura como primer jefe de la Iglesia, y un gallo, que recuerda en cambio el episodio de la negación de Jesús: Cristo le había predicho que durante su Pasión, Antes de que cantara el gallo, Pedro le habría negado tres veces, y así fue.

Pintura al óleo sobre lienzo. Mediados del siglo XIX. La gran escena narra un episodio histórico no identificado, ambientado en la época del Renacimiento, en el que un arzobispo escucha la súplica de un joven en armas, acompañado de su madre, que apoya su súplica. El escenario es el interior de la sala de recepción del alto prelado, presumiblemente en el palacio del obispo, que desde la logia del fondo se asoma a la Catedral, cuya cúpula se vislumbra; el obispo está rodeado de sus subordinados y guardias, mientras asisten diferentes personas del pueblo. Particular es la presencia del hombre sentado en primer plano a la izquierda, que mira hacia el espectador y señala la escena, como si la estuviera contando. La atmósfera se juega con los contrastes entre luces y sombras, entre los colores brillantes de los personajes dominantes frente a los tonos apagados y difusos de las figuras circundantes, que literalmente tienden a desaparecer en las sombras en los límites de la escena. La obra forma parte de esa gran producción decimonónica que se nutre del tema histórico o literario, replanteándolo en clave romántica. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta en un marco importante de la segunda mitad del siglo XIX, con algunas carencias.