Tableau Ancien Sujét Sacré Huile sur Panneau XVIIe-XVIIIe Siècle

Huile sur toile. École flamande du XVIIe siècle. Il y a une étiquette de collection au dos. Dans un paysage vallonné de rochers et de bosquets d'arbres, surplombant un petit village sur la gauche, un ruisseau coule pour former une cascade écumante ; sur les rives quelques figures de paysans en transit ou en conversation ; à droite se détache l'oiseau à longue queue, perché sur un arbuste sec. En arrière-plan, les collines se fondent dans le ciel chargé de nuages. Le tableau est présenté dans un cadre redoré de la fin du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. L'œuvre à caractère dévotionnel, voit la Madone, assise sur les nuées et assistée de deux anges qui soutiennent ses vêtements, est vénérée par deux saints, agenouillés à ses pieds : à droite la jeune femme en habit princier, aux pieds de laquelle se trouve reposant une couronne royale, il fait référence à Elisabeth de Hongrie ; à gauche, le saint tenant l'Enfant Jésus dans ses bras peut être identifié comme San Caetano da Thiene. Particulier est le jeu de regards entre les différents personnages, qui s'entremêlent avec les positions et les gestes, pour créer un mouvement presque circulaire. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien restauré au début du XXe siècle, avec divers manques actuels (à restaurer).

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. L'œuvre à caractère dévotionnel, voit la Madone, assise sur les nuées et assistée de deux anges qui soutiennent ses vêtements, est vénérée par deux saints, agenouillés à ses pieds : à droite la jeune femme en habit princier, aux pieds de laquelle se trouve reposant une couronne royale, il fait référence à Elisabeth de Hongrie ; à gauche, le saint tenant l'Enfant Jésus dans ses bras peut être identifié comme San Caetano da Thiene. Particulier est le jeu de regards entre les différents personnages, qui s'entremêlent avec les positions et les gestes, pour créer un mouvement presque circulaire. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un cadre ancien restauré au début du XXe siècle, avec divers manques actuels (à restaurer).

Huile sur toile. Il s'agit d'une copie d'époque de la gravure du même nom réalisée par Annibale Carracci (1560-1609), qui connut un succès immédiat et donna lieu à une série de répliques imprimées et de copies peintes. Il présente le moment de la Passion où le Christ est couronné de la couronne d'épines, objet de torture, symbole dénigrant de sa proclamation comme Roi des rois. L'acte est accompli par deux personnages, le soldat romain et le Juif, représentant les deux personnes qui ont participé à la condamnation à mort du Christ. Les figures, vigoureuses et sanguines, celles des deux bourreaux plus pâles et plus inertes que la victime, créent une composition entrelacée de corps, celle du Jésus central rejoignant les deux autres, les unissant dans la responsabilité partagée de ce qu'ils font ; placé de côté, Jésus a la tête inclinée de force vers la gauche par le soldat qui lui impose la couronne d'épines, tandis que le Juif de droite place la canne de bambou dans sa main, remplaçant le sceptre. La scène est dominée par des couleurs sombres et sombres, parmi lesquelles seul ressort le rouge vif de la robe du Christ, symbole de son humanité souffrante. Le tableau a été restauré et rentoilé. Il est présenté dans un beau cadre contemporain, avec des défauts.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole toscane du XVIIe siècle. Descendant d'une ancienne lignée lombarde d'Aquino (dans la province de Frosinone), Tommaso (né vers 1226) se rendit à Naples pour étudier, en 1243 il entra dans l'ordre des prédicateurs dominicains contre la volonté de ses proches, mais lors du voyage vers le nordiste a été arrêté par ses frères et retenu prisonnier pendant environ un an. Dans la scène, le jeune saint au centre, déjà vêtu de l'habit dominicain, est entouré des deux côtés par quatre personnages richement vêtus, précisément ses proches, dont probablement sa mère, qui le tiennent gentiment, l'embrassant presque, tout en faisant des gestes des mains et des regards affligés et amoureux tentent de le convaincre, le suppliant presque. Les personnages sont également placés dans une prison, comme l'indiquent les barreaux de la fenêtre de droite, pour souligner l'action coercitive effectuée. Riches et détaillés sont les détails des vêtements des personnages, avec des couleurs vives qui contrastent avec la robe de Thomas, des mouvements plastiques proprement au goût baroque. Déjà restauré et rentoilé, le tableau est en bon état, avec des craquelures évidentes. Il est présenté dans un cadre ancien relaqué et redoré.

Version réduite d'un retable de Girolamo Mazzola Bedoli

Peinture à l'huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIe siècle. Entièrement au premier plan, cette scène d'un groupe de personnages sacrés, qui présente les visages de Marie et de l'Enfant Jésus au centre, entourés du jeune San Giovanni en bas à gauche, et trois anges formant une couronne autour. Tous les personnages sont joyeux et souriants, malgré la référence à la passion donnée par le bâton surmonté de la Croix que Jean offre à Jésus.Le mouvement des corps et les couleurs vives animent la scène. La peinture est toujours sur la première toile, sans aucun signe de restauration antérieure. Il y a plusieurs gouttes de couleur, réparties surtout le long de la marge inférieure et des deux côtés. Il est présenté dans un cadre en bois laqué antique.

Huile sur toile. École lombarde du XVIIe siècle. Selon l'iconographie classique, la Madeleine pénitente est représentée avec les larmes aux yeux, les cheveux dénoués, les vêtements dévêtus, tenant près d'elle le pot de parfum avec lequel elle a oint Jésus dans l'épisode évangélique, et le crâne, le Memento mori par excellence. Au dessus d'elle, un petit ange pointe vers le ciel. Les procédés picturaux sont très proches d'une œuvre similaire de Panfilo Nuvolone (1581 -1651), peintre italien actif entre la Lombardie et l'Émilie, interprète d'un maniérisme tardif suranné inspiré des diktats de la Contre-Réforme, connu pour ses natures mortes mais aussi auteur de figures similaires à celle-ci. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre doré ancien.

Huile sur toile. École vénitienne du XVIIe siècle. Les personnages, représentés au premier plan à mi-corps, voient Marie placée au centre avec l'enfant Jésus dans ses bras ; derrière eux à gauche se trouve saint Joseph et au-dessous de lui le petit Jean-Baptiste, vêtu de fourrures et avec le bâton traditionnel en forme de croix avec la bande portant l'inscription "Ecce Agnus Dei". Le regard de ces quatre figures est tourné vers la gauche, où apparaît sainte Catherine de Sienne, reconnaissable à l'habit noir des dominicaines, et à ses attributs iconographiques, la couronne d'épines, les stigmates et le lys. Jésus étend ses mains vers elle, pour établir ce mariage mystique qui caractérisait le saint. Restauré et rentoilé, le tableau présente de petites pertes de couleur généralisées. Il est présenté dans un cadre du XIXe siècle reconverti.

Huile sur toile. Portrait d'un noble, fier, la main posée sur la poignée de son épée et vêtu d'un manteau doublé d'hermine. En haut à droite apparaît le blason de sa maison, qui représente un lion rouge rampant couronné et tenant une épée ; à travers une bande avec trois groupes de boules disposées en forme de fleur. Un lion rampant semblable à celui-ci se retrouve dans les armoiries de certaines villes du centre de l'Italie, comme Faenza. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre contemporain en bois sculpté et laqué.

Huile sur toile. La scène se déroule à l'intérieur d'un palais de marbre, avec des arches et des voûtes ; les nombreuses figures occupent l'espace dans un jeu d'entrelacs de corps et de regards croisés. Au centre, la Vierge Marie soulève l’enfant Jésus pour le montrer aux visiteurs ; Derrière lui, à droite, Joseph regarde attentivement, tandis qu'au-dessus de lui plane un petit ange tenant le rouleau avec le Gloria. À gauche se trouve le groupe des trois rois de l'Est, rendant hommage à l'Enfant, et derrière eux se trouvent les serviteurs curieux qui observent et pointent du doigt. Les couleurs vives et lumineuses ressortent. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre redoré de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. De grande taille et de forme octogonale, la toile présente un paysage inscrit dans un cadre peint de frises, entrant dans la catégorie des peintures du XVIIIe siècle conçues à des fins d'ameublement. La scène se déroule au bord d'une rivière, sur les rives de laquelle s'élèvent des ruines architecturales de structures classiques, qui dominent majestueusement les figurines de personnages populaires qui animent la scène. Le tableau, déjà restauré et rentoilé, présente plusieurs petits trous, manques de peinture et taches généralisées.