Pintura que Representa las Riquezas de Salomón.

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana de los siglos XVII-XVIII. Esta obra devocional muestra a la Virgen, sentada sobre las nubes y asistida por dos ángeles que sostienen sus vestiduras, siendo adorada por dos santos, arrodillados a sus pies: a la derecha, la joven vestida de príncipe, a cuyos pies descansa una corona real, se refiere a Isabel de Hungría; a la izquierda, el santo que sostiene al Niño Jesús puede identificarse con San Gaetano da Thiene. Particular es el juego de miradas entre los distintos personajes, que se entrelazan con sus posturas y gestos para crear un movimiento casi circular. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo. Se presenta en un marco antiguo redecorado a principios del siglo XX, al que le faltan varias piezas (necesita restauración).

Óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Descendiente de un antiguo linaje longobardo de Aquino (en la provincia de Frosinone), Tomás (nacido hacia 1226) fue a Nápoles a estudiar. En 1243, contra la voluntad de sus familiares, ingresó en la orden de predicadores dominicos, pero en el camino hacia el norte fue detenido por sus hermanos y encarcelado durante cerca de un año. En la escena, el joven santo del centro, ya vestido con el hábito dominico, está rodeado a ambos lados por cuatro figuras ricamente vestidas, precisamente los parientes, incluida probablemente su madre, que lo sostienen con benevolencia, casi abrazándolo, mientras con los gestos de sus manos y sus miradas afligidas y cariñosas intentan convencerlo, casi rogándole. Las figuras también están situadas en una prisión, como indican los barrotes de la pequeña ventana de la derecha, subrayando la acción coercitiva realizada. Ricos y minuciosos son los detalles de la indumentaria de los personajes, con colores vivos que contrastan con el vestido de Thomas, y movimientos plásticos de estilo barroco. Ya restaurado y retocado, el cuadro se encuentra en buen estado, con evidentes grietas. Se presenta en un marco antiguo re-lacado y re-dorado.

Versión Reducida de un Retablo de Girolamo Mazzola Bedoli

Óleo sobre lienzo. Escuela Emiliana del siglo XVII. Enteramente en primer plano, esta escena de un grupo de figuras sagradas, presenta los rostros de María y el Niño Jesús en el centro, rodeados por San Juan Bautista en la parte inferior izquierda, y tres ángeles formando una corona alrededor de ellos. Todos los personajes están alegres y sonrientes, a pesar de la referencia a la Pasión, dada por el bastón rematado con la Cruz que Juan ofrece a Jesús. El movimiento de los cuerpos y los colores brillantes hacen que la escena esté viva. Se trata de una versión parcial y horizontal del retablo del mismo nombre realizado por el pintor manierista parmense Girolamo Mazzola Bedoli (1508-1570) para la iglesia de San Sepolcro de Parma, desarrollado verticalmente con la presencia de un paisaje de fondo detrás de los dos ángeles en la parte superior y la finalización de las figuras en la parte inferior. El cuadro se encuentra todavía en su primer lienzo, sin signos de restauración previa. Hay varias gotas de color, especialmente a lo largo del margen inferior y los dos laterales. Se presenta en un marco de madera lacado antiguo.

Óleo sobre lienzo. Retrato de un noble, orgulloso, con la mano apoyada en la empuñadura de su espada y vestido con un manto ribeteado de armiño. En la esquina superior derecha aparece el escudo de armas de su familia, que muestra un león rampante coronado de rojo que sostiene una espada; a lo ancho hay una banda con tres grupos de bolas dispuestas en forma de flor. Un león rampante similar se encuentra en el escudo de armas de algunas ciudades del centro de Italia, como Faenza. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un marco de madera tallada y lacada coetánea.

Adoración de los Pastores hacia 1620

Óleo sobre lienzo. Escuela véneta del siglo XVII. Siguiendo los modelos popularizados por Jacopo Bassano, el cuadro presenta una escena rica en figuras y elementos de contorno típicos de la vida pastoril, elegante pero con una sencillez rústica. Los pastores crean con María y José un círculo de figuras que adoran al Niño Jesús, círculo en el que también participan animales, el buey y la oveja, mientras que unos angelitos completan la escena dando vueltas por encima. La obra se remonta a la producción de Baldassarre D'Anna, pintor de origen veneciano que se formó con Leonardo Corona, cuyos vivos colores e instancias de claroscuro reprodujo, y que más tarde trabajó en Venecia, Dalmacia, Istria y en toda la zona de Friuli. Se sitúa en la mejor etapa del artista, entre 1610 y 1620. En particular, encontramos las mismas características y muchos de los personajes que en la serie de ocho lienzos pintados hacia 1620 para el Santuario de las Gracias de Cordovado, en la provincia de Pordenone: similares son los colores vivos extendidos con fondos nítidos y drapeados angulosos, los contornos enérgicos, las fisonomías severas y marcadas que encontramos tanto en los pastores como en la Virgen arrodillada. También encontramos en la obra las notas realistas «à la Bassano», como la cesta de huevos de la que emerge una servilleta, la arquitectura desprovista de toda monumentalidad.

Óleo sobre lienzo. La escena representa una batalla entre un ejército de moros y soldados blancos, que defienden una fortificación desde la que disparan cañones, mientras al fondo emerge una ciudad blanca en lo alto de un promontorio. Situada cerca del mar, con varias naves de los invasores dirigiéndose hacia la costa, la escena se centra en la captura del rey moro, en el centro sobre su caballo blanco, con una expresión de consternación en el rostro al verse rodeado por soldados contrarios que intentan derrocarle, mientras los suyos tratan de defenderle. La atmósfera de la escena está dominada por el polvo y el humo de los cañones, cubriendo a todos los personajes con un velo terroso, incluso allí donde los colores de las túnicas serían más vivos. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. El gran paisaje nórdico, con verdes laderas montañosas en medio de las cuales fluye un río, está habitado por varias figuras en primer plano: un grupo de personas escucha a un joven que, de pie en el centro, anuncia algo, señalando, con el brazo extendido hacia arriba, el sol que se abre paso entre las nubes oscuras. Evoca una predicación de San Juan Bautista, aunque ningún elemento iconográfico remite específicamente a este personaje. El cuadro, restaurado y reencuadrado, está montado en un marco de principios del siglo XX. Se presenta en un marco coetáneo.

Óleo sobre lienzo. Segunda mitad del siglo XVIII. Una parte de una gran estructura arquitectónica en ruinas llena toda la escena: un pórtico coronado por una balaustrada, cubierto de plantas, rodea un patio en el que se mueven varias figuras populares, ocupadas en sus actividades. Un cielo azul brillante cubre el encuadre y la luz se filtra por uno de los arcos para crear un juego de luces y sombras bajo el pórtico. En el reverso del marco figura una atribución a Gaetano Vetturali (1701-1783), aunque la calidad de las figuras parece aquí superior a la del artista de Lucca, que era famoso en su zona por sus caprichos arquitectónicos de gran impacto escenográfico. El cuadro se presenta en un marco dorado del estilo.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición presenta un gran ramo de flores multicolores en un jarrón repujado, junto a un cuenco lleno de setas porcini y un racimo de uvas. Con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces y sombras. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición presenta un gran ramo de flores multicolores en un jarrón repujado, junto a dos grandes calabazas y frutas variadas (uvas y melocotones). Con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces y sombras. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX.

El Cuento de Apolo y Marsias

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana del siglo XVII. Este gran lienzo procede de un grabado de 1562 del veneciano Giulio Sanuto, que reprodujo fielmente la obra homónima de Bronzino (1503-1572), conservada en el Ermitage. Con respecto al original, el grabado añadió el grupo de las Musas y modificó el fondo paisajístico introduciendo vistas de aldeas. La obra está dividida en cuatro escenas, que se leen de derecha a izquierda. La primera escena representa el concurso musical entre Apolo y el sileno Marsias, que tocaba la flauta tan bien que se le consideraba superior al propio dios; los dos contendientes actúan, el dios con la lira y el sileno con la flauta incluso dada la vuelta (para aumentar la dificultad de la hazaña), ante el rey Midas y la diosa Minerva, reconocible por sus atributos, el casco, la lanza y el escudo. En la segunda escena, Apolo intenta desollar a Marsias, para castigarle por haber ganado el concurso musical; en el suelo, a su lado, descansan su manto y su lira. En la tercera escena, el dios castiga al rey Midas por haber preferido a Marsias: Apolo le clava orejas de asno, mientras Minerva observa. Por último, la cuarta escena, en primer plano a la izquierda, presenta una figura peculiar, identificada como el fiel sirviente y barbero del rey: como Midas le había ordenado guardar en secreto sus orejas de asno, incapaz de desahogarse de otra manera, cavó un hoyo en la tierra y gritó en él su secreto; en ese lugar, sin embargo, cuenta la leyenda que creció un arbusto de juncos que susurró al viento «El rey Midas tiene orejas de asno», revelando así el temido secreto. El cuadro ha sido previamente restaurado y retocado, pero actualmente necesita más colorido. En el reverso figura a lápiz una antigua atribución a la escuela ferraresa («Ercole da Ferrara»). Se presenta en un marco de estilo de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. El sangriento episodio del sacrificio de Ifigenia, también narrado en la Ilíada, tiene su origen en la ira de Artemisa, la diosa de la caza, que, ofendida por la jactancia de cazador de Agamenón, impide que la flota griega zarpe hacia Troya. El adivino Calcis profetiza que la ira de la diosa sólo puede aplacarse sacrificando a Ifigenia, la hija menor del propio rey Agamenón. En el centro de la escena se representa a la joven postrada a los pies del altar del sacrificio, mientras es preparada por los sacerdotes según el ritual; en el ángulo izquierdo se vislumbra a su padre Agamenón (con la corona abandonada a sus pies) junto a su madre Clitemnestra que, desesperada, no se atreve a mirar. Arriba, la diosa Artemisa asiste a la escena, reconocible por la luna en su pelo, el arco que sostiene y un ciervo, su animal simbólico, al pie del dosel: según una versión menos violenta del mito, en el momento del sacrificio Ifigenia es sustituida por Artemisa por un ciervo, como podría indicar la presencia del animal en esta representación. La obra que aquí se presenta procede del cuadro de Pietro Testa, publicado entre 1640 y 1642 (actualmente en la Galería Spada de Roma) y de sus grabados: toda la composición de las figuras está tomada de él, aunque se han modificado los ropajes, los colores y diversos detalles. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX, coetáneo de la restauración.