QUADRI E DIPINTI ANTICHI

Olio su tavola di pioppo. Il giovane popolano raffigurato, appartenente alla categoria dei "pitocchi" (termine usato per indicare lo stato di completa indigenza dei personaggi, frutto dell'osservazione attenta e anticonvenzionale della realtà), spalanca la bocca in un grido che, dall' espressione corrucciata del volto, sembra essere di rabbia o dolore. IL dipinto presenta lievi cadute di colore. È presentato in cornice del XIX secolo.

Olio su tavola. Il piccolo dipinto ovale propone le figure di Maria a mezzo busto che sorregge il Bambino, in piedi e gli occhi rivolti al cielo, a guardare al suo destino drammatico; anche lo sguardo della madre esprime la stessa triste consapevolezza. Il dipinto presenta tracce di restauro del colore.

Giovani Donne al Bagno 1855

Olio su tela. Firmato e datato a matita al retro sul telaio "L. G. Gaibazzi". Giovanni Gaibazzi, artista parmense che lavorò molto per la sua città e per l'imperatrice Maria Luigia di Parma, consorte di Napoleone I, si distinse per i ritratti, ma anche per soggetti sacri e per scene mitologiche. La sua pittura, di gusto romantico, è connotata da un buon disegno e da precisione cromatica. La scena presenta un gruppo di fanciulle che si bagnano in un laghetto in mezzo al folto di un bosco. Lo sfondo scuro della vegetazione fa spiccare i corpi bianco-rosati dei corpi femminili, luminosi e leggiadri nelle loro movenze. Il dipinto, in prima tela, presenta traccia di due piccole riparazioni al retro. È presentato in cornice di inizo '900.

Olio su tela. Scuola italiana del XVIII secolo. L'elegante gentiluomo si fa ritrarre con alcuni tomi appoggiati sul piano davanti a lui, sui dorsi dei quali si leggono gli autori; risalta in particolare il nome di Paolo Valcarenghi, docente presso la Facoltà di Medicina di Pavia nel XVIII secolo. L'uomo ritratto vuole quindi sottolineare la sua appartenenza al mondo della Medicina. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice ricostruita con elementi antichi e dotata sul lato superiore di faro di illuminazione, funzionante, di metà '900.

Olio su tela. Ritratto di nobiluomo che ostenta l' importante onorificenza dell' Ordine del Toson d'Oro, ordine cavalleresco istituito a Bruges nel 1431 da Filippo il Buono duca di Borgogna con il compito di diffondere la religione cattolica, e passato poi alla casa d'Asburgo e successivamente anche ai Borbone di Spagna; è considerato il più alto e importante ordine cavalleresco. Il dipinto, ritelato, è presentato in cornice del XVIII secolo, che necessita di restauro.

Scene di Vita di Corte

Le quattro incisioni sono tratte dagli affreschi realizzati da Nicolò dell'Abate per la Sala dei concerti di Palazzo Poggi a Bologna. Le scene sono state successivamente inserite nel volume "Le pitture di Pellegrino Tibaldi e di Niccolò Abbati esistenti nell'Instituto di Bologna descritte ed illustrate da Giampietro Zanotti Segretario dell'Accademia Clementina", Venezia 1756. Esse raffigurano quattro momenti conviviali della vita di corte e precisamente (da sinistra a destra): - Il gioco dei tarocchi - Il convito - Concerto con cantante accompagnata da arpa, liuto e fiato - Concerto di suonatori di viola da gamba, liuto e spinetta. Le incisioni recano in basso a sinistra il nome del pittore , a destra il nome dell' incisore Bartolomeo Crivellari, autore di numerose incisioni dai maestri bolognesi del Seicento e Settecento. Le incisioni, che necessitano di restauro, sono inserite in unica cornice lignea di fine '800.

Olio su tela. Il ritratto deriva da quello a mezza figura dipinto nel 1725 ca. da Ilario Spolverini (1657 -1734) e conservato presso La Rocca Sanvitale di Fontanellato. Antonio Farnese (1679 -1731) fu l'ottavo duca di Parma e Piacenza, nonchè l'ultimo dei Farnese, che ebbe scarse capacità politiche e amministrative e non fu in grado di occuparsi dell'amministrazione dello stato e di porre qualche riparo al suo enorme deficit finanziario; ; i suoi sudditi erano gravati da tasse dissanguatrici, mentre la corte continuava a indebitarsi con i banchieri genovesi. Il dipinto necessita di restauro per cadute di colore e due piccoli fori in basso. È presentato in cornice coeva.

Olio su tela. Scuola fiamminga del XVII secolo. Al retro è presente cartiglio da collezione. In un paesaggio collinare di rocce e macchie d'alberi, sovrastante un piccolo borgo sulla sinistra, scorre un torrente a formare una cascata spumeggiante; sulle rive alcune figure di contadini in transito o in conversazione; sulla destra spicca l'uccello dalla lunga coda, posato su un arbusto secco. Sullo sfondo, le colline sfumano nel cielo denso di nuvoloni. Il dipinto è presentato in cornice di fine '800 ridorata.

Olio su tela, applicata a tavola. Scuola veneta del XVII secolo. Il dipinto guarda ai modi di Paolo Veronese (si veda il suo dipinto conservato alla National Gallery), che fu ampiamente ripreso: è la stessa la disposizione delle figure secondo una linea obliqua ascendente che va a raggiungere sulla sinistra la sacra Famiglia, verso cui convergono tutti gli sguardi; così come simile è lo sfondo dell'arco marmoreo dietro il quale si apre un ampio paesaggio. IL dipinto è presentato in cornice dorata di fine '800.

Rebecca al Pozzo

Olio su tela. La scena racconta un episodio biblico tratto dal libro della Genesi: Eliezer, servo di Abramo, viene mandato da quest'ultimo in cerca di una moglie per il figlio Isacco. Presso un pozzo, Eliezer incontra una giovane donna, Rebecca, che gli offre un po' dell'acqua che aveva appena attinto per sé e per i suoi cammelli. Il servo interpreta questo gesto di gentilezza come un segno divino e propone proprio lei come sposa per Isacco. Soggetto ampiamente rappresentato, vede in quest'opera la figura della giovane Rebecca spiccare al centro, intenta a porgere al servo Eliezer l' otre pieno d'acqua, mentre all' intorno i servi e le serve osservano la scena. L'opera, già ritelata e restaurata, è presentata in cornice a listello.

Testa Femminile

Tempera su tavola. Il dipinto raffigura una figura femminile a mezzo busto; indossa un abito rosso sopra una tunica chiara, mentre sulla spalla destra è poggiato un drappo verde. I capelli rossi sono raccolti con una scriminatura centrale e sono in parte coperti da un copricapo candido; il viso pieno presenta un'espressione assorta: lo sguardo pensieroso, le sopracciglia arcuate e le labbra lievemente corrucciate. L'opera è una delle numerose derivazioni da un affresco andato perduto di Andrea del Sarto, realizzata nel 1522 per un tabernacolo collocato in prossimità di Porta Pinti a Firenze e di esistenza documentata fino al 1880 seppur in condizioni precarie. Tra le fonti documentarie di tale opera, in particolare il Vasari ricorda l'affresco come una "Madonna con Bambino e San Giovannino" e, assiduo frequentatore della bottega del Sarto, specifichi come il volto della Madonna abbia avuto come modello quello della moglie dell'artista, Lucrezia di Baccio della Fede. Delle numerose derivazioni, molte riproducevano fedelmente le figure e variavano lo sfondo. Qui è riprodotto solo il volto della Madonna, ma fedele nei tratti fisiognomici, nell'espressione, nell'atteggiamento alle altre copie documentate, così come è conservata la tavolozza acida, espressione del gusto manierista cinquecentesco di cui il Del Sarto si fece promotore. L'opera è presentata in cornice antica, modiicata per adattare le dimensioni. maggiori.

Olio su tela. Scuola italiana di fine '700 -inizio '800. Il paesaggio di gusto romantico vede un fiume scorrere tra rive rocciose sormontate da alberi frondosi; sulla riva, in primo piano a sinistra, due pescatori gettano la lenza in una polla d'acqua ferma creata da una piccola insenatura. Il dipinto porta sulla cornice un' etichetta attributiva a Domenico Pecchio (1693 -1760). Restaurato, è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola veneta di fine '600- inizio '700. All' interno di un grande paesaggio classico, ricco di vegetazione e con atmosfere rosate, si trova un piccolo manipolo di soldati: alcuni, a riposo sopra un roccione affacciato su un corso d'acqua, guardano uno di loro che si bagna ,dopo aver deposto l'armatura nell'acqua. La rela è stata presentata in asta Lempertz nel 2017 con attribuzione ad Andrea Locatelli (1695 -1741) e stima di 7/9 mila €; i modi pittorici dell' opera paiono peraltro più vicini a quelli di Marco Ricci (1676 -1730), ampiamente ripresi anche da altri autori dell'ambito veneto. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice dorata di fine '800.

Olio su tela. Inserita in un paesaggio classico, ricco di vegetazione, la scena rappresenta l'episodio biblico tratto dal libro della Genesi che racconta come il popolo di Israele che sta attraversando il deserto del Sinai per raggiungere la Terra promessa, si ritrovi senza acqua: Mosè invoca l'aiuto di Dio e compie il miracolo di far scaturire acqua da una roccia. Nella scena il popolo di Israele esulta e festeggia il miracolo, accorrendo a bagnarsi e dissetarsi nella pozza d'acqua evocata da Mosè, che si intravvede in piedi a sinistra del tronco secco in primo piano, simbolo dell'aridità della terra. Le fronde degli alberi mosse da un forte vento e il cielo carico di nubi scure che cominciano a squarciarsi, evocano la presenza di Dio. Le molteplici figure, rese con dettagli accurati, creano movimento e azione. Tale dipinto risulta già presentato in asta Lempertz con attribuzione a Giovanni Ghisolfi (1623 -1683), artista che sviluppò una perfetta combinazione tra passato e modernità, grazie ad un profondo interesse per il classicismo, reso però con efficace precisione prospettica nel paesaggio e grande precisione dei dettagli nelle figure. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice dorata di fine '800.

Olio su tela. Scuola francese del XVII secolo. La scena, ambientata di notte nel giardino di una villa, di cui si intravvede la facciata ornata a destra e nel quale spicca la fontana zampillante con putti, sotto un cielo buio e oscurato ulteriormente da nubi gravi, propone due figure che si intrattengono in conversazione: un anziano vestito modestamente sta ammonendo severamente un giovane seduto, riccamente abbigliato, che pare invece fare con la mano il gesto del mea culpa. La fisionomia e la gestualità dei due personaggi, insieme alla foggia degli abiti, rimanderebbero al filosofo Aristotele che fu chiamato alla corte di Macedonia per fare da precettore al giovane Alessandro, il futuro re noto poi come Alessandro Magno: secondo quanto raccontato da Plutarco nelle sue “Vite Parallele”, il giovane Alessandro fu un allievo brillante, tanto che fu iniziato anche alle dottrine aristoteliche più profonde ed esoteriche, da cui deriverebbe l'alone di mistero e profonda interiorità che traspare nell'opera qui presentata. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice in stile. Il dipinto, restaurato

Olio su tela. In alto a destra sono indicati il nome dell'uomo ritratto e la sua età, 78 anni. L'abito dell'uomo e l'atteggiamento di preghiera, davanti al Crocifisso, con in mano il libro di meditazione, lo identificano in un prelato. Il cognome Albertoni è ampiamente diffuso in Italia, in diverse casate che partirono dalla Lombardia per estendersi al parmense e poi sino a Roma. Il dipinto, restaurato e ritelato, è presentato in cornice in stile.

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII-XVIII secolo. L'opera di carattere devozionale, vede la Madonna, assisa sulle nubi e assistita da due angeli che le sorreggono le vesti, è venerata da due santi, in ginocchio ai suoi piedi: a destra la giovane donna in abiti principeschi, ai cui piedi è poggiata una corona regale, rimanda ad Elisabetta d'Ungheria; a sinistra, il santo che tiene in braccio il Bambin Gesù è identificabile in San Gaetano da Thiene. Particolare è il gioco di sguardi tra i vari personaggi, che si intrecciano insieme alle posizioni e ai gesti, a creare un movimento quasi circolare. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice antica ridorata ad inizio '900, con attuali diverse mancanze (da restaurare).

Olio su tela. Si tratta di copia d'epoca dell'omonima incisione realizzata da Annibale Carracci (1560 -1609), che ebbe immediato successo e diede vita a una serie di repliche stampate e copie dipinte. Presenta il momento della Passione in cui il Cristo viene incoronato con la corona di spine, oggetto di tortura simbolo denigratorio della sua proclamazione a Re dei Re. Compiono l'atto due figure, il soldato romano e il giudeo, che rappresentano le due genti che presero parte alla condanna a morte di Cristo. Le figure, vigorose e sanguigne quelle dei due aguzzini più pallida e inerte la vittima, creano una composizione intrecciata di corpi, con quello di Gesù centrale che congiunge gli altri due, unendoli nella responsabilità condivisa di ciò che stanno facendo; posto di traverso, Gesù ha il capo reclinato a forza a sinistra dal soldato che gli impone la corona di spine, mentre il giudeo a destra gli pone in mano la canna di bambù, sostitutiva dello scettro. La scena è dominata da colori cupi e scuri, tra i quali spicca solo il rosso vivo della veste di Cristo, simbolo della sua umanità sofferente. IL dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in bella cornice coeva, con mancanze.

Olio su tela. Scuola toscana del XVII secolo. Rampollo di un'antica stirpe longobarda di Aquino (in provincia di Frosinone), Tommaso (nato intorno al 1226) andato a Napoli per studiare, nel 1243 entrò contro il volere dei suoi parenti nell'ordine dei predicatori domenicani, ma durante il viaggio verso il settentrione fu arrestato dai suoi fratelli e per circa un anno tenuto prigioniero. Nella scena il giovane santo al centro, già vestito dell'abito domenicano, è circondato sui due lati da quattro figure riccamente vestite, appunto i parenti, tra i quali probabilmente la madre, che lo trattengono benevolmente, quasi lo abbracciano, mentre con la gestualità delle mani e gli sguardi afflitti e amorevoli tentano di convincerlo, quasi supplicandolo. Le figure sono peraltro collocate in una prigione, come indicano le sbarre alla finestrella sulla destra, a sottolineare l'azione coercitiva compiuta. Ricchi e particolareggiati sono i dettagli delle vesti dei personaggi, dai colori vivaci che contrastano con l'abito di Tommaso, plastici i movimenti propriamente di gusto barocco. Già restaurato e ritelato, il dipinto si presenta in buone condizioni, con cretto evidente. E' presentato in cornice antica rilaccata e ridorata.