El Almuerzo de Fraticelli - El Almuerzo de Fraticelli

Versión Reducida de un Retablo de Girolamo Mazzola Bedoli

Óleo sobre lienzo. Escuela Emiliana del siglo XVII. Enteramente en primer plano, esta escena de un grupo de figuras sagradas, presenta los rostros de María y el Niño Jesús en el centro, rodeados por San Juan Bautista en la parte inferior izquierda, y tres ángeles formando una corona alrededor de ellos. Todos los personajes están alegres y sonrientes, a pesar de la referencia a la Pasión, dada por el bastón rematado con la Cruz que Juan ofrece a Jesús. El movimiento de los cuerpos y los colores brillantes hacen que la escena esté viva. Se trata de una versión parcial y horizontal del retablo del mismo nombre realizado por el pintor manierista parmense Girolamo Mazzola Bedoli (1508-1570) para la iglesia de San Sepolcro de Parma, desarrollado verticalmente con la presencia de un paisaje de fondo detrás de los dos ángeles en la parte superior y la finalización de las figuras en la parte inferior. El cuadro se encuentra todavía en su primer lienzo, sin signos de restauración previa. Hay varias gotas de color, especialmente a lo largo del margen inferior y los dos laterales. Se presenta en un marco de madera lacado antiguo.

Óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Descendiente de un antiguo linaje longobardo de Aquino (en la provincia de Frosinone), Tomás (nacido hacia 1226) fue a Nápoles a estudiar. En 1243, contra la voluntad de sus familiares, ingresó en la orden de predicadores dominicos, pero en el camino hacia el norte fue detenido por sus hermanos y encarcelado durante cerca de un año. En la escena, el joven santo del centro, ya vestido con el hábito dominico, está rodeado a ambos lados por cuatro figuras ricamente vestidas, precisamente los parientes, incluida probablemente su madre, que lo sostienen con benevolencia, casi abrazándolo, mientras con los gestos de sus manos y sus miradas afligidas y cariñosas intentan convencerlo, casi rogándole. Las figuras también están situadas en una prisión, como indican los barrotes de la pequeña ventana de la derecha, subrayando la acción coercitiva realizada. Ricos y minuciosos son los detalles de la indumentaria de los personajes, con colores vivos que contrastan con el vestido de Thomas, y movimientos plásticos de estilo barroco. Ya restaurado y retocado, el cuadro se encuentra en buen estado, con evidentes grietas. Se presenta en un marco antiguo re-lacado y re-dorado.

Óleo sobre lienzo. La escena representa una batalla entre un ejército de moros y soldados blancos, que defienden una fortificación desde la que disparan cañones, mientras al fondo emerge una ciudad blanca en lo alto de un promontorio. Situada cerca del mar, con varias naves de los invasores dirigiéndose hacia la costa, la escena se centra en la captura del rey moro, en el centro sobre su caballo blanco, con una expresión de consternación en el rostro al verse rodeado por soldados contrarios que intentan derrocarle, mientras los suyos tratan de defenderle. La atmósfera de la escena está dominada por el polvo y el humo de los cañones, cubriendo a todos los personajes con un velo terroso, incluso allí donde los colores de las túnicas serían más vivos. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Segunda mitad del siglo XVIII. Una parte de una gran estructura arquitectónica en ruinas llena toda la escena: un pórtico coronado por una balaustrada, cubierto de plantas, rodea un patio en el que se mueven varias figuras populares, ocupadas en sus actividades. Un cielo azul brillante cubre el encuadre y la luz se filtra por uno de los arcos para crear un juego de luces y sombras bajo el pórtico. En el reverso del marco figura una atribución a Gaetano Vetturali (1701-1783), aunque la calidad de las figuras parece aquí superior a la del artista de Lucca, que era famoso en su zona por sus caprichos arquitectónicos de gran impacto escenográfico. El cuadro se presenta en un marco dorado del estilo.

Óleo sobre lienzo. La mujer representada en la escena se remonta a Porcia, noble romana y esposa de Bruto, que vivió por tanto en el siglo I a.C.: según la leyenda, se suicidó tragándose un carbón encendido, y es en este momento fatal en el que se la representa aquí. El cuadro se acerca mucho a la manera pictórica de la pintura homónima de la escuela de Cignani, atribuida a su alumno Marcantonio Franceschini y conservada en el Palacio Tozzoni de Imola. La figura de Porcia, situada en un interior con elementos clásicos, ocupa todo el campo de la escena, y está representada sentada frente al brasero ardiente, en el acto de llevarse el carbón a la boca; su expresión revela el sufrimiento del gesto que está realizando, pero también su determinación, su mirada que mira lejos la sitúa ya lejos de la vida que deja atrás. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo. Se presenta en un marco antiguo del siglo XVIII.

Paisaje con Pastores y Rebaños.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. En un espléndido paisaje clásico, con verdes colinas que dominan un curso de agua, un arroyo en primer plano que luego se convierte en un ancho río a lo lejos, aparecen las figuras de un pastor y una pastora que conducen a su rebaño al agua. Las escenas pastorales de este tipo caracterizaron la producción del artista holandés Michiel Carree, pintor de la corte del rey de Prusia en las primeras décadas del siglo XVIII. El cuadro, en primer lienzo, se presenta en un marco dorado coetáneo de madera tallada y dorada.

Óleo sobre lienzo. Escuela romana de la segunda mitad del siglo XVII. La escena narra un episodio de la historia de amor entre la reina de Egipto y el triunviro romano Antonio: Cleopatra, para demostrar su riqueza y seducir al apuesto general, prepara un suntuoso banquete, durante el cual elige una perla de inestimable valor y la disuelve en vinagre, ofreciendo después la bebida, considerada un poderoso afrodisíaco, a Antonio. En el cuadro, la reina está a punto de depositar la perla en la copa: particular es la cinta a la que está atada la perla, que recuerda a la del cuadro homónimo de Carlo Maratta (1625 -1713). Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de madera de finales del siglo XIX.

El Cuento de Apolo y Marsias

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana del siglo XVII. Este gran lienzo procede de un grabado de 1562 del veneciano Giulio Sanuto, que reprodujo fielmente la obra homónima de Bronzino (1503-1572), conservada en el Ermitage. Con respecto al original, el grabado añadió el grupo de las Musas y modificó el fondo paisajístico introduciendo vistas de aldeas. La obra está dividida en cuatro escenas, que se leen de derecha a izquierda. La primera escena representa el concurso musical entre Apolo y el sileno Marsias, que tocaba la flauta tan bien que se le consideraba superior al propio dios; los dos contendientes actúan, el dios con la lira y el sileno con la flauta incluso dada la vuelta (para aumentar la dificultad de la hazaña), ante el rey Midas y la diosa Minerva, reconocible por sus atributos, el casco, la lanza y el escudo. En la segunda escena, Apolo intenta desollar a Marsias, para castigarle por haber ganado el concurso musical; en el suelo, a su lado, descansan su manto y su lira. En la tercera escena, el dios castiga al rey Midas por haber preferido a Marsias: Apolo le clava orejas de asno, mientras Minerva observa. Por último, la cuarta escena, en primer plano a la izquierda, presenta una figura peculiar, identificada como el fiel sirviente y barbero del rey: como Midas le había ordenado guardar en secreto sus orejas de asno, incapaz de desahogarse de otra manera, cavó un hoyo en la tierra y gritó en él su secreto; en ese lugar, sin embargo, cuenta la leyenda que creció un arbusto de juncos que susurró al viento «El rey Midas tiene orejas de asno», revelando así el temido secreto. El cuadro ha sido previamente restaurado y retocado, pero actualmente necesita más colorido. En el reverso figura a lápiz una antigua atribución a la escuela ferraresa («Ercole da Ferrara»). Se presenta en un marco de estilo de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. El cuadro analiza una obra similar de Paolo Veronese (1528-1588), fechada hacia 1560-70 y actualmente conservada en el Museo del Prado, a partir de la cual nuestra pintura retoma la composición de las figuras, cambiando todo el fondo y la vestimenta. de los personajes. La obra de Veronese tuvo tanto éxito que fue replicada en su propio taller, con numerosas variaciones: nuestra obra probablemente deriva de una de estas copias, replicada en una época posterior. El episodio narrado está narrado en el libro bíblico del Éxodo y narra el descubrimiento del pequeño Moisés, abandonado por su madre en una cesta a orillas del río Nilo, para salvarlo de la masacre de los hijos de Israel perpetrada por el Faraón; La hija del faraón, que fue al río con su séquito, lo encuentra y lo salva, adoptándolo. Los personajes de la escena están representados con vestimentas del siglo XVIII, en particular el vestido de la princesa destaca por su riqueza y suntuosidad; el único elemento exótico es la presencia de un sirviente negro en la secuela, mientras que el fondo también remite a un paisaje del norte de Europa, con una espesa vegetación boscosa. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XI.