Dibujo a bolígrafo de Mario Tozzi - Figura en reposo 1969

Alegoría

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El gran cuadro presenta dos figuras: a la derecha un hombre sentado a una mesa, vestido con un batín rojo, con expresión triste y concentrada, juega con sus manos con unas flores arruinadas, provenientes de la composición en su cabeza; a la izquierda está el Cristo de la Pasión, coronado de espinas, con un manto gris sobre los hombros. Detrás del hombre sentado, un cielo plomizo en el que, sin embargo, se abre un atisbo de luz. El cuadro probablemente pretende alegóricamente representar el final doloroso y doloroso de la vida de una persona, que experimenta la misma Pasión que Cristo, pero que anhela una vida nueva y luminosa. La obra se presenta en un marco.

Paisaje de Montaña

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. El pintor milanés Gino Federici se especializó en vistas alpinas, como en esta vista, donde en primer plano un rebaño de ovejas bebe agua de un arroyo, en el amplio valle, bajo picos escarpados. La pintura se presenta en un marco contemporáneo. Presenta signos de restauración anterior.

Técnica mixta sobre lienzo. La gran escena, pintada en la única gama de rojo-rosa, ve dos grandes figuras a la derecha, mientras que todo el lado izquierdo está ocupado por un paisaje desértico, con las olas de las dunas desapareciendo en la distancia. Las dos figuras representan a un caballero sentado, con turbante y vestido sarraceno, siendo refrescado por una muchacha con traje occidental, que le entrega una bandeja cargada de comida, mientras que en la superficie subyacente hay una palangana con agua, mazorcas de maíz y varias frutas. Podría ser una de las tantas representaciones de la historia de Angélica y Medoro, contada por Ariosto en Orlando furioso, que narra el amor entre la muchacha cristiana y el soldado de infantería sarraceno herido en una batalla, que luego huyeron juntos a Catay. desatando así la locura de Orlando. La obra se presenta en un marco.

San Jorge 1992

Aceite en la mesa. Firmado abajo a la derecha. En el reverso en cirílico está el título, la fecha y la ubicación en Bérgamo. El artista lituano, que actualmente vive y trabaja entre Moscú, Italia y Reino Unido, es considerado uno de los artistas rusos contemporáneos más importantes. En su gran producción hay paisajes, naturalezas muertas, muchos retratos de personajes famosos y sus composiciones surrealistas, expresión de su peculiar "visión onírica" de la realidad. También en esta tabla, aunque al estilo de los iconos tradicionales, se propone la representación del famoso San Jorge en clave surrealista que remite a De Chirico, donde se sustituye un ganso por el dragón, la cabeza del santo es un huevo, en esbozar no son figuras de brujas ..... una interpretación claramente poco ortodoxo! El tablero tiene una hendidura vertical. La obra se presenta en un marco.

Platón y Aristóteles

Técnica mixta sobre lienzo. Firma, título, fecha y dedicatoria al reverso. Paolo Baratella, artista de Ferrara recientemente fallecido, desarrolló su arte componiendo amplios ciclos pictóricos inspirados en temas contemporáneos; disponemos pues de series de obras suyas reunidas bajo títulos significativos. Desde mediados de los años 1980 y entrando los años 2000, sus aparatos escenográficos se enriquecieron con referencias iconográficas culturales, pictóricas y literales. En particular, Baratella presta mayor atención a la iconografía del arte, la filosofía y la historia. En esta obra, el artista presenta los retratos de los dos grandes filósofos griegos (tomados de sus representaciones clásicas tradicionales) y los matiza en un marco de colores rosa y azul. Los dos lienzos individuales están colocados uno al lado del otro dentro de un marco de madera trabajada, en cuyos dos travesaños horizontales están grabadas las palabras "Timeo", obra escrita por Platón, y "Ética", tema recurrente de la filosofía aristotélica.

Chica en sillón

Escultura de terracota. Firmado abajo a la derecha. Marco Cornini, artista milanés formado en la Academia de Brera, trabaja principalmente con terracota, con la que crea figuras humanas, tanto masculinas como femeninas, hombres y mujeres, o mejor aún, niños y niñas de más o menos la misma generación, en momentos de su intimidad, muchas veces de pareja pero también individualmente, con valores sentimentales, eróticos y pasionales. Aquí vemos a una mujer desnuda sentada en un sillón de una habitación, en actitud de íntima desesperación.

Sin Título 1958

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la derecha. La obra, de fuerte impacto emocional, propone un fondo violeta casi monocromático, en el que se intercalan unos trazos en blanco y negro para definir una silueta acurrucada a la izquierda, quizás una forma humana, recogida y cerrada sobre sí misma. Nacido en 1934 en Viareggio, donde aún vive, el pintor y escultor Mario Francesconi es considerado uno de los pocos supervivientes del dadaísmo, que desde finales de la década de 1950 atraviesa las estaciones del arte italiano y europeo en una búsqueda claramente personal de formas y técnicas. A partir de su primera exposición individual en 1959, desarrolla un camino artístico que pasa por diferentes fases, a menudo atribuibles a una pasión por los materiales pobres y reciclados. Su actividad artística se mueve entre las áreas de la pintura, la escultura, el collage y la instalación y bordea las áreas adyacentes de la poesía y la literatura, también gracias a amistades y relaciones profesionales con algunas de las figuras más significativas del mundo intelectual italiano de la segunda mitad. del siglo pasado, de Emilio Villa a Cesare Garboli, de Leonardo Sciascia a Mario Luzi, de Cesare Zavattini a Pier Paolo Pasolini, de Alfonso Gatto a Sandro Penna a Venturino Venturi. La obra se presenta en un marco.

Tableau doré

Técnica mixta sobre contrachapado (pintura y láminas de papel plateado). Al dorso, auténtico con sello y firma de la hermana del artista. La obra pertenece a la serie Tableaux dorés, obras creadas por el artista milanés Remo Bianco a partir de la década de 1950. Nacido y educado en Milán, Remo Bianco fue alumno de De Pisis, en cuyo estudio frecuentó a los grandes artistas italianos del siglo XX (Carrà, Sironi, Savinio, Soffici, Soldati, Marini, Cantatore). Tras el interludio de la guerra (alistado, hundido con su barco y hecho prisionero en Túnez), retomó su actividad artística en Milán, participando en el Movimiento Nuclear y el Espacialismo, llegando a desligarse por completo de la pintura figurativa para crear obras hechas de pinceladas de puré de patata. A principios de los años cincuenta comenzó a crear obras, pictóricas y escultóricas, con diferentes materiales ya experimentar con diferentes temas y técnicas; a esta producción pertenecen los Tableaux dorés, compuestos por láminas de aluminio plateadas o doradas sobre bases pintadas. La obra se presenta en un marco.

El nacimiento de Venus 1935

Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la izquierda en el lienzo del lado izquierdo. La gran composición está formada por tres lienzos separados, el central desarrollado verticalmente (dimensiones 220 x 128 cm) y redondeado en el margen superior, los dos laterales desarrollados horizontalmente y perfilados en las esquinas (dimensiones 150 x 328 cm). El lienzo central está dominado por la figura de Venus, que emerge desnuda de la espuma del mar, con un brazo levantado para cubrirse los ojos y protegerse de la luz del amanecer; En los dos lienzos laterales, un grupo de tritones, sirenas, ninfas y monstruos marinos, liderados por el dios Poseidón, reconocible a la izquierda por el tridente que sostiene, presencian el acontecimiento con asombro y gozosa exultación. Las figuras destacan sobre el fondo del mar y el cielo, fusionados en un continuo luminoso de matices azules, en el que se cuela la luz rosada del amanecer, iluminando la escena. Formado en la escuela de Cesare Tallone, Brignoli aprendió de él el naturalismo derivado de la tradición veneciana, la observación de la naturaleza, la pincelada decidida, los fuertes contrastes de luz. Además, después de varios viajes a África, a partir de 1922, Brignoli se acercó a la pintura orientalista, pero rechazó las formas de retórica exótica, para revivir en cambio el nuevo tema con una cuidadosa investigación de los colores y los efectos de la luz en el paisaje. Esta obra, perteneciente al periodo ya “africano” del artista, está influenciada por esta impronta, en las elecciones cromáticas brillantes y claras. Por sus dimensiones y la composición de los tres lienzos tiene un gran impacto escenográfico: procedente de una gran villa de Brescia, donde estaba expuesta en la imponente escalera, probablemente fue concebida y creada específicamente como elemento decorativo a medida. Los lienzos se presentan en marcos dorados contemporáneos, faltando algunas partes.

Escena Pastoral con Santo y Cordero

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. En este gran cuadro, una joven aureolada rodea el cuello de un cordero con una corona de flores; las dos figuras están situadas en un prado lleno de arbustos en flor, que forma parte de una llanura verde que se extiende hasta las cumbres de las montañas lejanas. La muchacha, completamente vestida de rojo, lleva una aureola en la cabeza: este símbolo y la presencia del cordero remiten a Santa Inés, tradicionalmente representada con este animal símbolo de pureza; el rojo del vestido puede indicar el martirio de la joven. Es el entorno paisajístico lo que hace especial e insólita la representación de la santa, que se convierte en el elemento central del gran paisaje. Giovanni Buffa, pintor, escultor y decorador activo en Milán, se dio a conocer sobre todo por sus vidrieras, que realizaba solo o en colaboración con la famosa firma Beltrami & C. - Vetrate artistiche, protagonista casi absoluto de la más breve temporada del Art Nouveau nacional en este sector, se especializó en la ejecución de vidrieras de carácter tanto sagrado como profano. Buffa contribuyó en particular realizando cartones preparatorios para numerosas vidrieras de la catedral de Milán y de otras iglesias nacionales. Su producción pictórica incluye varios retratos de personajes principalmente milaneses, pero también algunas escenas de género en escenarios exteriores, urbanos o naturalistas.

paisaje con figuras

Óleo sobre lienzo aplicado al panel. Firmado abajo a la izquierda. En el reverso hay un cartucho con autenticación pericial fechado en 1944 y firmado por un crítico de arte milanés. En la vasta llanura, verde pero con pocos árboles, que recuerda las llanuras lombardas, dos agricultores trabajan cerca de un estanque, cerca de su granja; Al fondo se vislumbran los picos de la cadena alpina. El tema se inscribe en la fuerte producción naturalista del pintor, que nació en Módena pero creció artísticamente en Milán y sus alrededores, lugares que fueron temas frecuentes de su producción paisajística. La pintura se presenta en un marco de época.

Estudio de la Figura 1943

Carboncillo sobre papel blanco rugoso. En la parte inferior derecha las iniciales del artista y la fecha 9-V-943. En el reverso lleva una etiqueta de papel con los datos de la obra. Se trata de un boceto preparatorio de una figura de la composición "Las bodas de Caná", creada el mismo año. Pintor, maestro de arte, exponente de la pintura figurativa italiana del siglo XX, además de militante antifascista (era partidista), Augusto Colombo durante los años de la Segunda Guerra Mundial ejecutó una serie de obras que representan los horrores de la guerra, pero también diversos temas sagrados. En Colombo el rechazo a la tradición postimpresionista fue total, pues diseñó cada cuadro como una historia, construida a partir de la composición de gestos y detalles, pero sin perder la síntesis. Su elección estilística favoreció la gran composición, donde la arquitectura humana construye gradualmente la arquitectura más amplia de la historia. El boceto aquí propuesto subraya el vigor de las figuras pintadas por Augusto Colombo, donde la estructura física subraya y resalta el gesto. El dibujo se presenta en un marco.