Pintura de Giacomo Micheroux - Paisaje con Figuras y Horno de Pan

En el redil, 1857

Óleo sobre la mesa. Firmado y fechado en el centro del margen izquierdo. En el reverso hay una etiqueta de una exposición de arte celebrada en Sondrio en 1966 y otra de la galería de arte Martina de Turín. Eugène Verboeckhoven, artista belga, se distinguió por sus pinturas de animales, insertados en paisajes o colocados en el interior de establos. Perteneció a esa escuela de artistas que, a partir de la observación de la naturaleza, creaban composiciones estudiadas al detalle, reproducciones idealizadas de la realidad. Gracias a su destreza para representar animales, muchos artistas le solicitaron que enriquecera sus obras con algunos de sus animales y figuras. Entre 1841 y 1842 visitó Italia, Suiza y Escocia. La obra que aquí se presenta, el interior de un redil con ovejas y gallinas rascando, se presenta en un marco de época.

Técnica mixta (lápiz, bolígrafo, tinta marrón y tiza blanca) sobre papel. Escuela italiana de principios del siglo XIX. La escena representa el encuentro entre un sumo sacerdote y un líder: si a él lo sigue todo su ejército, con soldados sombríos y armados de diferentes rangos, al sacerdote lo siguen todo el pueblo que alaba al vencedor, mientras dos mujeres jóvenes a su lado De rodillas ofrecen coronas de flores. Detrás de escena, los imponentes muros con la puerta de entrada a una ciudad, hacia la que señala el sacerdote, casi como entregándosela al líder. La vestimenta del sacerdote, en particular la presencia del pectoral llamado "Decisión" que porta, hace referencia a un sacerdote israelita, y por tanto la ciudad podría ser Jerusalén; en cambio, la vestimenta del líder victorioso, con el casco coronado por dos caballos, hace referencia a Alejandro Magno, quien efectivamente conquistó la ciudad en el 332 a.C. El dibujo se presenta en un marco de madera tallada de finales del siglo XIX.

El adiós de Ludovico il Moro a su esposa.

Técnica mixta (lápiz, bolígrafo, tinta marrón y tiza blanca) sobre papel. Escuela italiana de principios del siglo XIX. Ludovico María Sforza llora ante la tumba de su joven esposa Beatrice d'Este (1475 -1497); a su alrededor los frailes de Santa Maria delle Grazie y a su izquierda Bramante y Leonardo. En el lado corto del dosel de mármol de la tumba se encuentra el escudo de armas de los Sforza, con dos serpientes y dos águilas. Il Moro quedó profundamente conmovido por la temprana muerte al dar a luz de su muy joven esposa Beatriz, su compañera en su vida privada pero también política, así como en la de su marido, mecenas de los genios artísticos de su corte, como Leonardo da Vinci. y Bramante, autores de numerosas obras pictóricas y arquitectónicas de la corte Visconti-Sforza. Se conocen varias versiones de este episodio, especialmente del siglo XIX, desde la de 1815 de Giovanni Battista Cigola en la Pinacoteca Ambrosiana, hasta la de Alessandro Reati de hacia 1850. El cuadro se presenta en un marco de madera tallada de finales del siglo XIX.

Las nueve musas

Jugo de hierba. La palabra Euterp aparece en la parte inferior derecha. El enorme jugo de hierba representa a las nueve Musas, divinidades femeninas griegas, todas hermanas, como hijas de Zeus y Mnemosyne, y teniendo como guía al dios Apolo. Representaban el ideal supremo del Arte, entendido como la verdad del "Todo" o la "eterna magnificencia de lo divino". Inicialmente consideradas de forma genérica como divinidades del canto y de las danzas alegres, encargadas de poner en música y en verso historias como el origen del mundo, el nacimiento de los dioses y de los hombres, las hazañas de Zeus, y frecuentemente representadas acompañadas de diversos instrumentos musicales. , a partir de la época helenística se les asociaron todas las expresiones cantosas y musicales, incluidas las tristes y funerarias, y otras artes como el teatro, y cada una de ellas se asoció a un género artístico específico, de modo que podían ser invocadas individualmente. para ejercer su inspiración y protección. La palabra "Euterp" hace referencia al nombre de uno de ellos, Euterpe, musa de la poesía lírica y de la música, representada tradicionalmente con una flauta; pero el nombre Euterpe significa etimológicamente "La que alegra", la que trae alegría, por lo que se puede pensar que la elección de este nombre para titular el tapiz se refiere a la función más antigua de las Musas, la de traer alegría a través del arte. En esta presentación, las musas aparecen bailando, ataviadas con velos y ramas floridas; en sus manos o colocados junto a ellas, aparecen instrumentos u otros objetos que simbolizan el arte que inspiran (máscaras teatrales tanto trágicas como cómicas, la paleta pictórica, instrumentos musicales diversos...). El cuadro de gran tamaño tiene signos de desgaste y manchas de humedad.

Pintura al óleo sobre lienzo. En el reverso hay una cartela de época con la inscripción en francés "Paisaje académico; El baño de las ninfas perturbado por los sátiros" y atribución a Hippolyte Lebrun (pintor francés que trabajó en Italia durante la primera mitad del siglo XIX). La gran escena está enmarcada, a modo de telón de fondo, desde el interior de una cueva rocosa en medio de un valle verde y sombreado. En él desemboca un río que forma charcos de agua, en los que se baña un grupo de ninfas, perturbadas por unos sátiros, que las persiguen y amenazan. La escena en realidad tiene un carácter muy lúdico, como un entretenimiento travieso entre los diferentes personajes. Las figuras, pequeñas en comparación con el paisaje, son un componente añadido, que realza su carácter de serenidad y placer; la referencia a la cultura clásica está en consonancia con el período del neoclasicismo. La pintura muestra rastros de restauración. Se ofrece en un marco elegante.

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran escena de tema realista se desarrolla en un espeso bosque donde, cerca de un manantial, una pequeña familia se ha detenido para descansar: dejando el carro con sus pertenencias (¡sin caballo, por lo tanto tirado a mano!), un hombre, una mujer y un nutrido grupo de niños, descansan, comen, se refrescan en la fuente o juegan. Desde arriba a la izquierda se filtra entre los árboles un rayo de sol que ilumina el grupo de figuras situadas en el centro inferior, protagonistas de la escena. La pintura se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX y principios del XX.

El cuarteto de Joaquín 1904

Grabando. Firmado abajo a la derecha; firma adicional y fecha en la esquina superior de la partitura. Se trata de un famoso retrato realizado por el fotógrafo y grabador vienés Ferdinand Schmutzer, del cuarteto musical dirigido por el maestro Joseph Joachim (1831 -1907), famoso violinista, compositor y director de orquesta húngaro. Entre los famosos retratos pintados por Schmutzer se encuentran los de Albert Einstein, Sigmund Freud y Richard Strauss. La obra se presenta en un marco.

Interior estable

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. La obra fue adquirida previamente en la subasta de Sotheby's en Milán el 12/10/2007. Fue expuesto en 1991 en la exposición "Giovanni Sottocornola. Imágenes de una colección" celebrada en Milán en la Galería Silbernagl. Tras una primera fase pictórica dedicada a los retratos y las naturalezas muertas, en la década de 1880 Giovanni Sottocornola abordó temas sociales, que se estaban convirtiendo en los temas favoritos de los jóvenes pintores lombardos atentos a los aspectos más pobres de la sociedad, vinculados a la adopción de técnicas artísticas originales. Sottocornola abrazó la práctica de la pintura puntillista, sobre la que escribió en 1895: "Por ahora es seguro, estoy convencido de que no hay otra pintura más capaz de transmitir determinadas sensaciones que ésta". Sin embargo, este tipo de pintura permaneció enteramente centrada en la luz, en sus inciertas vibraciones tonales, como ocurre en el Interior de un establo, realizado a finales de los años 1980, donde los juegos de luces y sombras juegan y crean los efectos visuales en el pinceladas de color jugaron sobre unas gamas cromáticas, las de los marrones, expresadas en una amplia variedad de tonalidades. La obra se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. La gran escena representa a María, ya Asunta al cielo y sostenida sobre las nubes por angelitos, recibiendo la Corona de la Santísima Trinidad. Esta coronación expresa la apoteosis de María, que al convertirse en "Reina del Cielo" se convierte en intermediaria entre la tierra, la Humanidad, y el Cielo, la Divinidad: lo que no es dado al hombre ver, se hace posible a través de María que en esta glorificación es más que siempre el hilo tenaz que nos une al Todopoderoso, la verdadera "puerta del cielo", como la definen los Padres de la Iglesia. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela veneciana del siglo XVIII. El retrato propone la figura de una mujer joven que viste un traje cotidiano, pero adornado con bordes de pieles manchadas; curiosamente, con el brazo levantado luce un manguito de piel metido sobre una mano, probablemente una costumbre para subrayar una moda de la época. El cuadro presenta signos de restauración, con conservación del lienzo original, aunque reensamblado sobre un nuevo marco. Se presenta en un marco ovalado coetáneo, pero rematado por un friso de madera añadido posteriormente.

Óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. Según la tradición iconográfica, también en este cuadro el ángel de la guarda aparece representado como un joven alado que acompaña a un niño a lo largo de un tramo de camino, indicando al cielo como destino del viaje. Destaca y domina la escena la figura alada, vivaz en sus colores, poderosa en la fuerza física que emana, aunque dulce en su actitud delicadamente protectora hacia el niño, cuya pequeña figura está envuelta en los miembros de su tutor. La escena está encerrada dentro de una guirnalda de flores brillantes y coloridas, que dan color a las figuras, por lo demás situadas en un paisaje oscuro y casi monocromático. La representación de personajes, principalmente religiosos, encerrados en marcos florales tuvo un gran desarrollo especialmente en Roma, ligada a nombres como el de Giovanni Stanchi (1608 -1675), en lugar de Mario Nuzzi conocido como Mario de' Fiori (1603 -1673), y otros. . El cuadro, restaurado y revestido, se presenta enmarcado en listones.