Pintura Antigua Tema Sagrado Óleo sobre Lienzo Italia Siglo XVII

Óleo sobre lienzo. Escuela romana de la segunda mitad del siglo XVII. La escena narra un episodio de la historia de amor entre la reina de Egipto y el triunviro romano Antonio: Cleopatra, para demostrar su riqueza y seducir al apuesto general, organiza un suntuoso banquete, durante el cual ella elige una perla de inestimable valor y él la disuelve. en vinagre, para luego ofrecer la bebida, considerada un poderoso afrodisíaco, a Antonio. En el cuadro la reina se prepara para poner la perla en la copa: la cinta a la que está atada la perla es particular, que recuerda la del cuadro homónimo de Carlo Maratta (1625 -1713). Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de madera de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a un cuenco lleno de hongos porcini y un racimo de uvas: con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la bella composición se puede ver, descansando sobre un aparador de madera con incrustaciones, una cesta llena de cerezas, algunas de las cuales están esparcidas por encima, y un plato lleno de grosellas rojas, mezcladas con hojas y algunas flores de cerezo. Un jilguero descansa sobre el asa de la cesta; para enmarcar la composición, a la derecha un gran ramo de flores multicolores en un jarrón, a la izquierda una cortina roja. Destacan los colores vivos de las frutas, las flores y la cortina, mientras que el armario de apoyo se funde con el fondo oscuro, al igual que el pajarito, distinguible del fondo oscuro sólo por el plumaje blanco de las alas y el contorno rojo de la ojos. La obra forma parte de la gran producción emiliana del siglo XVII de este tipo de tema altamente decorativo. El cuadro, restaurado y reasentado, presenta una marcada fisura y gotas de color en los bordes.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales de 1600-principios de 1700. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a dos grandes calabazas y frutas mixtas (uvas y melocotones): con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Se trata del retrato de un hombre con armadura, acompañado de la inscripción en la parte superior derecha "Paulus Maria Castellanus LT Gare". La palabra Castellanus podría ser el apellido, muy extendido y que identifica al habitante de un castillo, no necesariamente al señor sino a un miembro de la familia. El cuadro se presenta en un marco antiguo.

El cuento de Apolo y Marsyas

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. El gran lienzo deriva de un grabado de 1562 del veneciano Giulio Sanuto, quien reprodujo fielmente la obra homónima de Bronzino (1503-1572), actualmente conservada en el Hermitage; respecto al original, el grabado añade el grupo de Musas y modifica el fondo del paisaje introduciendo vistas de los pueblos. La obra se divide en cuatro escenas, que hay que leer de derecha a izquierda. La primera escena representa el concurso musical entre Apolo y Silenus Marsyas, quien tocaba la flauta tan bien que era considerado superior al mismo dios; los dos contendientes están actuando, el dios con la lira y el sileno con la flauta incluso boca abajo (para aumentar la dificultad de la empresa), frente al rey Midas y la diosa Minerva, reconocible por sus atributos, el casco, la lanza y el escudo. En la segunda escena, Apolo intenta desollar a Marsyas para castigarlo por haber ganado el concurso musical; apoyarse en el suelo junto a él, su capa y su lira. En la tercera escena, es el rey Midas el que es castigado por el dios por haber preferido a Marsyas a él: Apolo le pone las orejas de burro a Midas, mientras Minerva observa. Finalmente, la cuarta escena, en primer plano a la izquierda, se caracteriza por una figura particular, identificada en el fiel sirviente y barbero del rey: ya que Midas le había ordenado guardar el secreto en sus orejas de burro, no pudiendo dejar de lo contrario, aliviado, cavó un hoyo en el suelo y gritó allí su secreto; en ese lugar, sin embargo, cuenta la leyenda que creció un matorral de juncos que con el viento susurró "El rey midas tiene orejas de burro", revelando así el temido secreto. La pintura ha sido previamente restaurada y rebasada, pero actualmente necesita más recuperación de color. En el reverso a lápiz hay una antigua atribución a la escuela de Ferrara ("Ercole da Ferrara"). Se presenta en un marco de estilo de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. En un gran paisaje montañoso, bastante árido, que se ensancha y se desvanece a la derecha, hay una alta roca, en forma de arco, bajo la cual está San Jerónimo penitente, representado en el acto de oración y adoración de la Cruz. De acuerdo con los cánones de la pintura de los siglos XVII-XVIII, la figura del Santo, adaptada a la iconografía en su indumentaria y actitud, se inserta sin embargo en un paisaje incoherente, cercano al del pintor que se inspira en la realidad paisajística conocida por el. . La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. El sangriento episodio del sacrificio de Ifigenia, también contado en la Ilíada, tiene su origen en la ira de Artemisa, diosa de la caza, quien, ofendida por Agamenón por sus alardes de cazadora, impidió que la flota griega zarpara hacia Troya; el adivino Calcante profetiza entonces que la ira de la diosa sólo puede apaciguarse sacrificando a la hija menor del propio rey Agamenón, Ifigenia, y así sucede. En el centro de la escena la niña aparece postrada al pie del altar de los sacrificios, mientras los sacerdotes la preparan según los rituales; en el ángulo izquierdo podemos vislumbrar a su padre Agamenón (con la corona abandonada a sus pies) con su madre Clitemnestra quienes, desesperadas, no se atreven a mirar. Arriba, la diosa Artemisa observa la escena, reconocible por la luna en su cabello, por el arco en su mano y por un ciervo, su animal simbólico, al pie del palio: según una versión menos violenta del mito, en En el momento del sacrificio Ifigenia es reemplazada por Artemisa con una cierva, como podría indicar la presencia del animal en esta representación. La obra que aquí se presenta deriva del cuadro de Pietro Testa, publicado entre 1640 y 1642 (actualmente en la Galleria Spada de Roma) y de sus grabados: de él se toma toda la composición de las figuras, aunque modificada en las vestimentas y colores y en varios detalles. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX, contemporáneo a la restauración.

Óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. En la mitología clásica, la diosa Venus, esposa de Vulcano, le hizo forjar armas para su hijo Eneas. En la escena, ambientada en la cueva donde se encuentra la fragua, Vulcano está forjando una armadura sobre el yunque, con la ayuda de sus asistentes, mientras Venus, acompañada de su fiel Cupido, llega para comprobar el trabajo. Tetis, la ninfa marina madre de Aquiles, también encargó armas para su hijo al mismo dios Vulcano, para protegerlo durante la Guerra de Troya. Restaurada y revestida, la pintura presenta una pérdida de color en la parte superior derecha. Se presenta en un marco de principios del siglo XX, contemporáneo a la restauración.

Óleo sobre lienzo. El retrato de un caballero va acompañado de la inscripción "Paulus Castellanus Sanator" en la parte superior izquierda. La palabra Castellanus podría ser el apellido, muy extendido y que identifica al habitante de un castillo, no necesariamente al señor sino a un miembro de la familia. El término Sanator identifica al hombre como un sanador, el médico de familia. El cuadro se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. El tema representado cuenta un episodio bíblico del Antiguo Testamento: Susana, la bella y casta esposa de Joaquín, un judío rico, es amenazada por dos ancianos jueces del pueblo mientras se baña en su jardín. Este episodio ha sido ampliamente reproducido en el arte, como ocasión de exaltación de la belleza femenina y condena de la voluptuosidad pecaminosa. En la escena, la figura femenina de Susanna, ligera de ropa, está sentada en primer plano a la izquierda, sobre la balaustrada de una fuente que brota en el jardín, con la intención de sumergirse, pero indicando con la mano a los dos ancianos de la derecha. quienes, escondidos detrás de un arbusto, la espían. Insólita en la escena es la figura de la otra mujer, probablemente una sirvienta de Susana, también escasamente vestida, probablemente introducida para exaltar aún más la desnudez femenina. Al fondo aparece el jardín de la villa, caracterizado por macizos de flores simétricos y regulares. También es peculiar la presencia, a lo lejos, detrás de la cabeza de Susanna, de tres figuras estilizadas, que parecen correr hacia ella, tal vez para advertirle del peligro. La obra, en el primer lienzo, presenta una ligera grieta en la parte superior izquierda y manchas de pintura puntiformes. Se presenta en un ambiente de principios del siglo XX.