Seguidor de Pedro Pablo Rubens

Óleo sobre lienzo. El cuadro procede de la obra de Rubens (1577 -1640) conservada en el Museo del Prado de Madrid, reproducida como contrapartida en grabado por Paulus Pontius (1603 -1658), como también aparece en esta versión. Ocupa el centro vertical de la escena la figura de María, cuyo rostro se inspira en el de Isabel Brandt, la primera esposa del pintor flamenco, fallecida en 1626 con sólo 35 años. La Virgen sostiene en sus brazos al Niño Jesús, que la mira tierna pero seriamente a los ojos, mientras una pequeña mano se apoya en el pecho descubierto de su madre, de la que acaba de recibir el alimento; detrás, de pie, Santa Ana envuelve los hombros de su hija y de su nieto en un abrazo tierno y protector, sonriendo complacida: A la izquierda, algo separado y en penumbra, José observa pensativo y preocupado: la única figura humana que no encaja en la luz que emana del rostro del Niño, irradiada sobre el de María y, por reflejo, también sobre el de Santa Ana. En comparación con la obra del maestro, se respeta la composición de las figuras, pero varían varios detalles, sobre todo en la vestimenta de Santa Ana, María y el drapeado que rodea las caderas del Niño, lo que apoya la hipótesis de que sea obra de un seguidor del maestro flamenco. El cuadro, restaurado y repintado, está en buen estado, con sólo un rasguño de color en la parte superior central.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. La insólita y peculiar representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentados a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que van a tomar (consistente en fruta y pan). La escena, un tema representado con bastante poca frecuencia y normalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven la comida a la familia, tiene aquí en cambio el sabor de una intimidad doméstica muy normal y sencilla. Por otra parte, en torno a la Sagrada Familia se vislumbra majestuosamente una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentados en un bello efecto de perspectiva que conduce, en el extremo derecho, a la muralla de entrada a una ciudad ricamente torreada, probablemente Jerusalén. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa de finales del siglo XIX. Firma no identificada en la parte inferior derecha. El retrato presenta a un niño en un ambiente marinero: está sentado en una roca de playa junto al mar, vestido de marinero y con un pequeño velero de juguete en la mano. El niño es más bien compacto y serio. El cuadro presenta ligeras rasgaduras en el lienzo y manchas de color. Se presenta en un imponente marco de finales del siglo XIX, con varios faltantes y decoración de escayola caída.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La gran composición presenta diversos alimentos sobre una mesa de cocina: a la izquierda, una gran cesta de mimbre llena de verduras, coronada por un grupo de peces colgantes; otras verduras están colocadas sobre la superficie de la mesa, junto a un plato de cerezas, otro con una hogaza de pan y, más atrás, otro con gambas; a la derecha, un jarrón lleno de flores multicolores y, sentado en lo alto de una alacena, un gato negro que lame tranquilamente su pata. Destaca la nitidez de los colores, realzada por los reflejos de la luz en algunos alimentos, como las cerezas o las gambas, y en la jarra de cobre situada delante de las flores. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un marco de listones.

Óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Según la tradición cristiana, Santa Verónica fue la «piadosa mujer» que, al ver la pasión de Jesús cargado con la cruz y con el rostro embadurnado de sudor y sangre, lo limpió con un paño de lino, en el que quedaría la huella del rostro de Jesús. Este velo, también conocido como la Sábana Santa, se convirtió así en el signo iconográfico de la santa. La Verónica también aparece en el centro de esta pintura, mientras que dos ángeles a ambos lados sostienen el lienzo en el que está impreso el rostro de Cristo, coronado de espinas; debajo, un cáliz recoge simbólicamente la sangre divina, mientras que sobre la teta de la santa planea el Espíritu Santo. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre madera

Charles Moody (1979), óleo sobre madera contrachapada. Firmado en la parte posterior. La obra fue expuesta en la exposición individual "Borderland" en la Galería 8 en Corso Venezia de Milán, como lo demuestra el papel de la etiqueta trasera. Charles Moody se graduó en 2003 en el Instituto de arte de Boston y, después de tres años en Milán, elige vivir en Nueva York. En su arte que en el juicio (arte conceptual, arte de proceso) en lugar del contenido de la imagen y se trata en esta chatarra pintura es mejor. Un arte que fue creado por la aprobación de las imágenes de la televisión (películas casi nunca) y, en particular de populares telenovelas. Trabajo de Moody's va más allá de la imagen de los medios de comunicación mediante la personalización de la selección de imágenes especiales que, en su opinión, ofrecen un potencial narrativo; imágenes de transición, momentos de transición de una escena a la siguiente. El artista utiliza una pintura al óleo manual para reproducir la baja calidad de la imagen de tv exaltando la "difuminación" de blur. Nos enfrentamos a una pérdida de la dimensión espacial, en una temporalidad confundido-difuso-intangible que es difícil reconocer los límites ("Borderland"). En estas distorsiones perceptivas, en cuyo momento se dilata se expande, cada cuadro representa un "indiscernibilità" en que el reconocimiento del objeto que se lleva el segundo lugar. El tiempo de Moody ' s es ni crónica ni historia sino suspensión. (De "Charles Moody, Borderland", comisariada por Gianni Romano, catálogo de exposición, CorsoVeneziaOtto, noviembre-diciembre 2009)

Pintura al óleo sobre lienzo. En la parte inferior está firmado Cornienti y fechado en 1844; en el reverso se atribuye a Cherubino Cornienti. No es posible confirmar esta atribución al importante pintor del siglo XIX, exponente del romanticismo que realizó retratos, escenas históricas pero también diversos temas religiosos. La obra que aquí se presenta propone el episodio evangélico de la Resurrección de Lázaro, con una ambientación oriental adecuada al tema. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. En el centro de la composición aparece una liebre colgada, flanqueada por unas codornices y una paloma; a la derecha, una cesta de mimbre con castañas y ramas de pino; a la izquierda, un manojo de espárragos y un jarrón con flores multicolores, cuyos colores vivos y brillantes crean un contraste cromático con los demás elementos, todos ellos en tonos marrones y grises. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco del siglo XIX reacondicionado.

Naturaleza Muerta con Pez

Óleo sobre lienzo. La escena, más bien oscura, está ambientada en el interior de una cocina rústica, con ollas de cobre que descansan sobre una mesa junto a dos pescados y algunas verduras. El cuadro recuerda en estilo y temática a Felice Boselli, pintor emilianense conocido sobre todo por sus bodegones, de los que realizó un centenar de obras en las que aparecen principalmente animales de caza, peces y de corral. Restaurado y enmarcado de nuevo, el cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Naturaleza Muerta con Juego

Óleo sobre lienzo. La escena, más bien oscura y ambientada al aire libre, como se deduce de las siluetas de los árboles del fondo, muestra varias aves de caza posadas en el suelo o colgadas por las patas de las ramas. El cuadro recuerda por su estilo y su tema a Felice Boselli, pintor emilianense conocido sobre todo por sus bodegones, de los que realizó un centenar de obras en las que aparecen principalmente animales de caza, peces y de corral. Restaurado y enmarcado de nuevo, el cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el bebé Moisés, al que su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la matanza de los niños varones israelitas (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que el pueblo israelita fuera demasiado numeroso y se rebelara contra la esclavitud), es encontrado por una sierva de la hija del mismo faraón, que decide adoptarlo y lo salva. La escena, situada a orillas del río, está ocupada en su totalidad por las figuras femeninas del séquito principesco, apiñadas y proyectadas hacia el ángulo inferior derecho, donde se encuentra la cesta con el recién nacido. Todas las miradas se dirigen también hacia el niño, en la dirección indicada por el brazo extendido de la mujer del primer plano derecho. Destaca la redondez de las formas femeninas, especialmente de las tres figuras del primer plano, donde los juegos de luces y sombras resaltan las complexiones que emergen de los ropajes. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta enmarcado.

Rovereto 1920

Óleo sobre la mesa. Firmado abajo a la izquierda. El título y la fecha en el reverso a lápiz. Riccardo Viriglio, pintor paisajista de Pavía, retrató vistas urbanas principalmente de su ciudad y paisajes, especialmente de Lombardía. Aquí se puede vislumbrar el pueblo de Roveleto, un pequeño pueblo en la campiña de Piacenza, al pie de las colinas pre-Apeninas. La obra se presenta en un marco.

San Jorge 1992

Aceite en la mesa. Firmado abajo a la derecha. En el reverso en cirílico está el título, la fecha y la ubicación en Bérgamo. El artista lituano, que actualmente vive y trabaja entre Moscú, Italia y Reino Unido, es considerado uno de los artistas rusos contemporáneos más importantes. En su gran producción hay paisajes, naturalezas muertas, muchos retratos de personajes famosos y sus composiciones surrealistas, expresión de su peculiar "visión onírica" de la realidad. También en esta tabla, aunque al estilo de los iconos tradicionales, se propone la representación del famoso San Jorge en clave surrealista que remite a De Chirico, donde se sustituye un ganso por el dragón, la cabeza del santo es un huevo, en esbozar no son figuras de brujas ..... una interpretación claramente poco ortodoxo! El tablero tiene una hendidura vertical. La obra se presenta en un marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea. La escena se desarrolla en la tienda de un barbero, que tiene la intención de cortar el cabello de un hombre bajo la atenta mirada de los otros clientes y, sobre todo, de algunas mujeres con hijos, uno de los cuales incluso observa el resultado de la Opera. Las gafas se introdujeron en el arte primero como un signo de distinción, y luego también como un signo de atención científica, delineando progresivamente la figura del erudito, médico y cirujano: en este lienzo realmente subrayan la ironía de la escena, utilizada como herramienta. ¡para un examen femenino detallado del corte de pelo de su esposa! Toda la escena está repleta de figuras, pintadas de forma cruda y casi grotesca, con expresiones y poses muy marcadas, casi teatrales, también subrayadas por colores vivos. Debido a estas características, los ataques pintura así en que la producción de escenas de género de dibujo de la vida popular capturado en sus momentos más característicos y, que se generó a partir del siglo XVII en el centro de Europa, sobre todo en los Países Bajos, se deben reemplazar por temas más ligeros eran pintura naturalista y religiosa, y que en Italia encontraron una expresión particular en la "Escuela Bamboccianti", desarrollada en Roma por pintores flamencos e italianos. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco de época.

Escena de asedio

Pintura al óleo sobre lienzo. Fuera de las fortificaciones de una ciudad, un líder, rodeado por sus soldados, está a punto de encender la mecha del cañón. El ejército defiende la ciudadela fuera de los muros y los soldados escanear hacia abajo el horizonte buscando: esto lleva con nosotros para realizar la escena sobre las fortificaciones de una ciudad, en particular las de Génova que se alza sobre las montañas detrás y desde el cual el genovés defendió la ciudad de los ataques del mar; la ubicación en Génova está respaldada por la pancarta que ondea sobre las paredes, la bandera Croce di San Giorgio (cruz roja sobre fondo blanco) de la República de Génova. La forma de las armaduras, armas y vestimentas se referiría al asedio de Génova en 1522. Se trata, por tanto, de la representación decimonónica de un episodio histórico, que por tanto forma parte de esa producción pictórica difundida en Italia en el siglo XIX, inspirada en la nueva novela histórica propuesto por la literatura. En la parte posterior del marco está el nombre G. Boni, junto con un número que hace referencia a la participación en una exposición oficial. Giovanni Boni fue alumno de la Academia de Brera, en particular seguidor de Giuseppe Sogni, un artista que entre los primeros favoreció la pintura histórica en sus innovadoras declinaciones románticas. De Boni no se sabe mucho, ni desde el punto de vista biográfico ni desde su producción. De su atribución segura sólo conocemos el Desnudo de hombre (Academia pintada) con el que obtuvo el primer premio de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. La obra expresa las figuras y el patetismo de la escena con eficacia expresiva; los personajes en primer plano están muy bien caracterizados en sus poses, expresiones, en los detalles de la ropa y las armas, mientras que las otras figuras se desvanecen en el fondo, sugiriendo la presencia de un gran ejército. La pintura, todavía en el primer lienzo, muestra pequeñas gotas de color difusas. Se presenta en un marco elegante.

Pintado bajo vidrio. La obra parece estar compuesta por un grabado aplicado sobre el vidrio y pintado en el reverso. Se representa a San Pedro Apóstol, concentrado en la oración y escuchando la voz divina que proviene del cielo abierto sobre él; Según la iconografía tradicional, Pedro lleva consigo un manojo de llaves, signo de su investidura como primer jefe de la Iglesia, y un gallo, que recuerda en cambio el episodio de la negación de Jesús: Cristo le había predicho que durante su Pasión, Antes de que cantara el gallo, Pedro le habría negado tres veces, y así fue.

Pintura al óleo sobre lienzo. Lo más probable es que sea una representación pictórica de un trágico episodio antisemita. A la derecha, un soldado con uniforme ruso, herido al regresar a casa, encuentra ante sus ojos la dramática escena de la familia asesinada, que el rabino observa en oración. La ventana rota y los cajones saqueados indican la incursión forzosa de los asesinos. A la izquierda del espejo encontramos una inscripción en hebreo que podría sugerir la ubicación o la huella que propone el artista. La palabra podría traducirse como "Ciro", y podría referirse a la zona de Georgia y Azerbaiyán atravesada por el Kura, un río que desemboca desde Turquía en el Mar Caspio, conocido precisamente en el siglo XIX como Ciro. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela emiliana de los siglos XVII-XVIII. Se trata de una copia temprana de la célebre tabla de Correggio titulada La Madonna di San Girolamo o Il Giorno (La Virgen de San Jerónimo o El Día), fechada hacia 1528 y conservada en la Galería Nacional de Parma. El tema de la representación es la presentación de San Jerónimo a Jesús de la traducción de la Biblia del hebreo al latín popular, obra que el santo realizó a petición del papa Dámaso y que completó ocultándose en soledad en la cueva de Belén. En el cuadro, la centralidad de la escena la ocupa María sentada con el Niño Jesús en brazos. A su alrededor, varias figuras se disponen en semicírculo. A la izquierda, la poderosa figura del anciano Jerónimo, que mira al Niño con el rollo de la traducción en la mano, y el león, su compañero ermitaño, agazapado a sus pies. En el mismo lado, un ángel sostiene la Biblia y se dirige sonriente a la Virgen y al Niño. En el otro lado, Magdalena está semiacostada, abrazando cariñosamente el pie del niño, que a su vez le acaricia el pelo, en un gesto íntimo que subraya el intenso vínculo entre las dos figuras. Detrás de Magdalena, un angelito arruga la nariz olfateando el frasco de ungüentos de la santa penitente. La escena se desarrolla bajo una cortina roja, abierta a un amplio paisaje. El cuadro de Correggio tuvo tanto éxito que existen numerosas copias y réplicas antiguas, entre ellas la que aquí se presenta. La obra, restaurada y retocada, se presenta en un marco antiguo coetáneo.

Platón y Aristóteles

Técnica mixta sobre lienzo. Firma, título, fecha y dedicatoria al reverso. Paolo Baratella, artista de Ferrara recientemente fallecido, desarrolló su arte componiendo amplios ciclos pictóricos inspirados en temas contemporáneos; disponemos pues de series de obras suyas reunidas bajo títulos significativos. Desde mediados de los años 1980 y entrando los años 2000, sus aparatos escenográficos se enriquecieron con referencias iconográficas culturales, pictóricas y literales. En particular, Baratella presta mayor atención a la iconografía del arte, la filosofía y la historia. En esta obra, el artista presenta los retratos de los dos grandes filósofos griegos (tomados de sus representaciones clásicas tradicionales) y los matiza en un marco de colores rosa y azul. Los dos lienzos individuales están colocados uno al lado del otro dentro de un marco de madera trabajada, en cuyos dos travesaños horizontales están grabadas las palabras "Timeo", obra escrita por Platón, y "Ética", tema recurrente de la filosofía aristotélica.

Figura femenina 1993

Escultura de bronce policromado sobre base de piedra. Firma y fecha en la base. Guido Lodigiani, escultor milanés todavía activo y apasionado profesor de la Academia de Brera, dijo de su arte: "Creo que el artista está llamado a mostrar la raíz de la experiencia humana y de este modo seguir emocionando". Y la raíz de la existencia, su útero, es la mujer, a quien Lodigiani considera la Mujer de la Anunciación, expresión de la tensión inquieta e íntima hacia el misterio de la creación. La escultura de Lodigiani extrae la forma, como del vientre de una madre, a partir de un núcleo original de la materia en el que excava vacíos y tensiones. Esta tensión plástica se expresa bien en esta figura femenina desnuda, sentada pero retorcida, como si acabara de surgió de la materia indistinta y tendió hacia arriba, hacia la vida, hacia la luz.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el niño Moisés, al que su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la matanza de los niños varones israelitas (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que el pueblo israelita fuera demasiado numeroso y se rebelara contra la esclavitud), es encontrado por una sierva de la hija del mismo faraón, que decide adoptarlo y lo salva. La escena se desarrolla a orillas de un río, pero en un paisaje que no es oriental, con estructuras arquitectónicas a la derecha: hay numerosas figuras que representan el séquito de la princesa, colocadas en el centro con el niño en la cesta. El lienzo restaurado se aplicó sobre un bastidor moderno. Se presenta en un bastidor del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea. En la parte posterior, este monograma No.S. y cifras probables de inventario. La pintura recuerda obras de la zona austriaca. Representa una batalla entre caballeros, dominada en primer plano por el enfrentamiento entre dos de ellos. La pintura proviene de una colección histórica lombarda. Todavía en el primer lienzo y en el marco original; en la parte posterior hay parches y signos de restauraciones antiguas, y también ha sido sometida a posteriores restauraciones pictóricas y restauradoras en nuestro laboratorio. Cretto bien marcado. La pintura se presenta en un marco original y coetáneo, lacado.

Chica en sillón

Escultura de terracota. Firmado abajo a la derecha. Marco Cornini, artista milanés formado en la Academia de Brera, trabaja principalmente con terracota, con la que crea figuras humanas, tanto masculinas como femeninas, hombres y mujeres, o mejor aún, niños y niñas de más o menos la misma generación, en momentos de su intimidad, muchas veces de pareja pero también individualmente, con valores sentimentales, eróticos y pasionales. Aquí vemos a una mujer desnuda sentada en un sillón de una habitación, en actitud de íntima desesperación.