Tableau de Giacomo Micheroux Huile sur Toile Four à Pain XIXe Siècle - Paysage avec Figures et Four à Pain

Tableau Ancien Alexandre le Grand Technique Mixte XIXe Siècle

Technique mixte (crayon, plume, encre brune et craie blanche) sur papier. École italienne du début du XIXème siècle. La scène représente la rencontre entre un grand prêtre et un chef : s'il est suivi par toute son armée, avec des soldats sinistres et armés de différents grades, le prêtre est suivi par tout le peuple qui loue le vainqueur, tandis que deux jeunes femmes sur leur à genoux, ils offrent des couronnes de fleurs. Derrière la scène, les puissants murs avec la porte d'entrée d'une ville, vers laquelle le prêtre montre du doigt, presque comme s'il la remettait au chef. L'habillement du prêtre, notamment la présence du pectoral dit « Décision » qu'il porte, fait référence à un prêtre israélite, et donc la ville pourrait être Jérusalem ; en revanche, les vêtements du chef victorieux, avec le casque surmonté de deux chevaux, font référence à Alexandre le Grand, qui conquit la ville en 332 av. Le dessin est présenté dans un cadre en bois sculpté de la fin du XIXème siècle.

Tableau Ancien Ludovico il Moro Technique Mixte XIXe Siècle

Les adieux de Ludovico le Moro à sa femme..

Technique mixte (crayon, plume, encre brune et craie blanche) sur papier. École italienne du début du XIXème siècle. Ludovico Maria Sforza pleure sur la tombe de sa jeune épouse Béatrice d'Este (1475 -1497) ; autour de lui les frères de Santa Maria delle Grazie et à sa gauche Bramante et Leonardo. Sur le petit côté du dais en marbre du tombeau se trouvent les armoiries des Sforza, avec deux serpents et deux aigles. Il Moro a été profondément ébranlé par la mort prématurée en couches de sa très jeune épouse Béatrice, sa compagne dans sa vie privée mais aussi politique, ainsi que celle de son mari, mécène des génies artistiques de leur cour, comme Léonard de Vinci. et Bramante, auteurs de nombreuses œuvres picturales et architecturales de la cour Visconti-Sforza. Différentes versions de cet épisode sont connues, notamment à partir du XIXe siècle, depuis celle de 1815 de Giovanni Battista Cigola à la Pinacothèque Ambrosiana, jusqu'à celle d'Alessandro Reati vers 1850. Le tableau est présenté dans un cadre en bois sculpté de la fin du XIXème siècle.

Grande Tapisserie Ancienne avec Sujét Mythologique XIXe-XXe Siècle

Les Neuf Muses

Tapisserie. Le mot Euterp apparaît en bas à droite. L'énorme jus d'herbe représente les neuf Muses, divinités grecques féminines, toutes sœurs, filles de Zeus et de Mnémosyne, et ayant le dieu Apollon pour guide. Ils représentaient l'idéal suprême de l'Art, compris comme la vérité du « Tout » ou la « magnificence éternelle du divin ». Initialement considérées de manière générique comme des divinités du chant et des danses joyeuses, chargées de mettre en musique et en vers des histoires telles que l'origine du monde, la naissance des dieux et des hommes, les exploits de Zeus, et souvent représentées accompagnées de divers instruments de musique. , à partir de l'époque hellénistique, toutes les expressions chantées et musicales y étaient associées, y compris les expressions tristes et funéraires, ainsi que d'autres arts comme le théâtre, et chacun d'eux était associé à un genre d'art spécifique, afin qu'ils puissent être invoqués individuellement. pour exercer leur inspiration et leur protection. Le mot « Euterp » fait référence au nom de l'un d'eux, Euterpe, muse de la poésie lyrique et de la musique, traditionnellement représentée avec une flûte ; mais le nom Euterpe signifie étymologiquement « Celle qui applaudit » qui apporte la joie, et on peut donc penser que le choix de ce nom pour titrer la tapisserie fait référence à la fonction la plus ancienne des Muses, celles d'apporter la joie à travers l'art. Dans cette présentation, les muses apparaissent dansantes, vêtues de voiles et de branchages fleuris ; dans leurs mains ou placés à côté d'eux apparaissent des instruments ou autres objets symbolisant l'art qu'ils inspirent (masques de théâtre tant tragiques que comiques, palette picturale, instruments de musique divers...). Le grand tableau présente des signes d'usure et des taches d'humidité.

Tableau Ancien avec Paysage Huile sur Toile XIXe Siècle

Huile sur toile. La grande scène au sujet vériste se déroule dans un bois touffu où, près d'une source, une petite famille s'est arrêtée pour se reposer : après avoir laissé la charrette avec leurs affaires (sans cheval, donc tirée à la main !), un homme, une femme et un grand groupe d'enfants se reposent, mangent, se rafraîchissent à la source ou jouent. Un rayon de soleil filtre à travers les arbres, en haut à gauche, et éclaire le groupe de personnages au centre, en bas, les protagonistes de la scène. Le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe - début du XXe siècle.

Tableau Ancien G. Sottocornola '800 Interieur d'un Ferme Huile

Intérieur d'un Ferme

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'œuvre avait déjà été acquise lors de la vente aux enchères Sotheby's à Milan le 12/10/2007. Il a été exposé en 1991 dans l'exposition "Giovanni Sottocornola. Images d'une collection" organisée à Milan à la Galerie Silbernagl. Après une première phase picturale consacrée aux portraits et aux natures mortes, Giovanni Sottocornola aborde dans les années 1880 des thèmes sociaux, qui deviennent les sujets de prédilection des jeunes peintres lombards attentifs aux aspects les plus misérables de la société, liés à l'adoption de techniques artistiques originales. Sottocornola embrasse la pratique de la peinture pointilliste, à propos de laquelle il écrit en 1895 : « Pour l'instant, c'est certain, je suis convaincu qu'il n'y a pas d'autre tableau plus propre à transmettre certaines sensations que celui-ci ». Cependant, ce type de peinture est resté entièrement axé sur la lumière par l'artiste, sur ses vibrations tonales incertaines, comme c'est le cas dans l'Intérieur Stable, réalisé vers la fin des années 1980, où le jeu d'ombre et de lumière joue et crée les effets visuels dans les touches de couleur jouées sur quelques gammes chromatiques, celles des bruns, exprimées dans une grande multiplicité de nuances. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Nature Morte aux Fleurs Huile sur Toile Italie XVII Siècle

Huile sur toile. Dans la belle composition, on peut voir, posés sur un buffet en bois marqueté, un panier plein de cerises, dont certaines sont éparpillées sur le dessus, et une assiette pleine de groseilles rouges, mélangées avec des feuilles et quelques fleurs de cerisier. Un chardonneret repose sur l'anse du panier ; pour encadrer la composition, à droite un grand bouquet de fleurs multicolores dans un vase, à gauche un rideau rouge. Les couleurs vives des fruits, des fleurs et du rideau ressortent, tandis que le meuble de support se fond dans le fond sombre, tout comme le petit oiseau, ne se distinguant du fond sombre que par le plumage blanc des ailes et le contour rouge du les yeux. L'œuvre fait partie de la grande production émilienne du XVIIe siècle de ce type de sujet très décoratif. La peinture, restaurée et rentoilée, présente une fissure marquée et des gouttes de couleur le long des bords.

Huile sur Toile Nature Morte Italie XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté de deux grandes citrouilles et de fruits mélangés (raisins et pêches) : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Sujet Mythologique Huile sur Toile Italie XVII Siècle

Le Conte d'Apollon et de Marsyas

Huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. La grande toile dérive d'une gravure de 1562 du Vénitien Giulio Sanuto, qui a fidèlement reproduit l'œuvre homonyme de Bronzino (1503-1572), actuellement conservée à l'Ermitage ; par rapport à l'original, la gravure ajoute le groupe des Muses et modifie le fond du paysage en introduisant des vues de villages. L'œuvre est divisée en quatre scènes, qui doivent être lues de droite à gauche. La première scène représente le concours musical entre Apollon et le Silène Marsyas, qui jouait si bien de la flûte qu'il était considéré comme supérieur au même dieu ; les deux prétendants se produisent, le dieu avec la lyre et le silène avec la flûte même à l'envers (pour augmenter la difficulté de l'entreprise), devant le roi Midas et la déesse Minerve, reconnaissable à ses attributs, le casque, la lance et le bouclier. Dans la deuxième scène, Apollon a l'intention d'écorcher Marsyas, pour le punir d'avoir remporté le concours musical; s'appuyer sur le sol à côté de lui, son manteau et sa lyre. Dans la troisième scène, c'est le roi Midas qui est puni par le dieu pour lui avoir préféré Marsyas : Apollon met les oreilles de l'âne sur Midas, tandis que Minerve regarde. Enfin, la quatrième scène, au premier plan à gauche, est caractérisée par une figure particulière, identifiée chez le fidèle serviteur et barbier du roi : puisque Midas lui avait ordonné de garder le secret sur ses oreilles d'âne, ne pouvant laisser à bout de souffle sinon, il a creusé un trou dans le sol et y a crié son secret ; à cet endroit, cependant, la légende raconte qu'un buisson de roseaux a poussé qui, avec le vent, a murmuré "Le roi Midas a des oreilles d'âne", révélant ainsi le secret redouté. La peinture a été précédemment restaurée et regarnie, mais nécessite actuellement une récupération de couleur supplémentaire. Au dos au crayon il y a une ancienne attribution à l'école de Ferrara ("Ercole da Ferrara"). Il est présenté dans un cadre de style fin XIXème.

Tableau Ancien Portrait Masculin Huile sur Toile XVIIe Siècle

Huile sur toile. Il s'agit du portrait d'homme en armure, accompagné de l'inscription « Paulus Maria Castellanus LT Gare » en haut à droite. Le mot Castellanus pourrait être le nom de famille, très répandu et identifiant l'habitant d'un château, pas nécessairement le seigneur mais un membre de la famille. Le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur Toile Sujet Sacré Italie XVII-XVIII Siècle

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Dans un grand paysage vallonné plutôt aride, qui s'élargit et s'estompe vers la droite, se trouve un haut rocher, en forme d'arc, sous lequel se trouve saint Jérôme pénitent, représenté en acte de prière et d'adoration de la Croix. Conformément aux canons de la peinture des XVIIe-XVIIIe siècles, la figure du Saint, adaptée à l'iconographie dans ses vêtements et son attitude, s'insère cependant dans un paysage incohérent, proche de celui du peintre qui puisait dans la réalité paysagère connue de lui. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Tableau Ancien Sujét Sacré Huile sur Toile XVIIe Siècle

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. L'épisode sanglant du sacrifice d'Iphigénie, également raconté dans l'Iliade, trouve son origine dans la colère d'Artémis, déesse de la chasse, qui, offensée par Agamemnon pour ses vantardises de chasseur, empêcha la flotte grecque de mettre le cap sur Troie ; le devin Calchas prophétise alors que la colère de la déesse ne peut être apaisée qu'en sacrifiant la plus jeune fille du roi Agamemnon lui-même, Iphigénie, et c'est ce qui arrive. Au centre de la scène, la jeune fille est représentée prosternée au pied de l'autel sacrificiel, alors qu'elle est préparée par les prêtres selon les rituels ; dans le coin gauche, on aperçoit son père Agamemnon (avec la couronne abandonnée à ses pieds) avec sa mère Clytemnestre qui, désespérée, n'ose pas regarder. Ci-dessus, la déesse Artémis assiste à la scène, reconnaissable à la lune dans ses cheveux, à l'arc à la main et à un cerf, son animal symbolique, au pied du dais : selon une version moins violente du mythe, à au moment du sacrifice Iphigénie elle est remplacée par Artémis avec une biche, comme pourrait l'indiquer la présence de l'animal dans cette représentation. L'œuvre présentée ici dérive du tableau de Pietro Testa, publié entre 1640 et 1642 (aujourd'hui à la Galleria Spada de Rome) et de ses gravures : toute la composition des personnages en est tirée, bien que modifiée dans les vêtements, les couleurs et dans divers détails. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle, contemporain de la restauration.