Specchio Anni 50-60

Olio su tela. La sacra rappresentazione, ricchissima di figure, è collocata all'esterno di una struttura architettonica in rovina che ospita l'asino e il bue, in un paesaggio di campagna con pendici montuose in lontananza. La Sacra Famiglia, al centro della scena, riceve la visita dei tre Magi venuti dall' Oriente, riconoscibili dalle vesti sontuose: il primo inginocchiato davanti al Bambino, con la corona poggiata a terra in segno di umile ossequio; il secondo alle sue spalle a destra, sta prendendo dalle mani del servitore l'urna con il dono che porta; il terzo appena sceso da cavallo, ancora più arretrato, aspetta seduto sul bordo del pozzo. Tutto intorno, sono raffigurate molteplici figure del seguito dei re, insieme a gruppi di pastori che si arrampicano sulle rovine per assistere alla scena. In alto volteggiano i due angeli con la scritta di Gloria, mentre sopra la capanna brilla la stella cometa. Risalta subito la coralità della scena, ove nessuno spicca o primeggia, ma tutti i personaggi hanno il loro ruolo che ruota intorno alla figura del Bambin Gesù. La tela è stata restaurata (piccola toppa al retro) e rimontata su telaio alla metà del '900, nonchè collocata in cornice dello stesso periodo.

Olio su tela. La sacra rappresentazione segue i canoni rappresentativi tradizionali di tale soggetto: la lunga tavola disposta trasversalmente è presieduta al centro dal Cristo, che sta annunciando agli apostoli l'imminente tradimento da parte di uno di loro; mentre tutti gli altri apostoli sono voltati verso il Maestro nel gesto di chiedere se l'accusa li riguardi ("Sono forse io?"), Giuda, in primo piano a sinistra, dà le spalle a Gesù con un gesto di disperazione, mentre stringe nella mano il sacchetto dei trenta denari, il prezzo del tradimento. Al centro in basso, davanti alla tavola, un cagnolino guarda il traditore: l'animale simbolo di fedeltà vuole forse essere l'ultimo tentativo per fermare Giuda, prima di compiere definitivamente il tradimento. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile. L

Olio su tela. Si tratta di una copia da dipinto di Antony Van Dick (1599 -1641), che realizzò tale soggetto in tre versioni, durante il suo soggiorno in Italia – tra il 1621 e il 1625, che vennero in seguito ampiamente copiate. La composizione delle due figure è fedele all'originale, con la contrapposizione dello sguardo di Maria che si rivolge addolorato verso il cielo, pensando al destino del Figlio, contro quello determinato e sicuro del Bambino, che si rivolge all'esterno della composizione. Manca rispetto all'originale l' imponente colonna nello sfondo, qui monocromo. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice in stile.

Olio su polistirolo. Al retro di una è presente etichetta di Mostra milanese del 1974, con i dati dell' opera e il titolo "Spazio rosso". Roberto Ciaccio ha svolto ha avuto un percorso artistico profondamente concettuale che lo ha portato ad esiti di pura astrazione. Si è cimentato con diversi materiali e tecniche, ma soprattutto la sua ricerca è stata in termini interdisciplinari, confrontandosi spesso con la filosofia, la musica, la poesia, l'architettura). Le due opere sono presentate in teca in plexiglass.

L'Annuncio

Olio su tavola. In alto a sinistra è riportato il nome di riferimento, con modifica del cognome in Mayer. Si tratta di copia dell'omonimo dipinto di Claus Meyer, passato in asta in Germania nel 2005. L'artista tedesco amò riproporre scene di genere di gusto fiammingo. Nell'opera presentata, ambientata in una stanza di una casa borghese, un uomo di spalle sta leggendo una lettera ad un gruppo di altri uomini, tutti notabili o personalità del luogo. L'opera è presentata in cornice in stile.

Auronzo di Cadore

Olio su tela, 1954. Firmato e datato in basso a dx . Al verso ulteriore firma e titolo. In cornice dorata coeva

Olio su tela. Il Cristo, seduto nella prigione, con indosso il mantello rosso e una canna tra le mani, riceve anche la corona di spine, a completare i simboli di dileggio della sua dichiarata regalità, motivo della sua condanna a morte. La scena presenta figure movimentate e ben definite; il Cristo centrale, sofferente e rassegnato nell'espressione del viso, è illuminato dalla luce che entra dall'apertura nella parete rocciosa, mentre i due soldati gli fanno da contorno. Il dipinto in prima tela, è inscritto in tre elementi lignei tortili, scolpiti a motivi fogliacei e dorati.

Olio su tavola. Scuola nord-europea del XVII secolo. La scena raffigura un episodio della vita di Scipione narrato da Tito Livio e da Valerio Massimo. Publio Cornelio Scipione, poi noto come Scipione l'Africano, nel 209 a.C. durante la campagna di Spagna, dopo la presa di Cartagena ricevette come omaggio personale una bellissima vergine, che si trovava nel gruppo degli ostaggi. Ma egli, ascoltando le suppliche della sua famiglia, la rispettò rimandandola ai genitori e al fidanzato, con l'unica raccomandazione che il suo promesso sposo si adoperasse per la pace tra Roma e Cartagine. Nella raffigurazione Scipione è al centro, seduto sul suo trono, e si rivolge a sinistra, ai genitori supplici della fanciulla, mentre con un gesto clemente, indica loro di riprendersi la figlia, in piedi a destra, affiancata dal fidanzato. All'intorno , soldati e seguaci del re. La scena è ricca di figure, luminosa e colorata, e sottolinea la positività del re, personaggio centrale e potente, ma capace di mitezza e clemenza. Il dipinto, restaurato, è stato rinforzato al retro con listelli lignei. E' presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola nord-europea di fine '800. Firma non identificata (Marie Ross?) in basso a destra. Ampia veduta di una campagna verdeggiante, percorsa da un torrente; sullo sfondo un cascinale, verso il quale si dirige la figura femminile sul sentiero. Giocato sulle tinte pastello del verde e dell'azzurro, il dipinto risulta luminoso e sereno. E' presentato in cornice coeva, con piccoli danni da restaurare.

Composti da fogli xilografati, cuciti insieme e in parte colorati, con figure e testi abbinati. Il gruppo è composto da 23 libretti, dei quali due in tre copie ed uno in quattro copie; un'altra coppia presenta stessa copertina ma contenuti differenti. I libretti si possono considerare come "manga" del XIX secolo: la parola "manga" ancor oggi può designare tante produzioni diverse, come vignette singole, disegni sparsi, illustrazioni più elaborate, strisce a fumetti, albi a fumetti, nonché disegni animati. Partendo quindi dall'assunto che non esiste una “forma manga” ma diversi modi di concepire oggetti e forme grafiche tutti denominabili con tale parola, il termine manga si può attestare nell'uso letterario e saggistico in Giappone già nel XVIII secolo per indicare, come detto sopra, disegni e bozzetti. Ma è dalla prima metà dell'Ottocento che si afferma, grazie alla progressiva pubblicazione, a partire dal 1814, dei 15 volumi di illustrazioni, studî, divertimenti grafici e dettagliate stampe bicromatiche di Katsushika Hokusai. Se invece si vuole dare alla parola il significato più specifico di “storie disegnate in sequenza”, l'esordio allora va collocato alla seconda metà del XIX secolo, analogamente a come avvenuto in Europa e negli Stati Uniti per i fumetti. I libretti si presentano in buone condizioni.

Olio su tela, applicata a tavola. Scuola francese. Firmato F. Barthélemy e datato 1876 in basso a sinistra. La scena è di gusto e ambientazione orientaleggiante, e suggerisce l'educazione, domestica e intellettuale, di una giovinetta (si impone il richiamo seppur laico all'Educazione della Vergine!): una fanciulla, in piedi al centro della scena, mentre è intenta ad un lavoro di ricamo ascolta l'insegnamento della madre, che tiene tra le mani dei fogli scritti; la donna anziana è vestita in abito orientale e adagiata su un triclinio, mentre, alle sue spalle, una serva scosta la tenda, lasciando apparire lo sfondo di un imponente tempio classicheggiante. La scena è caratterizzata da particolari dell'ambientazione curati e ricchi di dettagli, come nel mazzo di fiori sul tavolo da ricamo, nel tessuto che ricopre il triclinio su cui è adagiata la madre; l'atmosfera intima e domestica è sottolineata dai colori di terra delle mura del palazzo, su cui spiccano le tinte vivaci delle figure, ben illuminate dalla luce erompente dall' esterno. Il dipinto è presentato in cornice in stile.