Swatch Unlimited 50° Anniversaire Onu SCZ 103 1994 avec Boîte - Suisse 1994

Rustique avec Chariot

Huile sur carton. Signé en bas à gauche. Le tableau montre un aperçu d'une cour de ferme, avec une charrette garée au centre et des animaux de la ferme qui grattent autour. Le peintre napolitain Gennaro Villani, après une formation à l'école vériste de sa ville, séjourne à Paris, où il est influencé par le mouvement impressionniste, dont il tire un style basé sur une utilisation différente et plus libre des couleurs et des effets de lumière. Le tableau est présenté dans un cadre.

Huile sur toile. Située dans un paysage classique, riche en végétation, la scène représente l'épisode biblique tiré du livre de la Genèse qui raconte comment le peuple d'Israël, qui traverse le désert du Sinaï pour atteindre la Terre Promise, se retrouve sans eau : Moïse invoque l'aide de Dieu et accomplit le miracle de faire jaillir l'eau d'un rocher. Dans la scène, le peuple d'Israël se réjouit et célèbre le miracle, se précipitant pour se baigner et étancher sa soif dans le bassin d'eau évoqué par Moïse, que l'on aperçoit debout à gauche du tronc sec au premier plan, symbole de l'aridité de la terre. Les branches des arbres agitées par un vent fort et le ciel plein de nuages ​​sombres qui commencent à se déchirer, évoquent la présence de Dieu. Les multiples figures, rendues avec des détails précis, créent du mouvement et de l'action. Ce tableau a déjà été présenté à la vente Lempertz avec une attribution à Giovanni Ghisolfi (1623 -1683), un artiste qui a développé une combinaison parfaite entre passé et modernité, grâce à un profond intérêt pour le classicisme, rendu cependant avec une précision de perspective efficace dans le paysage et une grande précision des détails dans les figures. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. Ecole française du XVIIe siècle. La scène, se déroulant de nuit dans le jardin d'une villa, dont on aperçoit à droite la façade ornée et dans laquelle se détache la fontaine jaillissante d'angelots, sous un ciel sombre et encore obscurci par de gros nuages, propose deux personnages qui s'entretenir en conversation : un vieillard modestement vêtu admoneste sévèrement un jeune homme assis, richement vêtu, qui semble plutôt faire le geste de mea culpa de la main. La physionomie et les gestes des deux personnages, ainsi que le style des vêtements, feraient référence au philosophe Aristote qui fut appelé à la cour de Macédoine pour être le précepteur du jeune Alexandre, le futur roi alors connu sous le nom d'Alexandre le Grand. : d'après ce que raconte Plutarque dans ses « Vies parallèles », le jeune Alexandre fut un élève brillant, à tel point qu'il fut également initié aux doctrines aristotéliciennes les plus profondes et ésotériques, d'où découle l'aura de mystère et d'intériorité profonde qui rayonne dans le travail présenté ici. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre élégant. Le tableau, restauré

Huile sur toile. En haut à droite figurent le nom de l'homme représenté et son âge, 78 ans. L'habit de l'homme et l'attitude de prière, devant le Crucifix, le livre de méditation à la main, l'identifient comme prélat. Le patronyme Albertoni est largement répandu en Italie, dans diverses familles qui sont parties de la Lombardie pour s'étendre à Parme puis à Rome. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. L'œuvre à caractère dévotionnel, voit la Madone, assise sur les nuées et assistée de deux anges qui soutiennent ses vêtements, est vénérée par deux saints, agenouillés à ses pieds : à droite la jeune femme en habit princier, aux pieds de laquelle se trouve reposant une couronne royale, il fait référence à Elisabeth de Hongrie ; à gauche, le saint tenant l'Enfant Jésus dans ses bras peut être identifié comme San Caetano da Thiene. Particulier est le jeu de regards entre les différents personnages, qui s'entremêlent avec les positions et les gestes, pour créer un mouvement presque circulaire. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien restauré au début du XXe siècle, avec divers manques actuels (à restaurer).

Sans titre 1958

Huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. L'œuvre à fort impact émotionnel propose un fond violet presque monochromatique, dans lequel quelques traits noirs et blancs s'insèrent pour définir une silhouette recroquevillée à gauche, peut-être une forme humaine, ramassée et refermée sur elle-même. Né en 1934 à Viareggio, où il vit toujours, le peintre et sculpteur Mario Francesconi est considéré comme l'un des rares survivants du dadaïsme qui, depuis la fin des années 1950, a traversé les saisons de l'art italien et européen dans une recherche résolument personnelle de formes et techniques. À partir de sa première exposition personnelle en 1959, il développe un parcours artistique qui passe par différentes phases, souvent attribuables à une passion pour les matériaux pauvres et recyclés. Son activité artistique se déplace entre les domaines de la peinture, de la sculpture, du collage et de l'installation et confine aux domaines adjacents de la poésie et de la littérature, également grâce à des amitiés et des relations professionnelles avec certaines des figures les plus importantes du monde intellectuel. du siècle dernier, d'Emilio Villa à Cesare Garboli, de Leonardo Sciascia à Mario Luzi, de Cesare Zavattini à Pier Paolo Pasolini, d'Alfonso Gatto à Sandro Penna en passant par Venturino Venturi. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Tableau doré

Technique mixte sur contreplaqué (peinture et feuilles de papier argenté). Au dos, authentique avec cachet et signature de la soeur de l'artiste. L'œuvre appartient à la série des Tableaux dorés, œuvres créées par l'artiste milanais Remo Bianco à partir des années 1950. Né et formé à Milan, Remo Bianco fut l'élève de De Pisis, dans l'atelier duquel il fréquenta les grands artistes italiens du XXe siècle (Carrà, Sironi, Savinio, Soffici, Soldati, Marini, Cantatore). Après l'intermède de la guerre (enrôlé, coulé avec son navire et fait prisonnier à Tunis), il reprend son activité artistique à Milan, participant au Mouvement Nucléaire et au Spatialisme, venant se détacher complètement de la peinture figurative pour créer des oeuvres faites de coups de pinceau purée de pommes de terre. Au début des années cinquante, il commence à créer des œuvres, picturales et sculpturales, avec différents matériaux et à expérimenter différents thèmes et techniques ; à cette production appartiennent les Tableaux dorés, composés de feuilles d'aluminium argentées ou dorées sur des bases peintes. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Crayon sur papier. En bas à droite, sur les deux, l'écriture "Pietro Mulazzi esquissé", avec la date 1883. Par un artiste inconnu mais habile dans l'utilisation des crayons, ce sont les portraits d'un couple bourgeois, dont les visages gris se dégagent nettement du papier fond rouge . Ils sont présentés dans des cadres dorés contemporains, avec plusieurs manques (à restaurer).

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie d'époque de la gravure du même nom réalisée par Annibale Carracci (1560-1609), qui connut un succès immédiat et donna lieu à une série de répliques imprimées et de copies peintes. Il présente le moment de la Passion où le Christ est couronné de la couronne d'épines, objet de torture, symbole dénigrant de sa proclamation comme Roi des rois. L'acte est accompli par deux personnages, le soldat romain et le Juif, représentant les deux personnes qui ont participé à la condamnation à mort du Christ. Les figures, vigoureuses et sanguines, celles des deux bourreaux plus pâles et plus inertes que la victime, créent une composition entrelacée de corps, celle du Jésus central rejoignant les deux autres, les unissant dans la responsabilité partagée de ce qu'ils font ; placé de côté, Jésus a la tête inclinée de force vers la gauche par le soldat qui lui impose la couronne d'épines, tandis que le Juif de droite place la canne de bambou dans sa main, remplaçant le sceptre. La scène est dominée par des couleurs sombres et sombres, parmi lesquelles seul ressort le rouge vif de la robe du Christ, symbole de son humanité souffrante. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un beau cadre contemporain, avec des défauts.