Pintura de Guido Cinotti - paisaje de invierno

Castillo de Tarasp 1960

Óleo sobre cartón. Firmado y fechado abajo a la derecha. El artista de origen romano Cesare Maggi se consagró como paisajista puntillista, retratando paisajes alpinos de la Engadina y del Valle de Aosta, a menudo animados por la inclusión de figuras y animales. Tras trabar amistad con el pintor Giacomo Grosso en Turín en 1901, se orientó con éxito hacia el género del retrato, dejando de lado la técnica puntillista. Si bien seguía prefiriendo las vistas de alta montaña, amplió sus temas al participar también en paisajes marinos y naturalezas muertas. Aquí está la vista cubierta de nieve del castillo de Tarasp, una fortaleza del siglo XI en la Baja Engadina de Suiza. Se trata de una obra tardía del artista, que, sin embargo, permaneció hasta el final ligado a su tema favorito, el paisaje alpino, a pesar de haber abandonado ya la técnica puntillista de su primera época. La obra se presenta en un marco de época.

Paisaje de Montaña

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El pintor milanés Gino Federici se especializó en vistas alpinas, como en esta vista, donde en primer plano un rebaño de ovejas bebe agua de un arroyo, en el amplio valle, bajo picos escarpados. La pintura se presenta en un marco contemporáneo. Presenta signos de restauración anterior.

cabañas de montaña

Óleo sobre la mesa. firmado abajo a la derecha. Mario Moretti Foggia vivió y trabajó hasta su muerte en Macugnaga, el pueblo de montaña del valle de Ossola que a menudo representa en sus obras, ofreciendo a menudo vislumbres de refugios de montaña en los valles, como en esta obra. Formado en la escuela de Tallone, Moretti Foggia fue predominantemente un pintor paisajista, que proponía vistas realistas caracterizadas por una paleta cromática muy luminosa y matérica. La obra se presenta en un marco de época.

Figura en reposo 1969

Lápiz sobre papel. Firmado abajo a la derecha. Acompañado de fotoautenticación del Archivo Mario Tozzi. En la extensa producción del maestro Tozzi abundan los dibujos, como este que aquí se presenta, realizados con distintas técnicas (tinta, pastel, lápiz, sanguina), dedicados a la figura humana: en su estilo seco y estilizado, Mario Tozzi delinea estilizados, refinados figurillas en su geometría silenciosa y discreta, favorecida por la ausencia de color, que realza las formas sobre el papel blanco.Incluso en su producción pictórica, los temas favoritos de Mario Tozzi son, clásicamente, las figuras y los bodegones, pero tanto las figuras como la muerte son un conjunto de elementos geométricos sólidos, la esfera, el cilindro, el cono, etc. Los cuerpos son elementales, esenciales en las líneas y detalles, poderosos, escultóricos, compuestos de sólidos recién modelados, mientras que las naturalezas muertas son una celebración de la geometría euclidiana como los jarros, cuencos, frascos que son paradigmas de volumen y rigor geométrico. Las composiciones de Mario Tozzi están influenciadas por el Cubismo para ciertos cortes, por la Metafísica por ciertas inserciones arquitectónicas y por el Abstractismo por la inserción de figuras geométricas. La obra se presenta en un marco.

Sur le Canapé d'Argent Pale 1911

Litografía en color sobre papel vitela. El título en la parte inferior izquierda. En el passepartout el nombre y la frase "original lithographie". Se trata del planche n.10 de la serie "Amour", creada en 1899 por el artista francés e inspirada en los poemas de amor que Denis escribió para su futura esposa, Marthe Meurier. Se realizaron algunas réplicas de la serie inicial, de las cuales la sobre papel de seda datada en 1911. Maurice Denis, pintor francés, se formó artísticamente en coincidencia con el nacimiento del movimiento simbolista que lo marcó fuertemente, imponiéndose por su sencillez y por su filosofía de un arte que era síntesis entre el mundo exterior y la espiritualidad del artista. En sus primeras obras, el estilo pictórico fue naturalista y neoimpresionista, pero con el tiempo tendió hacia un decorativismo puro, caracterizado por zonas de color plano y contornos claros. En 1888, en la Julian Academy de París, Maurice Denis fundó con Paul Sérusier, Pierre Bonnard y Paul Ranson, el grupo de pintores Nabis (Profetas), grupo que se inspiraba en las obras y poéticas de Paul Gauguin en sus ideales estéticos. por la superación del naturalismo impresionista a través de un retorno al arte primitivo y japonés. De las reuniones de los Nabis, generalmente celebradas en la redacción de la revista "Revue Blanche" o en la Academia Ranson, Denis apreciaba especialmente el clima místico, la jerga esotérica y el apodo que cada pintor recibía del grupo: Denis era llamado "el Nabi por las bonitas fotos". Así como "Nabi" Maurice Denis pintaba cuadros íntimos, enigmáticos y los temas de su pintura, de carácter religioso o situaciones de la vida cotidiana, eran llevados a una dimensión ideal e irreal, en una atmósfera de cálida y serena intimidad, obtenida con una extremada característica delicada. Una constante en su vida fue la profesión de fe católica, que siempre tuvo para él un papel prioritario. Recibió numerosos encargos para la decoración de iglesias y esto le hizo volver a la gran tradición de la pintura mural realizando solemnes frescos de estructura monumental, inspirados en un catolicismo literario. El fervor religioso llevó a Maurice Denis a fundar, en 1919, los Ateliers d'Art Sacré, dedicando mucho tiempo a la oración, tanto que se convirtió en el terciario de San Domenico, sin aislarlo del mundo, por lo que participó en la vida social de la época. Además de su vasta producción como pintor, Denis fue un gran dibujante e ilustrador. Hasta su muerte, Maurice Denis siguió pintando en una interpretación moderna de la gran pintura antigua, apoyado en su fuerte vena artística, alimentado continuamente por sus viajes, muchos de ellos en Italia, que lo llevaron a entrar en contacto directo con los prerrafaelitas. y los neoclásicos.

Paisaje con Sol

Fresco sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. Más firma y técnica en la espalda. Situada en el naturalismo informal emiliano, la pintura de Bruno Saetti se distingue por un significativo amor por la materia pictórica, rica y consistente, pastosa y fermentante, pero también abierta a las modulaciones de la vibración luminosa. Su serie de "frescos" con el Sol como tema dominante es rica, como en esta obra, que presenta un gran sol luminoso brillando sobre un fondo rojo ladrillo, sobre un paisaje indefinido, donde sólo se reconoce una basílica en la parte superior derecha. . Si el origen emiliano de Saetti se hace evidente en los tonos cálidos de los ladrillos rojos y en el sabor muy peculiar del material (el fresco favorito), por otra parte se reconoce la contaminación veneciana (Saetti vivió durante mucho tiempo en Venecia) en su deteniéndose en el color, en sus vibraciones luminosas, en la sensación de asombro atónito del espacio. La obra se presenta en un marco.

figuras femeninas

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La producción artística de Mino Maccari está orientada principalmente a la sátira social y política, expresada sobre todo a través del dibujo; es más, nunca se posicionó como un juez de las costumbres italianas, sino más bien como un cronista divertido y divertido de los vicios y debilidades de la sociedad. En su producción pictórica, aunque no se desvía excesivamente de los temas de sus dibujos, acentúa más el aspecto fantástico: con pinceladas rápidas y decididas y colores brillantes, a menudo violentos, caracteriza figuras casi irreales o más bien caricaturescas. La obra se presenta en un marco.

San Jorge 1992

Aceite en la mesa. Firmado abajo a la derecha. En el reverso en cirílico está el título, la fecha y la ubicación en Bérgamo. El artista lituano, que actualmente vive y trabaja entre Moscú, Italia y Reino Unido, es considerado uno de los artistas rusos contemporáneos más importantes. En su gran producción hay paisajes, naturalezas muertas, muchos retratos de personajes famosos y sus composiciones surrealistas, expresión de su peculiar "visión onírica" de la realidad. También en esta tabla, aunque al estilo de los iconos tradicionales, se propone la representación del famoso San Jorge en clave surrealista que remite a De Chirico, donde se sustituye un ganso por el dragón, la cabeza del santo es un huevo, en esbozar no son figuras de brujas ..... una interpretación claramente poco ortodoxo! El tablero tiene una hendidura vertical. La obra se presenta en un marco.

Témpera, lápiz y carboncillo sobre papel. Firmado en la parte posterior. El dibujo se encuentra registrado en el Archivo Fausto con el código DIS 84020. Fausto Melotti fue un artista polifacético y muy prolífico y es casi imposible vincular su producción a una determinada técnica o tema, sin brindar sólo una visión parcial de su visión artística. Los rasgos sobresalientes que son constantes en Melotti son la geometría, el estudio de la abstracción, que lo lleva a utilizar elementos realistas pero no científicamente precisos, y la disposición de los elementos para que recuerden un ritmo musical, detalle que remite a su formación como músico. Escultor, pintor, músico, poeta, realizó numerosos dibujos de diseño para sus obras. Dibujar representó para él un ejercicio fundamental, transfundir el rasgo gráfico original de las hojas de papel a las esculturas y cerámicas. Las esculturas por las que es más conocido están formadas por elementos geométricos elaborados con metales (latón, hierro y oro) trabajados en finos filamentos, dando vida a composiciones etéreas, ingrávidas y casi frágiles. La obra se presenta en un marco.

Composición con Pan y Tomates

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. En la parte trasera lleva el sello del artista en el marco. La pintura de De Bernardi se inscribe en la tradición paisajística lombarda del siglo XIX y XX. Vivió siempre en Besozzo, su ciudad natal en la provincia de Varese, pero viajó mucho, dentro y fuera de Italia, recogiendo impresiones y buscando nuevos paisajes para revivirlos en su obra. Prefería la producción paisajística, aunque expresada con un estilo cambiante en sus distintas fases pictóricas. No faltan los bodegones en su producción, que se remonta principalmente a los años 40, composiciones escrupulosamente diseñadas destinadas a abordar los problemas de la luz y la profundidad atmosférica con agilidad y frescura, como en esta presentación de unos panes y tomates sobre una mesa rústica. Restaurada y revestida, la pintura se presenta enmarcada.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa de principios del siglo XX. Firma no identificada abajo a la derecha. El paisaje representa un atisbo de paisaje inculto, con manchas de vegetación, prados llenos de brezos, atravesado por un camino que se dirige hacia las colinas cercanas, pasando junto a una cuadra. La obra tiene un pequeño corte en la parte superior central. Se presenta en un marco.

Las Alegrías de la Madre

Óleo sobre lienzo. Principios de 1900. El cuadro recuerda con bastante detalle la obra del mismo nombre pintada hacia 1866. del pintor emiliano Gaetano Chierici, artista que se consagró por una gran producción de escenas de la vida campesina, plasmadas en interiores rústicos, interpretadas a través de una íntima adhesión sentimental y un claro realismo formal, que hablan de un pequeño mundo feliz y siempre serena, incluso a menudo alegre a pesar de la pobreza, porque carece de cualquier intención de denuncia social, sino que representa el concepto feliz de familia que tenía el artista. Estos cuadros suyos tuvieron tanto éxito entre la burguesía de la época que fueron reproducidos varias veces en el propio taller del artista y posteriormente también en otros pintores. Chierici casi siempre ambienta la escena en el interior de una humilde cocina campesina, llena de objetos descritos hasta el más mínimo detalle, poblada por niños absortos en sus actividades cotidianas, mientras los adultos los miran felices y divertidos: en esta escena ambientada en un lugar pobre, un Mujer sentada hilando, sonriente y tiernamente divertida, mira a sus dos pequeños hijos, el mayor que, de pie, le roba el chupete al pequeño que yace en el suelo sobre una cama de mantas, que extiende sus manitas hacia su objeto. de placer. La obra, primer lienzo, se presenta en un marco de madera tallada y dorada de finales del siglo XIX.