PINTURAS EN LINEA | GALERÍA DE ARTE ANTIGUO Y CONTEMPORÁNEO

Pintura interior de la Osteria

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca de principios del siglo XIX. La escena, situada en el ambiente pobre y espartano de una taberna, presenta a dos jugadores de cartas que utilizan un barril como superficie de apoyo, observados por otros dos, mientras beben su copa de vino y fuman. El posadero, de espaldas a la derecha, sale de la habitación. La escena es animada y divertida, con personajes más bien ficticios. En el primer lienzo, el cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Pintura de Walter Pozzi.

Taberna

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Más firma y título en el reverso. Rica en mezclas y chispeante de luces y colores, la pintura de Pozzi, a menudo evanescente y acre, está impregnada de un temperamento irónico, de su necesidad de drogar las imágenes con la burla despiadada de un mundo falso y ficticio y, sin embargo, lleno de alusiones. . En esta obra los colores vivos contrastan con la fijeza y la falta de expresividad de las figuras: en un lugar de convivencia, como una taberna, estos personajes están distantes unos de otros, bloqueados en su posición, en su expresión carente de sentimiento. El cuadro se presenta en un marco.

Cuadro con Capriccio Arquitectónico y Figuras

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVIII. Capricho arquitectónico típico, es decir, paisajes con estructuras arquitectónicas insertadas, a menudo ruinas de estilo clásico pero en este caso más bien los pronaos de columnas de una estructura barroca, imponentes que ocupan la mayor parte de la escena y que contrastan con las figuras pequeñas y mal definidas de caminantes o populares. personajes. El cuadro, restaurado y revestido, se presenta en un marco de estilo de mediados del siglo XX.

Cuadro de paisaje con pastora y oveja.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea de finales del siglo XVIII. El cuadro de gran tamaño muestra un paisaje rural, con una casa campesina a la izquierda, la pastora en primer plano a la izquierda mirando su rebaño de ovejas abrevando en el arroyo cercano. El ambiente con colores apagados y luces suaves, con nubes rosadas en el cielo, recuerda un crepúsculo tranquilo y pacífico. En el primer lienzo, el cuadro se presenta en un marco dorado contemporáneo.

Pintura de Aquiles Zo

retrato femenino

Óleo sobre lienzo. Firmado a la derecha, en el centro del lienzo. Se trata del retrato de una mujer de luto, una joven viuda, como se desprende no sólo del vestido negro, sino del tocado y sobre todo del camafeo con un retrato masculino, que lleva colgado del cuello. Achille Zo fue un artista francés (origen de Bayona, localidad del Pirineo que sufrió la influencia cultural del País Vasco), que, a pesar de haber permanecido repetidas veces en París y Burdeos, donde se formó artísticamente, luego realizó varios viajes a España, ambos a Madrid (en 1856) y a Andalucía (1860), produciendo durante varios años obras sobre temas históricos o escenas de género españolas. A finales de la década de 1960, recurrió al orientalismo. También hay varios retratos en su producción. La pintura que aquí se propone, en el primer lienzo, se presenta en un bello marco contemporáneo de la segunda mitad del siglo XIX.

Pintura de escena bíblica

David tocando el arpa

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. La escena representa el episodio bíblico tomado del Primer Libro de Samuel que cuenta así: "Cuando el espíritu malo permitido por Dios atacó a Saúl, David tomó el arpa y comenzó a tocar; Saúl se sintió aliviado, estaba mejor, y el espíritu malo se alejó de él." En el cuadro las figuras aparecen poderosas y vigorosas, tanto el rey Saúl como los guardias que lo retienen, representados en una maraña de figuras que ocupa todo el lado izquierdo de la escena; a la derecha está David, quien, aunque joven y sencillo pastor, se mantiene tranquilo frente al rey furioso, tocando su instrumento con dignidad y firmeza. Al fondo, a la derecha, en un pasillo del palacio, los sacerdotes y los consejeros del rey contemplan consternados la cena. En el marco del cuadro hay una placa que atribuye a Bernardo Strozzi. La pintura, restaurada y revestida a mediados del siglo XX, está colocada con estilo en un marco dorado.

Estandarte de procesión pintado

Pintura sobre lienzo. A diferencia de la mayoría de los carteles contemporáneos, éste está pintado a mano y no impreso sobre lienzo. La escena se divide en tres partes, encerradas dentro de un marco pintado con motivos florales y separadas por el diseño de pequeñas columnas. En el centro está representada la Virgen con Jesús en el trono, a los lados dos ángeles con apariencia de niñas. A continuación, el cuadro se enmarca con pasamanería.

Retrato masculino pintado

Óleo sobre lienzo. El hombre retratado es identificado como Giovan Battista Stampa di Gravedona, jurista, como lo indica el escrito arriba a la izquierda, que declara su cargo, y el encabezamiento de la carta que sostiene en la mano. La familia Stampa, originaria de Gravedona, en el lago de Como, pertenecía a la clase noble local y, en virtud de ello, también desempeñaba un cierto papel público. En el cuadro el hombre aparece sentado en su escritorio, entre sus papeles de trabajo, con un rostro severo como requería su posición. Restaurado (signos evidentes de restauración debido a viejos desgarros en el lienzo, grieta marcada) y reenfundado, el cuadro se presenta en un marco antiguo adaptado.

Cuadro El suicidio de Porcia

Óleo sobre lienzo. La mujer representada en la escena se remonta a Porcia, la noble romana esposa de Bruto, que vivió en el siglo I a.C.: según la leyenda se suicidó tragándose un carbón encendido, y es en este fatídico momento cuando es representado aquí. El cuadro se acerca mucho a los métodos pictóricos del cuadro homónimo de la escuela de Cignani, atribuido a su alumno Marcantonio Franceschini y conservado en el Palacio Tozzoni de Imola. La figura de Porcia, situada en un interior con elementos clásicos, ocupa todo el campo de la escena, y se representa sentada frente al brasero ardiendo, en el acto de llevarse carbón a la boca; su expresión revela el sufrimiento del gesto que hace, pero también su determinación, la mirada que mira a lo lejos ya la sitúa lejos de la vida que deja. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo del siglo XVIII.

Pintura de Michiel Caree

Paisaje con pastores y rebaños.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. En un espléndido paisaje clásico, con colinas verdes que dominan un curso de agua, un arroyo en primer plano que luego se convierte en un ancho río en la distancia, se encuentran las figuras de un pastor y una pastora que llevan su rebaño al agua. Las escenas pastorales de este tipo caracterizaron la producción del artista holandés Michiel Carree, quien fue pintor de la corte del rey de Prusia en las primeras décadas del siglo XVIII. El cuadro, sobre primer lienzo, se presenta en un marco dorado contemporáneo, en madera tallada y dorada.

Cuadro Cleopatra disuelve una perla en una copa de vinagre

Óleo sobre lienzo. Escuela romana de la segunda mitad del siglo XVII. La escena narra un episodio de la historia de amor entre la reina de Egipto y el triunviro romano Antonio: Cleopatra, para demostrar su riqueza y seducir al apuesto general, organiza un suntuoso banquete, durante el cual ella elige una perla de inestimable valor y él la disuelve. en vinagre, para luego ofrecer la bebida, considerada un poderoso afrodisíaco, a Antonio. En el cuadro la reina se prepara para poner la perla en la copa: la cinta a la que está atada la perla es particular, que recuerda la del cuadro homónimo de Carlo Maratta (1625 -1713). Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de madera de finales del siglo XIX.

Pintura Antigua Tema Sagrado Óleo sobre Lienzo Siglo XVIII

Óleo sobre lienzo. La representación sagrada, muy rica en figuras, se sitúa en el exterior de una estructura arquitectónica en ruinas que alberga al asno y al buey, en un paisaje campestre con las laderas de las montañas a lo lejos. La Sagrada Familia, en el centro de la escena, recibe la visita de los tres Reyes Magos venidos de Oriente, reconocibles por sus suntuosas vestiduras: el primero arrodillado ante el Niño, con la corona apoyada en el suelo en señal de humilde homenaje; el segundo detrás de él a la derecha está tomando la urna con el regalo que trae de manos del sirviente; el tercero, justo debajo de su caballo, aún más atrás, espera sentado al borde del pozo. A su alrededor se representan múltiples figuras de la comitiva de los reyes, junto con grupos de pastores que suben a las ruinas para presenciar la escena. En lo alto flotan los dos ángeles con la escritura de Gloria, mientras el cometa brilla sobre la cabaña. Destaca inmediatamente la coral de la escena, donde ninguno destaca ni sobresale, sino que todos los personajes tienen su papel que gira en torno a la figura del Niño Jesús. El lienzo fue restaurado (pequeño parche en el reverso) y vuelto a montar en el marco. a mediados del siglo XX, así como colocado en el marco del mismo período.

Pintando la última cena

Óleo sobre lienzo. La representación sagrada sigue los cánones representativos tradicionales de este tema: la larga mesa dispuesta transversalmente está presidida en el centro por Cristo, quien anuncia a los apóstoles la inminente traición de uno de ellos; mientras todos los demás apóstoles se vuelven hacia el Maestro en el gesto de preguntar si la acusación les concierne ("¿Quizás soy yo?"), Judas, en primer plano a la izquierda, da la espalda a Jesús con un gesto de desesperación, mientras sostiene en su mano la bolsa de treinta denarios, el precio de la traición. En el centro inferior, delante de la mesa, un perrito mira al traidor: el animal símbolo de lealtad quizás pretende ser el último intento de detener a Judas, antes de llevar a cabo definitivamente la traición. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época. EL

Pintura Antigua Tema Sagrado Óleo sobre Lienzo Copia de Flandes

Óleo sobre lienzo. Se trata de una copia de un cuadro de Antony Van Dick (1599 -1641), quien creó este tema en tres versiones durante su estancia en Italia, entre 1621 y 1625, que luego fueron ampliamente copiadas. La composición de las dos figuras es fiel al original, con el contraste de la mirada de María, que tristemente se vuelve hacia el cielo, pensando en el destino de su Hijo, contra la mirada decidida y segura del Niño, que mira fuera de la composición. En comparación con el original, falta la imponente columna del fondo, aquí monocromática. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Copia de pintura de Claus Maeyer

El anuncio

Óleo sobre tabla. El nombre de referencia se muestra en la parte superior izquierda, con el apellido cambiado a Mayer. Se trata de una copia del cuadro homónimo de Claus Meyer, subastado en Alemania en 2005. Al artista alemán le encantaba reproducir escenas de género con sabor flamenco. En la obra presentada, ambientada en una habitación de una casa burguesa, un hombre de espaldas lee una carta a un grupo de otros hombres, todos ellos notables o personalidades locales. La obra se presenta en un marco de época.

Par de obras abstractas de Roberto Ciaccio

Óleo sobre poliestireno. En el reverso de uno hay una etiqueta de la exposición milanesa de 1974, con los datos de la obra y el título "Spazio rosso". Roberto Ciaccio tuvo una trayectoria artística profundamente conceptual que lo llevó a resultados de pura abstracción. Experimentó con diferentes materiales y técnicas, pero sobre todo su investigación fue en términos interdisciplinarios, a menudo abordando filosofía, música, poesía, arquitectura). Las dos obras se presentan en una vitrina de plexiglás.

Pintura Moderna de U. Vittore Bartolini Óleo sobre Lienzo 1954

Auronzo di Cadore

Óleo sobre lienzo, 1954. Firmado y fechado abajo a la derecha. Más firma y título en el reverso. En un marco dorado contemporáneo.

Pintura Antigua Tema Sagrado Óleo sobre Lienzo Siglo XVII-XVIII

Óleo sobre lienzo. Cristo, sentado en la prisión, vestido con un manto rojo y un bastón en las manos, recibe también la corona de espinas, para completar los símbolos de burla de su realeza declarada, motivo de su sentencia de muerte. La escena presenta figuras vivaces y bien definidas; el Cristo central, sufriente y resignado en su expresión facial, es iluminado por la luz que entra por la abertura de la pared rocosa, mientras los dos soldados lo rodean. La pintura del primer lienzo está inscrita en tres elementos de madera retorcidos, esculpidos con motivos frondosos y dorados.

La Continencia de Escipión

Aceite sobre la mesa. Escuela del norte de Europa del siglo XVII. La escena representa un episodio de la vida de Escipión narrado por Tito Livio y Valerio Massimo. Publius Cornelius Scipio, más tarde conocido como Scipio the African, en 209 a. durante la campaña española, tras la toma de Cartagena recibió como regalo personal una hermosa virgen, que estaba en el grupo de rehenes. Pero él, escuchando las súplicas de su familia, la respetó enviándola de regreso con sus padres y prometido, con la única recomendación de que su prometido trabajara por la paz entre Roma y Cartago. En la representación Escipión está en el centro, sentado en su trono, y se vuelve hacia la izquierda, hacia los suplicantes padres de la niña, mientras con un gesto misericordioso les indica que retomen a su hija, de pie a la derecha, flanqueada por su novio. A su alrededor, soldados y seguidores del rey. La escena está llena de figuras, luminosas y coloridas, y subraya la positividad del rey, un personaje central y poderoso, pero capaz de mansedumbre y clemencia. El cuadro restaurado ha sido reforzado en el reverso con listones de madera. Se presenta en un elegante marco.

Pintura Antigua Paisaje con Figuras Óleo sobre Lienzo Siglo XIX

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa de finales del siglo XIX. Firma no identificada (¿Marie Ross?) abajo a la derecha. Amplia vista de un paisaje verde, atravesado por un arroyo; al fondo una masía, hacia la que se dirige por el camino la figura femenina. Jugando con tonos pastel de verde y azul, la pintura parece brillante y serena. Se presenta en un marco contemporáneo, con pequeños daños para restaurar.