Madonna y el Niño con San antonio de Padua

Giovanni Boni

Escena de asedio

Pintura al óleo sobre lienzo. Fuera de las fortificaciones de una ciudad, un líder, rodeado por sus soldados, está a punto de encender la mecha del cañón. El ejército defiende la ciudadela fuera de los muros y los soldados escanear hacia abajo el horizonte buscando: esto lleva con nosotros para realizar la escena sobre las fortificaciones de una ciudad, en particular las de Génova que se alza sobre las montañas detrás y desde el cual el genovés defendió la ciudad de los ataques del mar; la ubicación en Génova está respaldada por la pancarta que ondea sobre las paredes, la bandera Croce di San Giorgio (cruz roja sobre fondo blanco) de la República de Génova. La forma de las armaduras, armas y vestimentas se referiría al asedio de Génova en 1522. Se trata, por tanto, de la representación decimonónica de un episodio histórico, que por tanto forma parte de esa producción pictórica difundida en Italia en el siglo XIX, inspirada en la nueva novela histórica propuesto por la literatura. En la parte posterior del marco está el nombre G. Boni, junto con un número que hace referencia a la participación en una exposición oficial. Giovanni Boni fue alumno de la Academia de Brera, en particular seguidor de Giuseppe Sogni, un artista que entre los primeros favoreció la pintura histórica en sus innovadoras declinaciones románticas. De Boni no se sabe mucho, ni desde el punto de vista biográfico ni desde su producción. De su atribución segura sólo conocemos el Desnudo de hombre (Academia pintada) con el que obtuvo el primer premio de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. La obra expresa las figuras y el patetismo de la escena con eficacia expresiva; los personajes en primer plano están muy bien caracterizados en sus poses, expresiones, en los detalles de la ropa y las armas, mientras que las otras figuras se desvanecen en el fondo, sugiriendo la presencia de un gran ejército. La pintura, todavía en el primer lienzo, muestra pequeñas gotas de color difusas. Se presenta en un marco elegante.

Naturaleza muerta con flores, frutas y jilgueros

Pintura al óleo sobre lienzo. En la bella composición se puede ver, descansando sobre un aparador de madera con incrustaciones, una cesta llena de cerezas, algunas de las cuales están esparcidas por encima, y un plato lleno de grosellas rojas, mezcladas con hojas y algunas flores de cerezo. Un jilguero descansa sobre el asa de la cesta; para enmarcar la composición, a la derecha un gran ramo de flores multicolores en un jarrón, a la izquierda una cortina roja. Destacan los colores vivos de las frutas, las flores y la cortina, mientras que el armario de apoyo se funde con el fondo oscuro, al igual que el pajarito, distinguible del fondo oscuro sólo por el plumaje blanco de las alas y el contorno rojo de la ojos. La obra forma parte de la gran producción emiliana del siglo XVII de este tipo de tema altamente decorativo. El cuadro, restaurado y reasentado, presenta una marcada fisura y gotas de color en los bordes.

Adoración del Niño Jesús

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los caminos pictóricos retoman los de modelos ampliamente replicados, partiendo de Correggio, de Barocci, para llegar a las numerosas versiones de Gherardo delle notte, o del pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de tinieblas. y la luz, la luz y la oscuridad. También en esta obra, la luz irradiada por el Niño Jesús ilumina las figuras que lo rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco del siglo XIX.

Cuadro con escena de género.

El almuerzo de Fraticelli

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela genovesa del siglo XVIII. Dentro de una gran sala con ventanas arqueadas que dan a la calle, un grupo de frailes sentados en el suelo comparten una comida sencilla, colocada sobre un paño blanco. La escena hace referencia a la esfera de Alessandro Magnasco conocido como Lissandrino (1667-1749), artista genovés considerado uno de los pintores más originales del siglo XVIII italiano, que se distinguió en la pintura de género popular y, en particular, en la producción de escenas de la vida de capuchino o frailes Camaldolese participan en las actividades más variadas, desde el estudio en la biblioteca a la confesión, a partir del trabajo de los sacapuntas o carpinteros en los talleres convento para el recuerdo simple en torno al fuego: en estas obras se puede apreciar todo la libertad expresiva del pincel del artista. se desplaza sobre el lienzo con toques rápidos para describir las llamas, chimeneas, gatos, libros, perros, cuencos pobres, lentes, libros, pobres ropas remendadas, sillas y taburetes, en definitiva, un mundo al día toda la gestos y cosas construidas con una técnica muy especial e inconfundible, constituidos por una mezcla de colores vivos y casi todos jugados en blanco y negro, en el que unos pocos trazos, hábiles de descenso de luz para dar forma y consis tencia a las huesudas figuras de los monjes. El autor de la obra aquí propuesta ciertamente se formó en el contexto de Magnasco y se inspiró en su estilo, aunque más sosegado, sin los destellos y la libertad interpretativa, muchas veces irreverentes o irónicas, hacia las figuras de los frailes; supo retomar el juego de claroscuro, luces y sombras, que fluyen de un monocromo en tonos marrones, creando aún una obra de excelente calidad pictórica. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.