Cuadro de Paisaje Italiano con Figuras

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea del siglo XIX. La gran escena se desarrolla en las orillas de un río, que fluye cerca de un pueblo y está atravesado por un pequeño puente de madera. En la orilla, en primer plano, una mujer lava la ropa, un pastor abreva a sus animales y un viajero observa las figuras, descansando apoyado en su bastón. Brillante y serena, la pintura tiene un impacto escenográfico. Restaurado y revestido, se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa de finales del siglo XVIII - principios del XIX. Retrato de un caballero con elegante traje burgués. El lienzo tiene pequeños desgarros y necesita limpieza. Se presenta en un marco dorado del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo, aplicado al panel. Escuela francesa. Firmado F. Barthélemy y fechado en 1876 abajo a la izquierda. La escena tiene un estilo y una ambientación orientales, y sugiere la educación doméstica e intelectual de una joven (¡la referencia, aunque secular, a la Educación de la Virgen!): una niña, de pie en el centro de la escena, mientras ella está concentrada en un proyecto de bordado; él escucha las enseñanzas de su madre, que sostiene hojas escritas en sus manos; la anciana está vestida con un traje oriental y reclinada en un triclinio, mientras, detrás de ella, un sirviente descorre la cortina, dejando al descubierto el fondo de un imponente templo clásico. La escena se caracteriza por detalles del entorno cuidadosamente diseñados y ricos en detalles, como en el ramo de flores sobre la mesa de bordado, en la tela que cubre el triclinio sobre el que yace la madre; El ambiente íntimo y doméstico se ve subrayado por los colores terrosos de las paredes del palacio, sobre los que destacan los colores vivos de las figuras, bien iluminadas por la luz que irrumpe desde el exterior. La pintura se presenta en un marco de época.

Interior del Establo, 1889

Óleo sobre tabla. Firmado y fechado el 30-11-1889 abajo a la izquierda. Delleani, que inicialmente pintó principalmente temas históricos, se acercó progresivamente a la pintura de paisajes "en plein air", especialmente de sus lugares de origen, los valles del Piamonte, caracterizando sus vistas con vibraciones cromáticas y una cálida luminosidad. En las últimas décadas de su vida, sin embargo, también se dejó involucrar en la corriente orientalista, pero luego volvió a sus vistas paisajísticas, creando sobre todo paneles ricos en colores cálidos y atmósferas sugerentes. Más rara pero igualmente evocadora es su producción de interiores, como este de un establo, donde las figuras animadas, las ovejas, aparecen como manchas de color casi indistintas dentro de un entorno jugado enteramente con los efectos luminosos de una única gama cromática. Restaurada y protegida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX, con restos de restauración y pequeños defectos.

Escena de Asedio

Óleo sobre lienzo. En el exterior de las fortificaciones de una ciudad, un comandante, rodeado de sus soldados, se dispone a encender la mecha de un cañón. El ejército defiende la ciudadela extramuros y los soldados otean el horizonte mirando hacia abajo, lo que induce a situar la escena en las fortificaciones de una ciudad, en particular las de Génova, que se alzan sobre las montañas que hay detrás y desde las que los genoveses defendían la ciudad de los ataques procedentes del mar; la localización en Génova se apoya en el estandarte que ondea en las murallas, la Cruz de San Jorge (cruz roja sobre campo blanco), estandarte de la República de Génova. El estilo de las armaduras, armas y vestimentas haría referencia al asedio de Génova en 1522. Se trata, por tanto, de una representación decimonónica de un episodio histórico, que se inscribe así en la producción pictórica generalizada en Italia en el siglo XIX, inspirada en la nueva novela histórica propuesta por la literatura. En el reverso del marco figura el nombre G. Boni, junto con un número que hace referencia a la participación en una exposición oficial. Giovanni Boni fue alumno de la Academia de Bellas Artes de Brera y, en particular, seguidor de Giuseppe Sogni, artista que fue uno de los primeros en favorecer la pintura de tema histórico en sus innovadoras declinaciones románticas. No se sabe mucho de Boni, ni biográficamente ni en cuanto a su producción. Sólo se sabe que se le atribuye el Nudo d'uomo (Academia pintada), con el que ganó el primer premio de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. La obra representa las figuras y el patetismo de la escena con eficacia expresiva; las figuras del primer plano están muy bien caracterizadas en sus poses, expresiones, detalles de vestimenta y armas, mientras que las otras figuras se difuminan en el fondo, sugiriendo la presencia de un gran ejército. El cuadro, todavía en primer lienzo, presenta pequeños difuminados de color. Se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. En el interior de una cocina rural, una familia campesina se entrega a un momento de fiesta: el padre toca la mandolina, escuchado por la niña que insinúa querer bailar, ayudada por su madre, y las demás mujeres de la casa, que sonríen mientras realizan sus tareas domésticas. La producción del pintor napolitano Giuseppe Giardiello siempre buscó el folclore de la vida rural y campesina napolitana, pintando, con tonos íntimos y delicados, tanto escenas de la vida doméstica como vistas de paisajes animados por figuras. La obra se presenta en un marco coetáneo.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana de finales del siglo XVIII y principios del XIX. El paisaje romántico muestra un río que fluye entre riberas rocosas coronadas por frondosos árboles; en la orilla, en primer plano a la izquierda, dos pescadores lanzan sus sedales a un remanso de aguas tranquilas creado por una pequeña ensenada. El cuadro lleva en el marco una etiqueta atribuida a Domenico Pecchio (1693-1760). Restaurado, se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XVII. La escena, ambientada de noche en el jardín de una villa, cuya fachada ornamentada se vislumbra a la derecha y en la que destaca la fuente de la que manan una estatua desnuda, bajo un cielo oscuro oscurecido aún más por densas nubes, muestra a dos figuras que conversan: un anciano vestido modestamente amonesta severamente a un joven sentado, ricamente vestido, que parece hacer el gesto del mea culpa con la mano. La fisonomía y los gestos de las dos figuras, junto con el estilo de su indumentaria, parecen remitir al filósofo Aristóteles, que fue llamado a la corte macedonia para ser tutor del joven Alejandro, el futuro rey más tarde conocido como Alejandro Magno. Según cuenta Plutarco en sus «Vidas paralelas», el joven Alejandro fue un alumno brillante, tanto que también fue iniciado en las doctrinas aristotélicas más profundas y esotéricas, de donde deriva el halo de misterio y profunda interioridad que transpira la obra que aquí se presenta. El cuadro ha sido restaurado y reencuadrado. Se presenta en un elegante marco. El cuadro, restaurado

Óleo sobre lienzo. Se trata de una copia de época del grabado homónimo de Annibale Carracci (1560 -1609), que tuvo un éxito inmediato y dio lugar a una serie de réplicas impresas y copias pintadas. Representa el momento de la Pasión en el que Cristo es coronado con la corona de espinas, objeto de tortura que constituye un símbolo denigrante de su proclamación como Rey de Reyes. Dos figuras ejecutan el acto, el soldado romano y el judío, en representación de los dos pueblos que participaron en la condena a muerte de Cristo. Las figuras, vigorosas y sanguíneas las de los dos torturadores, más pálida e inerte la víctima, crean una composición entrelazada de cuerpos, con el central de Jesús que se une a los otros dos, uniéndolos en la responsabilidad compartida de lo que están haciendo; colocado de lado, Jesús tiene la cabeza inclinada a la fuerza hacia la izquierda por el soldado que le impone la corona de espinas, mientras que el judío, a la derecha, le coloca en la mano la caña de bambú, que sustituye al cetro. La escena está dominada por colores oscuros y sombríos, entre los que sólo destaca el rojo vivo de la túnica de Cristo, símbolo de su humanidad sufriente. El cuadro ha sido restaurado y retocado. Se presenta en un bello marco coetáneo, al que le faltan algunas partes.

Óleo sobre lienzo. La escena se desarrolla en el interior de un palacio de mármol, con arcos y bóvedas; las numerosas figuras ocupan el espacio en un juego de cuerpos que se entrelazan y miradas que se cruzan. En el centro, la Virgen María levanta al niño Jesús para mostrarlo a los visitantes; detrás de ella, a la derecha, José observa atentamente, mientras sobre él planea un angelito que lleva un pergamino con el Gloria. A la izquierda, el grupo de los Reyes Magos venidos de Oriente, que rinden homenaje al Niño, y detrás de ellos los sirvientes curiosos que observan y señalan. Destacan los colores vivos y brillantes. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. De gran formato y contorno octogonal, el lienzo presenta un paisaje inscrito en un marco pintado con frisos, perteneciente a la categoría de la pintura del siglo XVIII concebida con fines decorativos. La escena está ambientada junto a un río, en cuyas orillas se alzan ruinas arquitectónicas de estructuras clásicas, que se elevan majestuosas sobre las figurillas de personajes populares que animan la escena. El cuadro, ya restaurado y retocado, presenta varios pequeños agujeros, caídas de color y manchas difusas.

Óleo sobre lienzo. De gran formato y contorno octogonal, el lienzo presenta un paisaje inscrito en un marco pintado con frisos, perteneciente a la categoría de la pintura del siglo XVIII concebida con fines decorativos. El paisaje muestra a la izquierda rocas estériles de las que brota una pequeña cascada, mientras que a la derecha se ven las ruinas de una estructura arquitectónica, delante de la cual conversan dos mujeres ataviadas con trajes populares tradicionales. El lienzo, que ya ha sido restaurado y retocado en el pasado, presenta pequeños agujeros generalizados, caídas de color y manchas. El lienzo pertenece a la categoría de pinturas de muebles del siglo XVIII.