Armando Riva Cheval de Bronze - Italie 2015

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. L'épisode sanglant du sacrifice d'Iphigénie, également raconté dans l'Iliade, trouve son origine dans la colère d'Artémis, déesse de la chasse, qui, offensée par Agamemnon pour ses vantardises de chasseur, empêcha la flotte grecque de mettre le cap sur Troie ; le devin Calchas prophétise alors que la colère de la déesse ne peut être apaisée qu'en sacrifiant la plus jeune fille du roi Agamemnon lui-même, Iphigénie, et c'est ce qui arrive. Au centre de la scène, la jeune fille est représentée prosternée au pied de l'autel sacrificiel, alors qu'elle est préparée par les prêtres selon les rituels ; dans le coin gauche, on aperçoit son père Agamemnon (avec la couronne abandonnée à ses pieds) avec sa mère Clytemnestre qui, désespérée, n'ose pas regarder. Ci-dessus, la déesse Artémis assiste à la scène, reconnaissable à la lune dans ses cheveux, à l'arc à la main et à un cerf, son animal symbolique, au pied du dais : selon une version moins violente du mythe, à au moment du sacrifice Iphigénie elle est remplacée par Artémis avec une biche, comme pourrait l'indiquer la présence de l'animal dans cette représentation. L'œuvre présentée ici dérive du tableau de Pietro Testa, publié entre 1640 et 1642 (aujourd'hui à la Galleria Spada de Rome) et de ses gravures : toute la composition des personnages en est tirée, bien que modifiée dans les vêtements, les couleurs et dans divers détails. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle, contemporain de la restauration.

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. Dans la mythologie classique, la déesse Vénus, épouse de Vulcain, lui fit forger des armes pour son fils Énée. Dans la scène, qui se déroule dans la grotte où se trouve la forge, Vulcain est en effet en train de forger une armure sur l'enclume, avec l'aide de ses assistants, tandis que Vénus, accompagnée de son fidèle Amour, arrive pour vérifier le travail. Thétis, la nymphe marine mère d'Achille, a également commandé des armes pour son fils au même dieu Vulcain, afin de le protéger pendant la guerre de Troie. Restauré et rentoilé, le tableau présente une perte de couleur en haut à droite. Il est présenté dans un cadre du début du XXème siècle, contemporain de la restauration.

Huile sur toile. Le portrait d'un gentilhomme est accompagné de l'inscription « Paulus Castellanus Sanator » en haut à gauche. Le mot Castellanus pourrait être le nom de famille, très répandu et identifiant l'habitant d'un château, pas nécessairement le seigneur mais un membre de la famille. Le terme Sanator identifie l'homme comme un guérisseur, le médecin de famille. Le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. Le sujet représenté raconte un épisode biblique de l'Ancien Testament : Suzanne, la belle et chaste épouse de Joachim, un riche juif, est menacée par deux juges du peuple âgés alors qu'elle prend un bain dans son jardin. Cet épisode a été largement reproduit dans l'art, comme occasion d'exaltation de la beauté féminine et de condamnation de la volupté pécheresse. Dans la scène, la figure féminine de Suzanne, légèrement vêtue, est assise au premier plan à gauche, sur la balustrade d'une fontaine jaillissante du jardin, bien décidée à y plonger, mais désignant de la main les deux vieillards de droite, qui, cachés derrière un buisson, l'épient. Inhabituelle dans la scène, la figure de l'autre femme, probablement une servante de Susanna, également légèrement vêtue, probablement introduite pour exalter davantage la nudité féminine. Le jardin de la villa apparaît en arrière-plan, caractérisé par des parterres de fleurs symétriques et réguliers. Autre particularité, la présence, au loin, derrière la tête de Susanna, de trois figurines stylisées, qui semblent courir vers elle, peut-être pour l'avertir du danger. L'œuvre, sur la première toile, présente une légère fissure en haut à gauche, et des taches de peinture ponctuelles. Il est présenté dans un décor du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Saint Joseph est représenté avec l'Enfant Jésus dans ses bras, et de l'autre main il tient le bâton fleuri surmonté d'un lys, symbole de sa pureté. Restauré et regarni, il est présenté dans un cadre antique réutilisé.

École flamande du XVIIème siècle. Huile sur panneau. La sainte pénitente est reconnaissable à ses attributs, le pot d'onguents, le livre et le crâne. Signé en bas à gauche "VD Werff". Cachet de cire d'exportation XIXème au dos. Il y a des fissures longitudinales dans le tableau. Présenté dans un cadre doré fin 19ème siècle

L'ancien Baptistère de Gravedona

Crayon et aquarelle sur papier. Signé en bas à gauche. Du même sujet mais avec des personnages, il existe une version sur toile de l'artiste milanais, conservée au Musée civique Raccolta d'arte dell'Ottocento de la Villa Belgioioso Bonaparte, à Milan. Luigi Bisi s'est spécialisé dans les vues intérieures d'églises de Lombardie, avec une prédilection pour la cathédrale de Milan. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Statue Masculine Milieu 19ème Siècle

Sculpture d' un jeune homme représenté dans le style romain, selon le goût classique en vogue jusqu'au milieu du XIXe siècle. Fabriqué en marbre blanc de Carrare.

Composition avec Pain et Tomates

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Au dos on retrouve le cachet de l'artiste sur le cadre. La peinture de De Bernardi s'inscrit dans la tradition paysagère lombarde des XIXe et XXe siècles. Il a toujours vécu à Besozzo, sa ville natale dans la province de Varèse, mais il a beaucoup voyagé, en Italie et hors d'Italie, collectant des impressions et recherchant de nouveaux paysages pour les revivre dans son travail. Il privilégie la production paysagère, même si elle s'exprime avec un style changeant dans ses différentes phases picturales. Les natures mortes ne manquent pas dans sa production, remontant principalement aux années 1940, des compositions scrupuleusement conçues visant à aborder les problèmes de lumière et de profondeur atmosphérique avec agilité et fraîcheur, comme dans cette présentation de pain et de tomates sur une table rustique. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre.

Étude Suspension1992

Technique mixte sur papier. titre mais lisible en bas ; au dos, cachet de l'artiste avec signature, date et titre (Pour poissons - Suspension Studio). Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a aujourd'hui atteint une maturation linguistique définitive et occupe une place importante dans le panorama artistique contemporain. Ses recherches utilisent principalement des matériaux inhabituels tels que les acétates, le PVC et, plus récemment, des fonds de scène d'œuvres théâtrales du XIXe siècle, sur lesquels il intervient en peignant des formes tirées de sa mémoire personnelle et de suggestions provenant de différentes cultures et périodes historiques. Un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni est l'écriture, signe signifiant qui conçoit l'œuvre et est capable de raconter des pensées ; Travaillant par superposition, les images sont construites par addition ou soustraction de couleur sur les différents supports. Encadré.

Vis à Vis 1963

Technique mixte (feutre, aquarelle) sur papier. signé et daté en bas à droite. Jean Cocteau était un artiste aux multiples facettes : écrivain, dramaturge, dramaturge, il s'est également intéressé aux arts visuels, aimant expérimenter toutes les avant-gardes de son siècle. Cocteau publie son premier livre de dessins en 1923, à seulement 36 ans. Le poète y met en scène ses amis Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, mais aussi de nombreuses scènes de la vie quotidienne parisienne, les ballets russes de Nijinski, des allégories, des caricatures, des images poétiques. Cocteau se révèle être un dessinateur de talent, mais surtout un artiste capable de capter l'essence des visages, des comportements et des faiblesses humaines. Dans sa production picturale revient le thème du visage, ou plutôt des visages, souvent deux profils se faisant face, face à vis. En 1962, l'artiste achève la création du théâtre de plein air à Cap d'Ail, sur la côte méditerranéenne française, dont le sol est décoré de ce sujet, deux visages au profil grec se faisant face, avec un œil interposé ; le sujet fut ensuite repris par lui dans la période suivante - d'ailleurs proche de sa mort subite -, avec diverses variantes. Dans le dessin présenté ici on retrouve les deux profils grecs, séparés par le troisième œil mais aussi par deux serpents tordus, tandis que dans le dessin du théâtre il y a des feuilles. L'œuvre est présentée dans un cadre.