PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO - Página 9

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana del siglo XVII. El gran cuadro presenta como tema un conocido asunto del Antiguo Testamento, la riqueza del rey Salomón, relatada en el Primer Libro de los Reyes: «El rey Salomón superaba a todos los reyes de la tierra en riqueza y sabiduría. En todas partes de la tierra la gente anhelaba acercarse a Salomón para escuchar la sabiduría que Dios había puesto en su corazón. Todos le llevaban, cada año, ofrendas de plata y objetos de oro, túnicas, armas, aromas, caballos y mulas». En el cuadro, el rey, suntuosamente ataviado con los símbolos de la realeza (corona, cetro, manto de armiño), escucha de pie a los postulantes que acuden a él para recibir los consejos que dicta su proverbial sabiduría, y a cambio le traen ofrendas, acordes con su papel social: algunos campesinos traen como regalo sacos de grano, fruto de su trabajo en el campo, otro levanta una copa en alto, para llamar la atención del rey. El cuadro recuerda por sus colores y estilo pictórico a la producción del norte de Italia, especialmente de la región del Véneto. El cuadro ha sido restaurado y retocado.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la parte inferior izquierda hay una firma trazada muy ligeramente y no descifrable. En el marco hay una placa que atribuye la obra a Jean-Baptiste François Pater (1695-1736), lo que se considera inconsistente. El paisaje se desarrolla cerca de la desembocadura de un río en el mar; a la izquierda está el rellano que da directamente a un grupo de casas; a la derecha, un bote de remos abandona la orilla arbolada, con dos figuras ligeras de ropa. Rebasado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Una delicada composición de flores se coloca dentro de una especie de cuna de madera, con setas y frutas en el suelo; el fondo es externo, pero mal definido por diversas manchas. La obra, en el primer lienzo, se presenta también en un bello marco de principios del siglo XVIII, en madera de tilo tallada con una corona de hojas unida por cintas, y dorada con gouache.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la composición, una mujer con su hijo, vestida con ropas antiguas y flanqueada por un buey, arrodillada en un terreno escarpado, extiende los brazos hacia arriba en un acto de súplica o quizás de contemplación: podría ser una interpretación de María que acompaña al Niño Jesús a contemplar. su destino, con el buey que remite al nacimiento y sencilla vida pastoral de la Sagrada Familia. Restaurada y revestida, la pintura muestra varios rastros de pérdida de color. Se presenta en un marco elegante.

Óleo sobre lienzo. El cuadro representa el retrato de medio cuerpo de un joven deshabillé que enciende su pipa sacando fuego con un bastón de la vela colocada frente a él sobre la mesa en la que también reposa una espada: tal vez se trate de un joven caballero en un momento de descanso. Precisamente la vela, única fuente de luz de la escena, sugiere que el artista se inspiraba en la producción de Georges De La Tour (1593-1652), pintor francés del estilo de Caravaggio que se dio a conocer con sus escenas «nocturnas», caracterizadas por figuras, generalmente personas de bajo rango más que modelos históricos o personajes de alta alcurnia, iluminadas por la luz de una vela, creando una atmósfera especial de intimidad. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela del sur de Italia, siglos XVII-XVIII. La escena, llena de personajes, tiene en el centro la figura de un condottiere, bien definido en los detalles de armadura, cimera y anatomía, que acompaña benévolamente con el movimiento de sus brazos a un hombre arrodillado que, junto con su compañero, rinde homenaje a un emperador, mientras señala con la mano extendida al grupo de seis niños, sostenidos a la derecha por soldados. El emperador se ha levantado de su trono, a la izquierda, y va al encuentro de la pareja postrada, pero también él parece casi en actitud de reverencia hacia el líder central. La escena parece referirse a un episodio histórico de clemencia de un condottiere, que por edad, rasgos y tipo de armadura, podría ser Alejandro Magno, personaje que sin embargo es difícil de emparejar con la otra figura coronada de laurel, que desciende de su trono en el suntuoso palacio. El episodio (¿histórico o legendario?) de referencia no puede, pues, identificarse específicamente. Sin embargo, se puede apreciar la riqueza compositiva de la escena, con numerosas figuras bien detalladas y colores vivos que acentúan su dinamismo. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. Carataco fue un rey celta de la tribu britana Catuvellauni, líder de la resistencia antirromana y famoso como luchador por la libertad. Durante ocho años resistió la invasión romana de Britania a partir del año 43 d.C.. Durante ocho años fue el hombre más buscado del Imperio Romano, perseguido sin descanso, de combate en combate, de fortaleza en fortaleza, en las montañas de Gales, hasta que fue traicionado y entregado a los romanos en el año 51 d.C. por Cartimandua, reina de los brigantes de Yorkshire, a quien había acudido en busca de ayuda. Derrotado, fue llevado encadenado a Roma con toda su familia. Conducido ante el emperador, el rey bretón habló con tal sabiduría y orgullo (discurso recogido por Tácito en sus Annales) que Claudio, impresionado por sus palabras, le concedió clemencia a él, a su esposa y a sus hermanos, permitiéndoles pasar el resto de sus días en Roma. El cuadro representa el momento de la peroración de Carataco, en el centro de la escena encadenado, que defiende fervientemente su causa ante el emperador: está sentado en su trono, flanqueado por su esposa y rodeado de senadores y soldados. El cuadro, restaurado y repintado a finales del siglo XIX, presenta ligeros daños.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena, al aire libre al pie de una pendiente, muestra dos figuras femeninas desplomadas sobre ellas y detrás de ellas un peregrino, con el tradicional bastón y conchas en su manto. La mujer en primer plano sostiene un rosario en una mano y en su regazo hay un niño dormido. La escena recuerda un momento de oración dolorosa y contemplativa. El cuadro, ya restaurado y revestido, tiene varias gotas de color y manchas. Se presenta en un marco elegante.

Óleo sobre lienzo. Mediados del siglo XIX. La gran escena representa un episodio histórico, no identificado, ambientado en la época del Renacimiento, en el que un arzobispo escucha la súplica de un joven de armas tomar, acompañado de su madre, que apoya su petición. El escenario se sitúa en el salón de recepciones del alto prelado, presumiblemente en el palacio episcopal, que, desde la logia del fondo, domina la catedral, cuya cúpula se vislumbra; el obispo está rodeado por sus subordinados y guardias, mientras varias personas del pueblo observan. Particular es la presencia del hombre sentado en primer plano a la izquierda, que mira hacia el espectador y señala la escena, como si la estuviera narrando. La atmósfera se juega en los contrastes entre luces y sombras, entre los colores vivos de los personajes dominantes frente a los tonos apagados y suaves de las figuras del contorno, que tienden literalmente a desaparecer en las sombras al borde de la escena. La obra se inscribe en la amplia producción del siglo XIX que recurría a temas históricos o literarios, reproponiéndolos en clave romántica. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un importante marco de la segunda mitad del siglo XIX, con faltantes.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa de principios del siglo XIX. El cuadro, según el gusto del siglo XIX, pretende proponer más una escena de género que un paisaje: en primer plano, en un paisaje rural árido con restos de nieve, destacan las figuras de una pequeña familia que desciende de una especie de trineo. .. hecho de madera, relleno de paja y tirado por un caballo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un elegante marco de madera dorada, con varios defectos.

Óleo sobre tabla. Escuela del norte de Europa de finales del siglo XIX. En la composición del interior de un cobertizo, la caza se encuentra en un nivel; a la izquierda aparece el hocico del perro de caza, pero orientado hacia un nido lleno de pájaros cantores, situado encima del eje del carruaje que se ve a la derecha. La pintura se presenta en un marco de época.

Vistazo al Claustro de la Catedral de Monreale

Técnica mixta, con lienzo, paneles de madera, hilos metálicos, pequeñas cuentas, etc. En la parte inferior central está el nombre del artista, no identificado. Se trata de una reconstrucción tridimensional y en perspectiva del claustro de la catedral de Monreale, con la fuente en primer plano. La obra se presenta en una vitrina con marco dorado de principios del siglo XX.

Seguidor de Pedro Pablo Rubens

Óleo sobre lienzo. El cuadro procede de la obra de Rubens (1577 -1640) conservada en el Museo del Prado de Madrid, reproducida como contrapartida en grabado por Paulus Pontius (1603 -1658), como también aparece en esta versión. Ocupa el centro vertical de la escena la figura de María, cuyo rostro se inspira en el de Isabel Brandt, la primera esposa del pintor flamenco, fallecida en 1626 con sólo 35 años. La Virgen sostiene en sus brazos al Niño Jesús, que la mira tierna pero seriamente a los ojos, mientras una pequeña mano se apoya en el pecho descubierto de su madre, de la que acaba de recibir el alimento; detrás, de pie, Santa Ana envuelve los hombros de su hija y de su nieto en un abrazo tierno y protector, sonriendo complacida: A la izquierda, algo separado y en penumbra, José observa pensativo y preocupado: la única figura humana que no encaja en la luz que emana del rostro del Niño, irradiada sobre el de María y, por reflejo, también sobre el de Santa Ana. En comparación con la obra del maestro, se respeta la composición de las figuras, pero varían varios detalles, sobre todo en la vestimenta de Santa Ana, María y el drapeado que rodea las caderas del Niño, lo que apoya la hipótesis de que sea obra de un seguidor del maestro flamenco. El cuadro, restaurado y repintado, está en buen estado, con sólo un rasguño de color en la parte superior central.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. La insólita y peculiar representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentados a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que van a tomar (consistente en fruta y pan). La escena, un tema representado con bastante poca frecuencia y normalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven la comida a la familia, tiene aquí en cambio el sabor de una intimidad doméstica muy normal y sencilla. Por otra parte, en torno a la Sagrada Familia se vislumbra majestuosamente una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentados en un bello efecto de perspectiva que conduce, en el extremo derecho, a la muralla de entrada a una ciudad ricamente torreada, probablemente Jerusalén. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La gran composición presenta diversos alimentos sobre una mesa de cocina: a la izquierda, una gran cesta de mimbre llena de verduras, coronada por un grupo de peces colgantes; otras verduras están colocadas sobre la superficie de la mesa, junto a un plato de cerezas, otro con una hogaza de pan y, más atrás, otro con gambas; a la derecha, un jarrón lleno de flores multicolores y, sentado en lo alto de una alacena, un gato negro que lame tranquilamente su pata. Destaca la nitidez de los colores, realzada por los reflejos de la luz en algunos alimentos, como las cerezas o las gambas, y en la jarra de cobre situada delante de las flores. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un marco de listones.

Óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Según la tradición cristiana, Santa Verónica fue la «piadosa mujer» que, al ver la pasión de Jesús cargado con la cruz y con el rostro embadurnado de sudor y sangre, lo limpió con un paño de lino, en el que quedaría la huella del rostro de Jesús. Este velo, también conocido como la Sábana Santa, se convirtió así en el signo iconográfico de la santa. La Verónica también aparece en el centro de esta pintura, mientras que dos ángeles a ambos lados sostienen el lienzo en el que está impreso el rostro de Cristo, coronado de espinas; debajo, un cáliz recoge simbólicamente la sangre divina, mientras que sobre la teta de la santa planea el Espíritu Santo. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre madera

Charles Moody (1979), óleo sobre madera contrachapada. Firmado en la parte posterior. La obra fue expuesta en la exposición individual "Borderland" en la Galería 8 en Corso Venezia de Milán, como lo demuestra el papel de la etiqueta trasera. Charles Moody se graduó en 2003 en el Instituto de arte de Boston y, después de tres años en Milán, elige vivir en Nueva York. En su arte que en el juicio (arte conceptual, arte de proceso) en lugar del contenido de la imagen y se trata en esta chatarra pintura es mejor. Un arte que fue creado por la aprobación de las imágenes de la televisión (películas casi nunca) y, en particular de populares telenovelas. Trabajo de Moody's va más allá de la imagen de los medios de comunicación mediante la personalización de la selección de imágenes especiales que, en su opinión, ofrecen un potencial narrativo; imágenes de transición, momentos de transición de una escena a la siguiente. El artista utiliza una pintura al óleo manual para reproducir la baja calidad de la imagen de tv exaltando la "difuminación" de blur. Nos enfrentamos a una pérdida de la dimensión espacial, en una temporalidad confundido-difuso-intangible que es difícil reconocer los límites ("Borderland"). En estas distorsiones perceptivas, en cuyo momento se dilata se expande, cada cuadro representa un "indiscernibilità" en que el reconocimiento del objeto que se lleva el segundo lugar. El tiempo de Moody ' s es ni crónica ni historia sino suspensión. (De "Charles Moody, Borderland", comisariada por Gianni Romano, catálogo de exposición, CorsoVeneziaOtto, noviembre-diciembre 2009)

Pintura al óleo sobre lienzo. En la parte inferior está firmado Cornienti y fechado en 1844; en el reverso se atribuye a Cherubino Cornienti. No es posible confirmar esta atribución al importante pintor del siglo XIX, exponente del romanticismo que realizó retratos, escenas históricas pero también diversos temas religiosos. La obra que aquí se presenta propone el episodio evangélico de la Resurrección de Lázaro, con una ambientación oriental adecuada al tema. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. En el centro de la composición aparece una liebre colgada, flanqueada por unas codornices y una paloma; a la derecha, una cesta de mimbre con castañas y ramas de pino; a la izquierda, un manojo de espárragos y un jarrón con flores multicolores, cuyos colores vivos y brillantes crean un contraste cromático con los demás elementos, todos ellos en tonos marrones y grises. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco del siglo XIX reacondicionado.

Naturaleza Muerta con Pez

Óleo sobre lienzo. La escena, más bien oscura, está ambientada en el interior de una cocina rústica, con ollas de cobre que descansan sobre una mesa junto a dos pescados y algunas verduras. El cuadro recuerda en estilo y temática a Felice Boselli, pintor emilianense conocido sobre todo por sus bodegones, de los que realizó un centenar de obras en las que aparecen principalmente animales de caza, peces y de corral. Restaurado y enmarcado de nuevo, el cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Naturaleza Muerta con Juego

Óleo sobre lienzo. La escena, más bien oscura y ambientada al aire libre, como se deduce de las siluetas de los árboles del fondo, muestra varias aves de caza posadas en el suelo o colgadas por las patas de las ramas. El cuadro recuerda por su estilo y su tema a Felice Boselli, pintor emilianense conocido sobre todo por sus bodegones, de los que realizó un centenar de obras en las que aparecen principalmente animales de caza, peces y de corral. Restaurado y enmarcado de nuevo, el cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el bebé Moisés, al que su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la matanza de los niños varones israelitas (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que el pueblo israelita fuera demasiado numeroso y se rebelara contra la esclavitud), es encontrado por una sierva de la hija del mismo faraón, que decide adoptarlo y lo salva. La escena, situada a orillas del río, está ocupada en su totalidad por las figuras femeninas del séquito principesco, apiñadas y proyectadas hacia el ángulo inferior derecho, donde se encuentra la cesta con el recién nacido. Todas las miradas se dirigen también hacia el niño, en la dirección indicada por el brazo extendido de la mujer del primer plano derecho. Destaca la redondez de las formas femeninas, especialmente de las tres figuras del primer plano, donde los juegos de luces y sombras resaltan las complexiones que emergen de los ropajes. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta enmarcado.