Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. Composición rica con cuenco lleno de flores jaspeadas, frutero con melocotones, una calabaza cortada y un jilguero que recoge los granos del racimo de uvas colocado sobre la mesa. Forma parte de esa vasta producción de naturalezas muertas compuestas que en el siglo XVIII, desprovisto de todo sentido alegórico o simbólico, tenía como finalidad puramente decorativa; tomó múltiples objetos inanimados, compuestos, vivos, a menudo flanqueados por un elemento vivo, un animal como el jilguero en esta obra, que mantenía el vínculo con la vida y la vida cotidiana. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Copia de Guido Reni

Pintura al óleo sobre lienzo. La obra es una de las numerosas réplicas, con algunas variaciones, del famoso tema creado por el famoso pintor boloñés Guido Reni (1574 -1642) y su taller. La composición, que ve a la Virgen en oración inclinada a adorar al Niño dormido, se considera una invención de la genial vena de Reni, que, tras el gran éxito entre los coleccionistas de la época, fue retomada luego por otros autores del siglo XVII. , entre los que destaca el nombre de Giovan Battista Salvi conocido como "Il Sassoferrato". Las dos variantes más famosas de esta fascinante escena ven a la Virgen con las manos juntas en oración, adoptada por Salvi, o la de las manos sobre el pecho, como esta, típicamente de Reni. Otras variaciones se refieren a la posición de la cabeza del Niño Jesús dormido, vuelta hacia arriba como en esta versión, en lugar de reclinarse hacia un lado; finalmente las telas de fondo cambian. Sin embargo, la intensidad de la escena también se destaca en esta réplica: está ocupada transversalmente por el cuerpo abandonado en reposo del niño, donde la naturaleza divina se sujeta a la humana en el sueño; sobre ella, inclinado en gesto protector y al mismo tiempo contemplativo, el cuerpo de María, que expresa toda la ternura materna pero también, en el gesto de las manos, la adoración del misterio encarnado representado por el pequeño hijo. Los colores vivos de las telas -el almohadón sobre el que está reclinado Jesús, la cortina detrás de él, los vestidos de la Madre- resaltan la luminosidad de las tonalidades de la carne. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo, aplicado sobre aglomerado en la segunda mitad del siglo XX. El cuadro retoma las formas pictóricas del siglo XVIII, con un corte decorativo. En un paisaje apacible, con una estructura arquitectónica a la derecha y el valle verde con la desembocadura del río a la izquierda, dos figuras caminan por el sendero, una mujer con su fardo de ropa y el caminante con una alforja y un bastón. La obra se presenta en estilo de crónica.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena representa un concierto de cámara: en el centro, el espinetista, detrás de él el flautista y en el lado derecho el maestro que dirige, que escucha atentamente y mueve la mano derecha para acompañar los movimientos musicales; detrás del trío, damas y caballeros escuchan sonriendo y participando. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. El episodio bíblico representado hace referencia a la historia de Daniel, el profeta de la corte del rey Darío el Medo que, por haber orado a su Dios, fue condenado a ser arrojado al foso de los leones. Pero Dios salvó a Daniel, enviando un ángel para cerrar las fauces de las bestias, y el rey perdonó a Daniel condenando a los que lo habían denunciado. El tema ha sido representado varias veces en el arte, por la fascinación ligada a la historia pero también por su sabor exótico debido a la presencia de bestias salvajes; en particular recordamos la versión de Rubens de 1615, donde el profeta es representado desnudo en el pozo subterráneo, mientras ora ardientemente, rodeado de una multitud de feroces leones. La obra que aquí se presenta propone en cambio una versión centrada en el diálogo entre el profeta y el ángel, quienes se enfrentan, destacándose con los vivos colores de sus túnicas sobre el fondo oscuro de una prisión; hay un solo león, mansamente agachado a los pies del ángel, y por eso prevalece la dimensión espiritual y salvífica del acontecimiento bíblico. Según el célebre historiador del arte Maurizio Marini, especialista en la pintura de Caravaggio y el arte barroco, que tuvo la oportunidad de contemplar el cuadro años atrás, la obra podría atribuirse a Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) por la composición y elecciones cromáticas. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta con marco de listelo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. En el retrato de este caballero destaca especialmente la bata confeccionada en un elegante tejido floral, en tonos rojo ladrillo que recuerdan el color de la peluca. La severidad de la pose y la mirada austera del personaje casi contrastan con la elegancia casi frívola de su vestimenta. El cuadro, restaurado y reasentado, se presenta en un marco de principios del siglo XX.

paisaje con figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran composición propone un paisaje con un gran árbol en el centro. para coronar con sus escasas ramas el campo de abajo, atravesado por un arroyo y animado por varias figuras de plebeyos en actividad o en reposo; en la parte superior derecha se encuentra una fortaleza, que domina el valle. Ya atribuida a Peruzzini de las Marcas, la pintura ciertamente se remonta a su círculo, debido a los trazos pictóricos rápidos y mal agregados. Antonio Francesco se especializó en pintura de paisaje, bajo la influencia de Salvator Rosa y de paisajistas como Pietro Montanini y Pandolfo Reschi, y también recibió influencias de pintores nórdicos activos en Italia, sobre todo de Pieter Mulier conocido como il Tempesta. En sus primeras obras ya se distingue la originalidad de su pintura dada una rápida redacción y un timbre cromático intenso y brillante. El largo vínculo artístico entre Antonio Francesco Peruzzini y Alessandro Magnasco comenzó a principios del siglo XX, luego de su encuentro en Milán, donde se había establecido Peruzzini; a partir de este período su pintura parece desmoronarse, a través de formas que se vuelven más dinámicas y ligeras, casi fantásticas, para finalmente llegar a un estilo marcado por una desintegración cada vez mayor de las formas de la naturaleza y su movimiento. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Alegorías de la prudencia y la justicia

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. Las dos pinturas son probablemente parte de un grupo que representa las cuatro virtudes cardinales, a saber, Justicia, Prudencia, Templanza y Fortaleza. Las alegorías están representadas en figuras femeninas, portando algunos de los símbolos atributivos de las virtudes que representan. La justicia se reconoce por los dos atributos más comunes, la balanza, símbolo de la equidad y el equilibrio, y la espada, signo del poder distributivo. La prudencia también lleva consigo dos símbolos: un espejo, símbolo de la circunspección que nos permite evitar las trampas del mal (nos permite mirar hacia atrás) o incluso un símbolo del autoconocimiento; y una serpiente, símbolo de la eternidad y del tiempo, pero también símbolo de la prudencia (en el Evangelio Jesús dice: "Os envío como ovejas en medio de lobos; sed, pues, prudentes como serpientes y sencillos como palomas"). Los dos lienzos, previamente restaurados y reasentados, se encuentran en buen estado. Se presentan en un marco antiguo de madera tallada y lacada, con pequeños desperfectos y desperfectos actuales.

Pintura al óleo sobre lienzo. El atisbo costero, cerca de una ensenada rocosa por donde fluyen aguas torrenciales, ve figuras en el desembarcadero de los barcos, listas para recibir a las embarcaciones que se acercan; a lo lejos el perfil de la ciudad. Restaurada y rebasada, la pintura presenta manchas de suciedad generalizadas especialmente en correspondencia con el cielo. Se presenta en un elegante marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana central de finales de 1600 y principios de 1700. La composición propone un busto femenino en el centro, retratado como si se tratara de una efigie escultórica, por la monocromía que evoca el mármol; está rodeado por una guirnalda de flores de colores, que se extienden desde las ramas retorcidas de arriba, mientras un paisaje se desvanece en el fondo. Este tipo de retrato procedía de una solución nacida en el ambiente flamenco y difundida en Italia por Daniel Seghers. Restaurada y rebasada, la pintura tiene ligeras gotas de color. Se presenta en un marco antiguo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVIII. El paisaje, ambientado a orillas de un ancho río, ve en el centro unas figuras de campesinos empeñados en recoger frutos de un árbol: una niña sostiene la escalera mientras el niño corta un racimo, a la izquierda otra pareja coloca los frutos recogidos en una tina Todo alrededor de una extensa campiña verde y algunas masías. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVIII. El amplio paisaje ve en el centro a un pastor que acaba de pasar con sus animales por el puente sobre el arroyo que discurre por la campiña boscosa; al fondo, siempre central, un cortijo y varias construcciones de campo. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea del siglo XVIII. Bajo un cielo azul, se representa un gran paisaje, más bien árido, con el borde de un bosque abierto a un valle rocoso, con un río que fluye entre las rocas y picos nevados al fondo; en primer término, dispersas, unas figuras de pastores con sus rebaños. En el bastidor del fondo de la obra, una cartela hace referencia a Poussin, el artista representante del clasicismo del siglo XVII cuyos métodos pictóricos inspiraron al autor del cuadro. La pintura, relineada, se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela francesa del siglo XVIII. En la base de la columna de la derecha hay una inscripción con el nombre de la mujer, 86 años el año del retrato ("Marguerite Paree agèe 86 ans en 1762"). El lienzo, con signos de restauración y rebase, presenta una fisura bastante marcada.

Descanso en la Huida a Egipto

Pintura al óleo sobre lienzo. Siglo XVIII-XIX. El tema sagrado en esta escena adquiere una connotación familiar, llena de ternura e intimidad muy terrenales: en un contexto casi exótico, que evoca un oasis en el desierto de palmeras y un manantial de agua en un paisaje árido y montañoso. José y María se sientan a descansar durante su huida a Egipto, para escapar de la persecución de Herodes; la madre sostiene con ternura al niño Jesús sobre sus rodillas, lo mira con ternura y lo envuelve, mientras José los observa complacido y relajado. Toda la escena se caracteriza por el predominio de los colores marrón-ocre, de los que sólo se diferencia el vestido de María, en sus tradicionales colores azul y rojo; al fondo, un cielo despejado con los colores de un amanecer que acaba de amanecer, con matices rosas. El lienzo se aplicó sobre un marco nuevo de mediados del siglo XX y se colocó en un marco del mismo período, que presenta algunas deficiencias.

El almuerzo de Fraticelli

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela genovesa del siglo XVIII. Dentro de una gran sala con ventanas arqueadas que dan a la calle, un grupo de frailes sentados en el suelo comparten una comida sencilla, colocada sobre un paño blanco. La escena hace referencia a la esfera de Alessandro Magnasco conocido como Lissandrino (1667-1749), artista genovés considerado uno de los pintores más originales del siglo XVIII italiano, que se distinguió en la pintura de género popular y, en particular, en la producción de escenas de la vida de capuchino o frailes Camaldolese participan en las actividades más variadas, desde el estudio en la biblioteca a la confesión, a partir del trabajo de los sacapuntas o carpinteros en los talleres convento para el recuerdo simple en torno al fuego: en estas obras se puede apreciar todo la libertad expresiva del pincel del artista. se desplaza sobre el lienzo con toques rápidos para describir las llamas, chimeneas, gatos, libros, perros, cuencos pobres, lentes, libros, pobres ropas remendadas, sillas y taburetes, en definitiva, un mundo al día toda la gestos y cosas construidas con una técnica muy especial e inconfundible, constituidos por una mezcla de colores vivos y casi todos jugados en blanco y negro, en el que unos pocos trazos, hábiles de descenso de luz para dar forma y consis tencia a las huesudas figuras de los monjes. El autor de la obra aquí propuesta ciertamente se formó en el contexto de Magnasco y se inspiró en su estilo, aunque más sosegado, sin los destellos y la libertad interpretativa, muchas veces irreverentes o irónicas, hacia las figuras de los frailes; supo retomar el juego de claroscuro, luces y sombras, que fluyen de un monocromo en tonos marrones, creando aún una obra de excelente calidad pictórica. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.