PINTURA ANTIGUA - Página 5

Óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. El retrato representa la figura de una joven con un vestido de diario, pero adornado con adornos de piel moteada; curiosamente, ostenta con el brazo levantado un manguito de piel deslizado sobre una mano, probablemente un capricho para subrayar una moda de la época. El cuadro presenta signos de restauración, con el lienzo original conservado, aunque montado en un nuevo bastidor. Se presenta en un marco oval coetáneo, pero coronado por un friso de madera añadido posteriormente.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena bíblica representa a la Sagrada Familia con María sentada en el asno, Jesús recién nacido en brazos y José tirando del animal, mientras huyen de Nazaret, rumbo a Egipto, para escapar de la persecución de Herodes. Unos angelitos se ciernen sobre ellos. Las miradas de los ángeles, José y María, convergen tiernamente en el Niño. Al fondo un paisaje nórdico. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. Según la tradición iconográfica, también en este cuadro el ángel de la guarda aparece representado como un joven alado que acompaña a un niño a lo largo de un tramo de camino, indicando al cielo como destino del viaje. Destaca y domina la escena la figura alada, vivaz en sus colores, poderosa en la fuerza física que emana, aunque dulce en su actitud delicadamente protectora hacia el niño, cuya pequeña figura está envuelta en los miembros de su tutor. La escena está encerrada dentro de una guirnalda de flores brillantes y coloridas, que dan color a las figuras, por lo demás situadas en un paisaje oscuro y casi monocromático. La representación de personajes, principalmente religiosos, encerrados en marcos florales tuvo un gran desarrollo especialmente en Roma, ligada a nombres como el de Giovanni Stanchi (1608 -1675), en lugar de Mario Nuzzi conocido como Mario de' Fiori (1603 -1673), y otros. . El cuadro, restaurado y revestido, se presenta enmarcado en listones.

Óleo sobre lienzo. El cuadro es de grandes dimensiones, lo que recuerda los métodos pictóricos del siglo XVII, pero es de fecha posterior, y fue pintado sobre un lienzo aplicado sobre otro más antiguo. La escena relata el episodio bíblico (tomado del Libro de los Reyes) ampliamente narrado pictóricamente, que representa el baño de Betsabé, esposa del general Urías, al servicio del rey David. Según el relato bíblico, David se encuentra en la terraza de su palacio cuando observa a la mujer bañándose en el jardín de su casa, rodeada de sus siervas. David se enamora de ella y la seduce, dejándola embarazada. Para disimular la fechoría, convoca al general Urías desde el frente para que se acueste con su esposa, pero Urías no quiere dejar a sus soldados; así que David lo envía a luchar en primera línea con la esperanza de que lo maten: esto sucede y David puede casarse con Betsabé, pero será castigado por Dios por el adulterio y la impiedad cometidos. El cuadro representa el momento en que Betsabé, recién salida del baño, mientras se refleja en el espejo que sostiene una esclava, y rodeada de otros sirvientes, lee la nota que le envía el rey David; éste aparece en el ángulo superior derecho, asomado a la terraza. La escena está dominada por las figuras femeninas entrelazadas en una maraña de túnicas y telas, y rodeadas por las flores del jardín; en el centro se alza el espejo en un rico marco dorado. El cuadro tiene una mancha en la esquina inferior derecha. Se presenta en un marco antiguo dorado.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. El cuadro recuerda en su estilo pictórico la producción de Angelo Caroselli (1585-1652), artista romano del Barroco que fue pintor, copista, restaurador, pero también pasticheur y conocedor del arte, es decir, creador de cuadros «a la manera de» -en la «técnica» y el «estilo» de un determinado periodo artístico o autor, incluso ensamblando «partes» de diferentes cuadros. Inicialmente de estilo caravaggesco, Caroselli desarrolló más tarde su propio lenguaje artístico, que fue copiado por muchos artistas menores. En esta obra destaca la expresividad fija y casi exagerada del personaje, la elegancia de su vestido del siglo XVII y los rasgos casi femeninos de su rostro de tez sonrosada, que contrastan con la crudeza de la cabeza ensangrentada de Goliat, con su gran herida cortante que destaca sobre la palidez mortal. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo, conservando el marco de madera original. Se presenta en un marco de madera coe

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana de los siglos XVII-XVIII. Una gran composición de flores de colores, en jarrones de metal repujado, y algunas frutas esparcidas por el suelo, se colocan junto a una pared que domina un paisaje marítimo: la luminosidad del cielo y del mar a la derecha contrasta con la zona sombreada de la izquierda, sobre el que destacan los colores de las flores. El cuadro, repintado y restaurado, presenta una importante grieta. Se presenta en un marco contemporáneo lacado y dorado.

Óleo sobre lienzo. La escena tiene lugar en un campamento militar: fuera de una tienda, a la izquierda, un jefe de un ejército, probablemente griego, recibe las ofrendas de un grupo de hombres, pobres y harapientos, que se postran ante su nuevo señor; el primero reparte panes, otro saca algo de un saco, el tercero muestra las heridas de su cuerpo para invocar misericordia; detrás de ellos se acercan otras figuras que buscan, formando una fila dispersa por el camino que se pierde en la distancia, a la derecha. Al fondo, a la izquierda, la vida en el campamento militar es bulliciosa. El cuadro ha sido restaurado y repintado.

Óleo sobre lienzo. Escuela norditaliana del siglo XVII. El gran cuadro presenta como tema un conocido asunto del Antiguo Testamento, la riqueza del rey Salomón, relatada en el Primer Libro de los Reyes: «El rey Salomón superaba a todos los reyes de la tierra en riqueza y sabiduría. En todas partes de la tierra la gente anhelaba acercarse a Salomón para escuchar la sabiduría que Dios había puesto en su corazón. Todos le llevaban, cada año, ofrendas de plata y objetos de oro, túnicas, armas, aromas, caballos y mulas». En el cuadro, el rey, suntuosamente ataviado con los símbolos de la realeza (corona, cetro, manto de armiño), escucha de pie a los postulantes que acuden a él para recibir los consejos que dicta su proverbial sabiduría, y a cambio le traen ofrendas, acordes con su papel social: algunos campesinos traen como regalo sacos de grano, fruto de su trabajo en el campo, otro levanta una copa en alto, para llamar la atención del rey. El cuadro recuerda por sus colores y estilo pictórico a la producción del norte de Italia, especialmente de la región del Véneto. El cuadro ha sido restaurado y retocado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Una delicada composición de flores se coloca dentro de una especie de cuna de madera, con setas y frutas en el suelo; el fondo es externo, pero mal definido por diversas manchas. La obra, en el primer lienzo, se presenta también en un bello marco de principios del siglo XVIII, en madera de tilo tallada con una corona de hojas unida por cintas, y dorada con gouache.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la composición, una mujer con su hijo, vestida con ropas antiguas y flanqueada por un buey, arrodillada en un terreno escarpado, extiende los brazos hacia arriba en un acto de súplica o quizás de contemplación: podría ser una interpretación de María que acompaña al Niño Jesús a contemplar. su destino, con el buey que remite al nacimiento y sencilla vida pastoral de la Sagrada Familia. Restaurada y revestida, la pintura muestra varios rastros de pérdida de color. Se presenta en un marco elegante.

Óleo sobre lienzo. El cuadro representa el retrato de medio cuerpo de un joven deshabillé que enciende su pipa sacando fuego con un bastón de la vela colocada frente a él sobre la mesa en la que también reposa una espada: tal vez se trate de un joven caballero en un momento de descanso. Precisamente la vela, única fuente de luz de la escena, sugiere que el artista se inspiraba en la producción de Georges De La Tour (1593-1652), pintor francés del estilo de Caravaggio que se dio a conocer con sus escenas «nocturnas», caracterizadas por figuras, generalmente personas de bajo rango más que modelos históricos o personajes de alta alcurnia, iluminadas por la luz de una vela, creando una atmósfera especial de intimidad. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela del sur de Italia, siglos XVII-XVIII. La escena, llena de personajes, tiene en el centro la figura de un condottiere, bien definido en los detalles de armadura, cimera y anatomía, que acompaña benévolamente con el movimiento de sus brazos a un hombre arrodillado que, junto con su compañero, rinde homenaje a un emperador, mientras señala con la mano extendida al grupo de seis niños, sostenidos a la derecha por soldados. El emperador se ha levantado de su trono, a la izquierda, y va al encuentro de la pareja postrada, pero también él parece casi en actitud de reverencia hacia el líder central. La escena parece referirse a un episodio histórico de clemencia de un condottiere, que por edad, rasgos y tipo de armadura, podría ser Alejandro Magno, personaje que sin embargo es difícil de emparejar con la otra figura coronada de laurel, que desciende de su trono en el suntuoso palacio. El episodio (¿histórico o legendario?) de referencia no puede, pues, identificarse específicamente. Sin embargo, se puede apreciar la riqueza compositiva de la escena, con numerosas figuras bien detalladas y colores vivos que acentúan su dinamismo. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa del siglo XVIII. Carataco fue un rey celta de la tribu britana Catuvellauni, líder de la resistencia antirromana y famoso como luchador por la libertad. Durante ocho años resistió la invasión romana de Britania a partir del año 43 d.C.. Durante ocho años fue el hombre más buscado del Imperio Romano, perseguido sin descanso, de combate en combate, de fortaleza en fortaleza, en las montañas de Gales, hasta que fue traicionado y entregado a los romanos en el año 51 d.C. por Cartimandua, reina de los brigantes de Yorkshire, a quien había acudido en busca de ayuda. Derrotado, fue llevado encadenado a Roma con toda su familia. Conducido ante el emperador, el rey bretón habló con tal sabiduría y orgullo (discurso recogido por Tácito en sus Annales) que Claudio, impresionado por sus palabras, le concedió clemencia a él, a su esposa y a sus hermanos, permitiéndoles pasar el resto de sus días en Roma. El cuadro representa el momento de la peroración de Carataco, en el centro de la escena encadenado, que defiende fervientemente su causa ante el emperador: está sentado en su trono, flanqueado por su esposa y rodeado de senadores y soldados. El cuadro, restaurado y repintado a finales del siglo XIX, presenta ligeros daños.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena, al aire libre al pie de una pendiente, muestra dos figuras femeninas desplomadas sobre ellas y detrás de ellas un peregrino, con el tradicional bastón y conchas en su manto. La mujer en primer plano sostiene un rosario en una mano y en su regazo hay un niño dormido. La escena recuerda un momento de oración dolorosa y contemplativa. El cuadro, ya restaurado y revestido, tiene varias gotas de color y manchas. Se presenta en un marco elegante.

Seguidor de Pedro Pablo Rubens

Óleo sobre lienzo. El cuadro procede de la obra de Rubens (1577 -1640) conservada en el Museo del Prado de Madrid, reproducida como contrapartida en grabado por Paulus Pontius (1603 -1658), como también aparece en esta versión. Ocupa el centro vertical de la escena la figura de María, cuyo rostro se inspira en el de Isabel Brandt, la primera esposa del pintor flamenco, fallecida en 1626 con sólo 35 años. La Virgen sostiene en sus brazos al Niño Jesús, que la mira tierna pero seriamente a los ojos, mientras una pequeña mano se apoya en el pecho descubierto de su madre, de la que acaba de recibir el alimento; detrás, de pie, Santa Ana envuelve los hombros de su hija y de su nieto en un abrazo tierno y protector, sonriendo complacida: A la izquierda, algo separado y en penumbra, José observa pensativo y preocupado: la única figura humana que no encaja en la luz que emana del rostro del Niño, irradiada sobre el de María y, por reflejo, también sobre el de Santa Ana. En comparación con la obra del maestro, se respeta la composición de las figuras, pero varían varios detalles, sobre todo en la vestimenta de Santa Ana, María y el drapeado que rodea las caderas del Niño, lo que apoya la hipótesis de que sea obra de un seguidor del maestro flamenco. El cuadro, restaurado y repintado, está en buen estado, con sólo un rasguño de color en la parte superior central.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central del siglo XVII. La insólita y peculiar representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentados a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que van a tomar (consistente en fruta y pan). La escena, un tema representado con bastante poca frecuencia y normalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven la comida a la familia, tiene aquí en cambio el sabor de una intimidad doméstica muy normal y sencilla. Por otra parte, en torno a la Sagrada Familia se vislumbra majestuosamente una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentados en un bello efecto de perspectiva que conduce, en el extremo derecho, a la muralla de entrada a una ciudad ricamente torreada, probablemente Jerusalén. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La gran composición presenta diversos alimentos sobre una mesa de cocina: a la izquierda, una gran cesta de mimbre llena de verduras, coronada por un grupo de peces colgantes; otras verduras están colocadas sobre la superficie de la mesa, junto a un plato de cerezas, otro con una hogaza de pan y, más atrás, otro con gambas; a la derecha, un jarrón lleno de flores multicolores y, sentado en lo alto de una alacena, un gato negro que lame tranquilamente su pata. Destaca la nitidez de los colores, realzada por los reflejos de la luz en algunos alimentos, como las cerezas o las gambas, y en la jarra de cobre situada delante de las flores. El cuadro, restaurado y retocado, se presenta en un marco de listones.

Óleo sobre lienzo. Escuela toscana del siglo XVII. Según la tradición cristiana, Santa Verónica fue la «piadosa mujer» que, al ver la pasión de Jesús cargado con la cruz y con el rostro embadurnado de sudor y sangre, lo limpió con un paño de lino, en el que quedaría la huella del rostro de Jesús. Este velo, también conocido como la Sábana Santa, se convirtió así en el signo iconográfico de la santa. La Verónica también aparece en el centro de esta pintura, mientras que dos ángeles a ambos lados sostienen el lienzo en el que está impreso el rostro de Cristo, coronado de espinas; debajo, un cáliz recoge simbólicamente la sangre divina, mientras que sobre la teta de la santa planea el Espíritu Santo. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la parte inferior está firmado Cornienti y fechado en 1844; en el reverso se atribuye a Cherubino Cornienti. No es posible confirmar esta atribución al importante pintor del siglo XIX, exponente del romanticismo que realizó retratos, escenas históricas pero también diversos temas religiosos. La obra que aquí se presenta propone el episodio evangélico de la Resurrección de Lázaro, con una ambientación oriental adecuada al tema. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. En el centro de la composición aparece una liebre colgada, flanqueada por unas codornices y una paloma; a la derecha, una cesta de mimbre con castañas y ramas de pino; a la izquierda, un manojo de espárragos y un jarrón con flores multicolores, cuyos colores vivos y brillantes crean un contraste cromático con los demás elementos, todos ellos en tonos marrones y grises. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco del siglo XIX reacondicionado.

Naturaleza Muerta con Pez

Óleo sobre lienzo. La escena, más bien oscura, está ambientada en el interior de una cocina rústica, con ollas de cobre que descansan sobre una mesa junto a dos pescados y algunas verduras. El cuadro recuerda en estilo y temática a Felice Boselli, pintor emilianense conocido sobre todo por sus bodegones, de los que realizó un centenar de obras en las que aparecen principalmente animales de caza, peces y de corral. Restaurado y enmarcado de nuevo, el cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.