PINTURA ANTIGUA - Página 6

Naturaleza Muerta con Pez

Óleo sobre lienzo. La escena, más bien oscura, está ambientada en el interior de una cocina rústica, con ollas de cobre que descansan sobre una mesa junto a dos pescados y algunas verduras. El cuadro recuerda en estilo y temática a Felice Boselli, pintor emilianense conocido sobre todo por sus bodegones, de los que realizó un centenar de obras en las que aparecen principalmente animales de caza, peces y de corral. Restaurado y enmarcado de nuevo, el cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Naturaleza Muerta con Juego

Óleo sobre lienzo. La escena, más bien oscura y ambientada al aire libre, como se deduce de las siluetas de los árboles del fondo, muestra varias aves de caza posadas en el suelo o colgadas por las patas de las ramas. El cuadro recuerda por su estilo y su tema a Felice Boselli, pintor emilianense conocido sobre todo por sus bodegones, de los que realizó un centenar de obras en las que aparecen principalmente animales de caza, peces y de corral. Restaurado y enmarcado de nuevo, el cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el bebé Moisés, al que su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la matanza de los niños varones israelitas (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que el pueblo israelita fuera demasiado numeroso y se rebelara contra la esclavitud), es encontrado por una sierva de la hija del mismo faraón, que decide adoptarlo y lo salva. La escena, situada a orillas del río, está ocupada en su totalidad por las figuras femeninas del séquito principesco, apiñadas y proyectadas hacia el ángulo inferior derecho, donde se encuentra la cesta con el recién nacido. Todas las miradas se dirigen también hacia el niño, en la dirección indicada por el brazo extendido de la mujer del primer plano derecho. Destaca la redondez de las formas femeninas, especialmente de las tres figuras del primer plano, donde los juegos de luces y sombras resaltan las complexiones que emergen de los ropajes. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta enmarcado.

Óleo sobre lienzo. Escuela emiliana de los siglos XVII-XVIII. Se trata de una copia temprana de la célebre tabla de Correggio titulada La Madonna di San Girolamo o Il Giorno (La Virgen de San Jerónimo o El Día), fechada hacia 1528 y conservada en la Galería Nacional de Parma. El tema de la representación es la presentación de San Jerónimo a Jesús de la traducción de la Biblia del hebreo al latín popular, obra que el santo realizó a petición del papa Dámaso y que completó ocultándose en soledad en la cueva de Belén. En el cuadro, la centralidad de la escena la ocupa María sentada con el Niño Jesús en brazos. A su alrededor, varias figuras se disponen en semicírculo. A la izquierda, la poderosa figura del anciano Jerónimo, que mira al Niño con el rollo de la traducción en la mano, y el león, su compañero ermitaño, agazapado a sus pies. En el mismo lado, un ángel sostiene la Biblia y se dirige sonriente a la Virgen y al Niño. En el otro lado, Magdalena está semiacostada, abrazando cariñosamente el pie del niño, que a su vez le acaricia el pelo, en un gesto íntimo que subraya el intenso vínculo entre las dos figuras. Detrás de Magdalena, un angelito arruga la nariz olfateando el frasco de ungüentos de la santa penitente. La escena se desarrolla bajo una cortina roja, abierta a un amplio paisaje. El cuadro de Correggio tuvo tanto éxito que existen numerosas copias y réplicas antiguas, entre ellas la que aquí se presenta. La obra, restaurada y retocada, se presenta en un marco antiguo coetáneo.

Óleo sobre lienzo. La escena narra el episodio bíblico del libro del Éxodo en el que el niño Moisés, al que su madre había confiado al río dentro de una cesta para salvarlo de la matanza de los niños varones israelitas (ordenada por el faraón de Egipto para evitar que el pueblo israelita fuera demasiado numeroso y se rebelara contra la esclavitud), es encontrado por una sierva de la hija del mismo faraón, que decide adoptarlo y lo salva. La escena se desarrolla a orillas de un río, pero en un paisaje que no es oriental, con estructuras arquitectónicas a la derecha: hay numerosas figuras que representan el séquito de la princesa, colocadas en el centro con el niño en la cesta. El lienzo restaurado se aplicó sobre un bastidor moderno. Se presenta en un bastidor del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea. En la parte posterior, este monograma No.S. y cifras probables de inventario. La pintura recuerda obras de la zona austriaca. Representa una batalla entre caballeros, dominada en primer plano por el enfrentamiento entre dos de ellos. La pintura proviene de una colección histórica lombarda. Todavía en el primer lienzo y en el marco original; en la parte posterior hay parches y signos de restauraciones antiguas, y también ha sido sometida a posteriores restauraciones pictóricas y restauradoras en nuestro laboratorio. Cretto bien marcado. La pintura se presenta en un marco original y coetáneo, lacado.

Figuras con Bodegones Otoñales

Óleo sobre lienzo. En el tonel, en la esquina inferior izquierda, figura la firma de H. Sanders. La escena, ambientada al aire libre en una calle de una ciudad flamenca, con el canal al fondo a la izquierda, muestra en primer plano a una vendedora de verduras detrás de su puesto, montado con una variada composición de verduras de invierno, un bodegón compuesto de coliflor, repollo, zanahorias, mazorcas de maíz; junto a la mujer, un transeúnte que lleva un arpón le ofrece pescado, evidentemente el fruto de su pesca que quiere vender. El escenario recuerda Ámsterdam, ciudad donde nació y vivió el pintor holandés Hércules (o Herkules) Sanders, que se estableció principalmente como retratista, pero del que conocemos una escena de género en un interior, hoy en el Detroit Institute of Arts, fechada en 1647 y titulada «Mujer limpiando pescado», cuya figura femenina se asemeja mucho a la vendedora de la obra que aquí se presenta. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de estilo.

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca de los siglos XVII-XVIII. La gran escena se desarrolla en un vasto paisaje nórdico, dentro de un bosque lleno de plantas retorcidas, y a la derecha una ciudad coronada por picos rocosos. En el interior del bosque, un numeroso grupo de personajes, populares pero también de alto rango, todos con ropajes orientales, rodean a Juan el Bautista, retratado con su traje iconográfico tradicional (vestido con pieles, con su bastón coronado por la Cruz y envuelto en un rollo, un cordero a sus pies): la mirada de Juan se dirige hacia arriba, en línea con un pájaro que vuela por encima de las copas de los árboles, representación simbólica del Espíritu Santo que inspira las palabras del predicador. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX-principios del XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII. Una composición de flores abigarradas en tonos claros está colocada en un jarrón, negro como el fondo, sobre una base de mármol, de la que sólo se distingue la base, porque está recubierta de una tela también negra, de la que sólo destacan los adornos dorados dispuestos para crear un juego de curvas. A ambos lados del plano hay dos pájaros, una gran paloma a la izquierda que sostiene en el pico una pequeña rama robada a la composición, y un pájaro carpintero de cabeza roja a la derecha. En el margen izquierdo hay un paisaje, con un alto árbol curvado bajo un cielo oscuro, y una ciudad al fondo. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Prodotto in buone condizioni che presenta alcuni segni di usura. Cerchiamo di presentare le condizioni reali nel modo più completo possibile con le fotografie. Se qualche dettaglio non è chiaro nelle fotografie, prevarrà la descrizione.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. La escena, de grandes dimensiones, está repleta de figuras vestidas a la antigua usanza oriental, situadas en un paisaje nórdico, rico en vegetación y con picos montañosos en la lejanía. La mitad izquierda está ocupada principalmente por San Juan Bautista, de pie y representado según la iconografía tradicional: Está vestido con una túnica pobre hecha de pieles de animales, pero lleva alrededor un manto rojo, símbolo del martirio; en una mano sostiene el báculo en forma de cruz, alrededor del cual se enrolla el pergamino con la inscripción «Ecce Agnus Dei», símbolo de su papel de precursor y heraldo de Cristo, y a sus pies el propio cordero, víctima sacrificial y, por tanto, símbolo del sacrificio de Cristo. Con la otra mano, Juan señala a su derecha a alguien fuera del marco de la escena, pero que evidentemente es Cristo: este gesto cataliza la mirada de toda la multitud a la derecha de la escena, una multitud variada que representa diferentes géneros, clases sociales y razas, indicando la universalidad del mensaje del Bautista. La obra, previamente restaurada y retocada, presenta una pátina difusa que requiere limpieza. Se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre cobre. Escuela flamenca del siglo XVII. El cuadro, atribuido por la tradición oral a Frans Francken el Joven (1581 -1642), representa una curación milagrosa realizada por Jesús: mientras iba de camino con sus discípulos, encuentra en su camino a un hombre enfermo, probablemente de lepra, enfermedad que conllevaba el aislamiento y el destierro de la ciudad; el hombre invoca a Cristo que realiza el milagro y lo cura. El cuadro sitúa el acontecimiento en el borde izquierdo de la escena, en primer plano, donde destacan las figuras vestidas a la usanza de la época de Cristo, con colores vivos. Sin embargo, el paisaje que llena el resto de la escena es decididamente nórdico, con un río lleno de agua que fluye por un campo rico en vegetación, y una ciudad al fondo bajo cumbres montañosas. La descripción pictórica de la vegetación es minuciosa y precisa, rica y bien definida en detalles: el tronco roto del primer plano, el follaje del gran árbol situado detrás de los personajes, los pájaros que vuelan alto en el cielo, las pequeñas flores de la orilla, los matices del agua en la que se reflejan las plantas y las nubes, están pintados con un refinamiento pictórico típico de la pintura flamenca, cercano en estilo al del gran artista de Amberes. El cuadro se presenta en un marco antiguo reacondicionado.

Óleo sobre lienzo. De sabor bucólico y sereno, la escena ambientada en el campo a las afueras del pueblo que se vislumbra a la izquierda, muestra a una mujer y a su hijo que, cerca de un arroyo, esperan con su cesta del almuerzo al pastor con su rebaño. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los modos pictóricos retoman los de modelos ampliamente reproducidos, empezando por Correggio, Barocci y las numerosas versiones de Gherardo delle notti, el pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de oscuridad y luz, claroscuros. También en esta obra, la luz que irradia el Niño Jesús ilumina a las figuras que le rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra, restaurada y reencuadrada, se presenta en un marco del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Reconstrucción con una jofaina llena de flores abigarradas, un frutero con melocotones, una calabaza cortada y un jilguero picoteando granos del racimo de uvas que descansa sobre la mesa. Forma parte de esa vasta producción de naturalezas muertas compuestas que en el siglo XVIII, desprovistas de todo sentido alegórico o simbólico, tenían una finalidad puramente decorativa; representaban objetos inanimados múltiples, compuestos, llenos de vida, a menudo flanqueados por un elemento vivo, un pequeño animal como el jilguero en esta obra, que mantenía el vínculo con la vida y lo cotidiano. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Copia de Guido Reni

Óleo sobre lienzo. La obra es una de las numerosas réplicas, con algunas variantes, del famoso tema creado por el célebre pintor boloñés Guido Reni (1574 -1642) y su taller. La composición, que representa a la Virgen en oración inclinada para adorar al Niño dormido, se considera una invención de la genial vena de Reni, que, tras su gran éxito entre los coleccionistas de la época, fue retomada posteriormente por otros artistas del siglo XVII, entre los que destaca el nombre de Giovan Battista Salvi, conocido como «Il Sassoferrato». Las dos variantes más famosas de esta fascinante escena presentan a la Virgen con las manos juntas en oración, hecha suya por Salvi, o con las manos sobre el pecho, como ésta, típicamente de Reno. Otras variantes se refieren a la posición de la cabeza del Niño Jesús dormido, girada hacia arriba, como en esta versión, en lugar de reclinada hacia un lado; por último, cambian las telas del fondo. Sin embargo, la intensidad de la escena también destaca en esta réplica: ocupando la escena transversalmente está el cuerpo abandonado del niño en reposo, donde la naturaleza divina somete a la humana dormida; sobre él, inclinado en un gesto protector y al mismo tiempo contemplativo, está el cuerpo de María, expresando toda la ternura maternal pero también, en el gesto de sus manos, la adoración del misterio encarnado representado por su hijito. Los vivos colores de las telas -el cojín sobre el que yace Jesús, el cortinaje de detrás, las ropas de la Madre- resaltan la luminosidad de los tonos de la carne. Restaurado y enmarcado de nuevo, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo, aplicado sobre aglomerado en la segunda mitad del siglo XX. El cuadro retoma las formas pictóricas del siglo XVIII, con un corte decorativo. En un paisaje apacible, con una estructura arquitectónica a la derecha y el valle verde con la desembocadura del río a la izquierda, dos figuras caminan por el sendero, una mujer con su fardo de ropa y el caminante con una alforja y un bastón. La obra se presenta en estilo de crónica.

Óleo sobre lienzo. La escena representa un concierto de cámara: en el centro, el pianista; detrás, el flautista de pico; a la derecha, el director de orquesta, que escucha atentamente y mueve la mano derecha para acompañar los movimientos musicales; detrás del trío, damas y caballeros escuchan sonrientes y participativos. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un marco del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. El episodio bíblico representado se refiere a la historia de Daniel, el profeta de la corte del rey Darío el Medo que, por rezar a su Dios, fue condenado a ser arrojado al foso de los leones. Pero Dios salvó a Daniel, enviando a un ángel para que cerrara las fauces de las fieras, y el rey perdonó a Daniel haciendo que condenaran en su lugar a quienes lo habían denunciado. El tema ha sido representado varias veces en el arte, por la fascinación ligada a la historia, pero también por su sabor exótico debido a la presencia de las fieras. Destaca especialmente la versión de Rubens de 1615, en la que el profeta aparece desnudo en el foso bajo tierra, rezando fervorosamente, rodeado de una multitud de feroces leones. En cambio, la obra que aquí se presenta propone una versión centrada en el diálogo entre el profeta y el ángel, que se encuentran frente a frente, destacando con los vivos colores de sus vestiduras sobre el fondo oscuro de una prisión; sólo hay un león, agazapado mansamente a los pies del ángel, por lo que prevalece la dimensión espiritual y salvífica del acontecimiento bíblico. Según el célebre historiador del arte Maurizio Marini, especialista en Caravaggio y el arte barroco, que tuvo ocasión de contemplar el cuadro hace años, la obra podría atribuirse a Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) por sus elecciones compositivas y cromáticas. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta con un marco de listones.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. En el retrato de este caballero destaca especialmente la túnica de cámara confeccionada con un elegante tejido floral en tonos rojo ladrillo, que hace eco al color de la peluca. Casi contrasta la severidad de la pose y la mirada austera del personaje con la elegancia casi frívola de su indumentaria. El cuadro, restaurado y reencuadrado, se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Paisaje con Figuras

Óleo sobre lienzo. La composición, de grandes dimensiones, representa un paisaje con un gran árbol en el centro, cuyas escasas ramas dominan la campiña, atravesada por un curso de agua y animada por diversas figuras de personas en actividad o en reposo; una fortaleza se eleva en lo alto, a la derecha, dominando el valle. Atribuido ya a Peruzzini, de la región de Las Marcas, el cuadro se remonta sin duda a su esfera, debido a los trazos pictóricos rápidos y poco agrupados. Antonio Francesco se especializó en la pintura de paisaje, recibiendo la influencia de Salvator Rosa y de pintores paisajistas como Pietro Montanini y Pandolfo Reschi, y otras influencias le llegaron de pintores nórdicos activos en Italia, especialmente Pieter Mulier, conocido como Tempesta. En sus primeras obras ya se puede distinguir la originalidad de su pintura, dada la rapidez de su trazo y la intensidad y brillantez de sus colores. A principios de los años noventa se inicia la larga relación artística de Antonio Francesco Peruzzini con Alessandro Magnasco, tras su encuentro en Milán, donde Peruzzini se había establecido; a partir de este periodo, su pintura parece descomponerse, a través de formas que se vuelven más dinámicas y ligeras, casi fantásticas, para llegar finalmente a un estilo marcado por una creciente desintegración de las formas de la naturaleza y de su movimiento. Restaurado y reencuadrado, el cuadro se presenta en un elegante marco.

Alegorías de la Prudencia y la Justicia

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. Los dos cuadros forman parte probablemente de un grupo que representa las cuatro virtudes cardinales, a saber, la Justicia, la Prudencia, la Templanza y la Fortaleza. Las alegorías están representadas en figuras femeninas, portadoras de algunos de los símbolos atributivos a las virtudes que representan. La Justicia se reconoce por sus dos atributos más comunes, la balanza, símbolo de equidad y equilibrio, y la espada, signo del poder distributivo. La prudencia también lleva dos símbolos: un espejo, símbolo de circunspección que permite evitar las trampas del mal (permite mirar por encima del hombro) o incluso símbolo de autoconocimiento; y una serpiente, símbolo de eternidad y tiempo, pero también símbolo de prudencia (en el Evangelio Jesús dice: «Os envío como ovejas en medio de lobos; sed, pues, prudentes como serpientes y sencillos como palomas»). Los dos lienzos, previamente restaurados y repintados, están en buen estado. Se presentan en un marco antiguo de madera tallada y lacada, con algunas pequeñas faltas y desperfectos.

Óleo sobre lienzo. La vista de la costa, cerca de una ensenada rocosa por la que corren aguas torrenciales, muestra figuras en el desembarco de los barcos, listas para recibir a las embarcaciones que se acercan; a lo lejos, el perfil de la ciudad. Restaurado y retocado, el cuadro presenta manchas de suciedad generalizadas, especialmente en el cielo. Se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela italiana central de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La composición presenta un busto femenino en el centro, retratado como si se tratara de una efigie escultórica, debido a la monocromía que evoca el mármol; está rodeado por una guirnalda de flores multicolores, que se extienden desde ramas retorcidas en lo alto, mientras que un paisaje se desvanece en el fondo. Este tipo de retrato procede de una solución originada en los círculos flamencos y difundida en Italia por Daniel Seghers. Restaurado y retocado, el cuadro presenta ligeros desvanecimientos de color. Se presenta en un marco antiguo.