QUADRI E DIPINTI ANTICHI

Olio su tavola di pioppo. Il giovane popolano raffigurato, appartenente alla categoria dei "pitocchi" (termine usato per indicare lo stato di completa indigenza dei personaggi, frutto dell'osservazione attenta e anticonvenzionale della realtà), rivela uno spiccato strabismo, che trasforma l'espressione ridente in una smorfia divertita. Il dipinto presenta tracce di piccoli restauri. È presentato in cornice del XIX secolo.

Olio su tavola di pioppo. Il giovane popolano raffigurato, appartenente alla categoria dei "pitocchi" (termine usato per indicare lo stato di completa indigenza dei personaggi, frutto dell'osservazione attenta e anticonvenzionale della realtà), spalanca la bocca in un grido che, dall' espressione corrucciata del volto, sembra essere di rabbia o dolore. IL dipinto presenta lievi cadute di colore. È presentato in cornice del XIX secolo.

Giovani Donne al Bagno 1855

Olio su tela. Firmato e datato a matita al retro sul telaio "L. G. Gaibazzi". Giovanni Gaibazzi, artista parmense che lavorò molto per la sua città e per l'imperatrice Maria Luigia di Parma, consorte di Napoleone I, si distinse per i ritratti, ma anche per soggetti sacri e per scene mitologiche. La sua pittura, di gusto romantico, è connotata da un buon disegno e da precisione cromatica. La scena presenta un gruppo di fanciulle che si bagnano in un laghetto in mezzo al folto di un bosco. Lo sfondo scuro della vegetazione fa spiccare i corpi bianco-rosati dei corpi femminili, luminosi e leggiadri nelle loro movenze. Il dipinto, in prima tela, presenta traccia di due piccole riparazioni al retro. È presentato in cornice di inizo '900.

Olio su tela. Ritratto di nobiluomo che ostenta l' importante onorificenza dell' Ordine del Toson d'Oro, ordine cavalleresco istituito a Bruges nel 1431 da Filippo il Buono duca di Borgogna con il compito di diffondere la religione cattolica, e passato poi alla casa d'Asburgo e successivamente anche ai Borbone di Spagna; è considerato il più alto e importante ordine cavalleresco. Il dipinto, ritelato, è presentato in cornice del XVIII secolo, che necessita di restauro.

Scene di Vita di Corte

Le quattro incisioni sono tratte dagli affreschi realizzati da Nicolò dell'Abate per la Sala dei concerti di Palazzo Poggi a Bologna. Le scene sono state successivamente inserite nel volume "Le pitture di Pellegrino Tibaldi e di Niccolò Abbati esistenti nell'Instituto di Bologna descritte ed illustrate da Giampietro Zanotti Segretario dell'Accademia Clementina", Venezia 1756. Esse raffigurano quattro momenti conviviali della vita di corte e precisamente (da sinistra a destra): - Il gioco dei tarocchi - Il convito - Concerto con cantante accompagnata da arpa, liuto e fiato - Concerto di suonatori di viola da gamba, liuto e spinetta. Le incisioni recano in basso a sinistra il nome del pittore , a destra il nome dell' incisore Bartolomeo Crivellari, autore di numerose incisioni dai maestri bolognesi del Seicento e Settecento. Le incisioni, che necessitano di restauro, sono inserite in unica cornice lignea di fine '800.

Olio su tela. Scuola fiamminga del XVII secolo. Al retro è presente cartiglio da collezione. In un paesaggio collinare di rocce e macchie d'alberi, sovrastante un piccolo borgo sulla sinistra, scorre un torrente a formare una cascata spumeggiante; sulle rive alcune figure di contadini in transito o in conversazione; sulla destra spicca l'uccello dalla lunga coda, posato su un arbusto secco. Sullo sfondo, le colline sfumano nel cielo denso di nuvoloni. Il dipinto è presentato in cornice di fine '800 ridorata.

Rebecca al Pozzo

Olio su tela. La scena racconta un episodio biblico tratto dal libro della Genesi: Eliezer, servo di Abramo, viene mandato da quest'ultimo in cerca di una moglie per il figlio Isacco. Presso un pozzo, Eliezer incontra una giovane donna, Rebecca, che gli offre un po' dell'acqua che aveva appena attinto per sé e per i suoi cammelli. Il servo interpreta questo gesto di gentilezza come un segno divino e propone proprio lei come sposa per Isacco. Soggetto ampiamente rappresentato, vede in quest'opera la figura della giovane Rebecca spiccare al centro, intenta a porgere al servo Eliezer l' otre pieno d'acqua, mentre all' intorno i servi e le serve osservano la scena. L'opera, già ritelata e restaurata, è presentata in cornice a listello.

Testa Femminile

Tempera su tavola. Il dipinto raffigura una figura femminile a mezzo busto; indossa un abito rosso sopra una tunica chiara, mentre sulla spalla destra è poggiato un drappo verde. I capelli rossi sono raccolti con una scriminatura centrale e sono in parte coperti da un copricapo candido; il viso pieno presenta un'espressione assorta: lo sguardo pensieroso, le sopracciglia arcuate e le labbra lievemente corrucciate. L'opera è una delle numerose derivazioni da un affresco andato perduto di Andrea del Sarto, realizzata nel 1522 per un tabernacolo collocato in prossimità di Porta Pinti a Firenze e di esistenza documentata fino al 1880 seppur in condizioni precarie. Tra le fonti documentarie di tale opera, in particolare il Vasari ricorda l'affresco come una "Madonna con Bambino e San Giovannino" e, assiduo frequentatore della bottega del Sarto, specifichi come il volto della Madonna abbia avuto come modello quello della moglie dell'artista, Lucrezia di Baccio della Fede. Delle numerose derivazioni, molte riproducevano fedelmente le figure e variavano lo sfondo. Qui è riprodotto solo il volto della Madonna, ma fedele nei tratti fisiognomici, nell'espressione, nell'atteggiamento alle altre copie documentate, così come è conservata la tavolozza acida, espressione del gusto manierista cinquecentesco di cui il Del Sarto si fece promotore. L'opera è presentata in cornice antica, modiicata per adattare le dimensioni. maggiori.

Olio su tela. Scuola veneta di fine '600- inizio '700. All' interno di un grande paesaggio classico, ricco di vegetazione e con atmosfere rosate, si trova un piccolo manipolo di soldati: alcuni, a riposo sopra un roccione affacciato su un corso d'acqua, guardano uno di loro che si bagna ,dopo aver deposto l'armatura nell'acqua. La rela è stata presentata in asta Lempertz nel 2017 con attribuzione ad Andrea Locatelli (1695 -1741) e stima di 7/9 mila €; i modi pittorici dell' opera paiono peraltro più vicini a quelli di Marco Ricci (1676 -1730), ampiamente ripresi anche da altri autori dell'ambito veneto. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice dorata di fine '800.

Olio su tela. Scuola francese del XVII secolo. La scena, ambientata di notte nel giardino di una villa, di cui si intravvede la facciata ornata a destra e nel quale spicca la fontana zampillante con putti, sotto un cielo buio e oscurato ulteriormente da nubi gravi, propone due figure che si intrattengono in conversazione: un anziano vestito modestamente sta ammonendo severamente un giovane seduto, riccamente abbigliato, che pare invece fare con la mano il gesto del mea culpa. La fisionomia e la gestualità dei due personaggi, insieme alla foggia degli abiti, rimanderebbero al filosofo Aristotele che fu chiamato alla corte di Macedonia per fare da precettore al giovane Alessandro, il futuro re noto poi come Alessandro Magno: secondo quanto raccontato da Plutarco nelle sue “Vite Parallele”, il giovane Alessandro fu un allievo brillante, tanto che fu iniziato anche alle dottrine aristoteliche più profonde ed esoteriche, da cui deriverebbe l'alone di mistero e profonda interiorità che traspare nell'opera qui presentata. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice in stile. Il dipinto, restaurato

Olio su tela. Scuola nord-italiana del XVII-XVIII secolo. L'opera di carattere devozionale, vede la Madonna, assisa sulle nubi e assistita da due angeli che le sorreggono le vesti, è venerata da due santi, in ginocchio ai suoi piedi: a destra la giovane donna in abiti principeschi, ai cui piedi è poggiata una corona regale, rimanda ad Elisabetta d'Ungheria; a sinistra, il santo che tiene in braccio il Bambin Gesù è identificabile in San Gaetano da Thiene. Particolare è il gioco di sguardi tra i vari personaggi, che si intrecciano insieme alle posizioni e ai gesti, a creare un movimento quasi circolare. Il dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in cornice antica ridorata ad inizio '900, con attuali diverse mancanze (da restaurare).

Olio su tela. Si tratta di copia d'epoca dell'omonima incisione realizzata da Annibale Carracci (1560 -1609), che ebbe immediato successo e diede vita a una serie di repliche stampate e copie dipinte. Presenta il momento della Passione in cui il Cristo viene incoronato con la corona di spine, oggetto di tortura simbolo denigratorio della sua proclamazione a Re dei Re. Compiono l'atto due figure, il soldato romano e il giudeo, che rappresentano le due genti che presero parte alla condanna a morte di Cristo. Le figure, vigorose e sanguigne quelle dei due aguzzini più pallida e inerte la vittima, creano una composizione intrecciata di corpi, con quello di Gesù centrale che congiunge gli altri due, unendoli nella responsabilità condivisa di ciò che stanno facendo; posto di traverso, Gesù ha il capo reclinato a forza a sinistra dal soldato che gli impone la corona di spine, mentre il giudeo a destra gli pone in mano la canna di bambù, sostitutiva dello scettro. La scena è dominata da colori cupi e scuri, tra i quali spicca solo il rosso vivo della veste di Cristo, simbolo della sua umanità sofferente. IL dipinto è stato restaurato e ritelato. E' presentato in bella cornice coeva, con mancanze.

Versione ridotta da pala di Girolamo Mazzola Bedoli

Olio su tela. Scuola emiliana del XVII secolo. Tutta in prima piano, questa scena di insieme di figure sacre, che presenta i volti di Maria e Gesù Bambino al centro, contornati da San Giovannino in basso a sinistra, e tre angeli a far corona intorno. Tutti i personaggi sono lieti e sorridenti, nonostante il richiamo alla passione, dato dal bastone sormontato dalla Croce che Giovanni porge a Gesù. Il movimento dei corpi e i colori vivaci rendono la scena viva. Si tratta di una versione parziale e in orizzontale della pala omonima realizzata dal pittore manierista parmense Girolamo Mazzola Bedoli (1508?-1570) per la chiesa di San Sepolcro a Parma, sviluppata in verticale con la presenza di un paesaggio di sfondo dietro i due angeli nella parte superiore e del completamento delle figure nella parte inferiore. Il dipinto è ancora in prima tela, senza segni di restauro pregresso. Diverse sono le cadute di colore, diffuse soprattutto lungo il margine inferiore e i due laterali. E' presentato in cornice antica in legno laccato.

Olio su tela. Scuola veneta del XVII secolo. Le figure, ritratte in primo piano a mezzo busto, vedono collocata al centro Maria con in braccio il Bambin Gesù; alle loro spalle sulla sinistra San Giuseppe e sotto di lui il piccolo Giovanni Battista, vestito di pelli e con il tradizionale bastone a croce con la fascia recante la scritta "Ecce Agnus Dei". Gli sguardi di queste quattro figure sono rivolti a sinistra, ove compare Santa Caterina da Siena, riconoscibile dall'abito nero delle domenicane, e da suoi attributi iconografici, la corona di spine, le stigmate e il giglio. Gesù sta tendendo le mani verso di lei, per stipulare quel matrimonio mistico che caratterizzò la santa. Restaurato e ritelato, il dipinto presenta diffuse piccole cadute di olore. E' presentato in cornice del XIX secolo riadattata.

Olio su tela. Ritratto di un nobiluomo, fiero con la mano posata sull' elsa della spada e vestito di un manto bordato di ermellino. In alto a destra compare lo stemma della sua casata, che vede un leone rampante rosso coronato e impugnate una spada; di traverso una fascia con tre gruppi di palle disposte a fiore. Un leone rampante simile a questo si ritrova nello stemma di alcune città del centro-Italia, quali Faenza. Restaurato e ritelato, il dpinto è presentato in cornice coeva in legno intagliato e laccato.

Olio su tela. La scena è ambientata all' interno di un palazzo marmoreo, con archi e volte; le numerose figure occupano lo spazio in un gioco di corpi che si intrecciano e sguardi che si incrociano. Al centro la Vergine Maria solleva il Bambin Gesù per mostrarlo ai visitatori; alle sue spalle a destra Giuseppe vigila attento, mentre in alto volteggia un angioletto recante il cartiglio con il Gloria. Sulla sinistra il gruppo dei tre re venuti dall' Oriente, omaggianti il Bambino, e alle loro spalle i servitori curiosi che osservano e indicano. Risaltano i colori vivaci e luminosi. Restaurato e ritelato, il dipinto è presentato in cornice di fine '800 ridorata.

Olio su tela. Di grande formato e sagoma ottagonale, la tela presenta un paesaggio inscritto in una cornice dipinta con fregi, rientrando nella categoria della pittura settecentesca concepita a scopo d'arredo. La scena è ambientata presso un fiume, sulla cui riva si innalzano rovine architettoniche di strutture classicheggianti, che svettano maestose sulle figurine di personaggi popolari animanti la scena. Il dipinto, già restaurto e ritelato, presenta diversi piccoli buchi, cadute di colore e macchie diffuse.

Olio su tela. Di grande formato e sagoma ottagonale, la tela presenta un paesaggio inscritto in una cornice dipinta con fregi, rientrando nella categoria della pittura settecentesca concepita a scopo d'arredo. Il paesaggio vede sulla sinistra delle rocce brulle da cui sgorga una cascatella, mentre sulla destra le rovine di una struttura architettonica, davanti alla quale conversano due donne in abiti tradizionali popolari. La tela , già in passato restaurata e ritelata, presenta diffusamente piccoli buchi , cadute di colore e macchie. La tela rientra nella categoria dei dipiti del '700 da arredamento