Pintura de Pietro Lucchini. - Retrato de una mujer joven 1842

Cuadro Esperando la batalla

Óleo sobre lienzo. La gran escena se desarrolla en el exterior de una fortaleza rocosa y presenta una guarnición de soldados que se preparan para la batalla: en primer plano a la izquierda, cerca de un árbol, el grupo de comandantes a caballo observa el trabajo y da órdenes, mientras las tropas arman los cañones en las gradas, preparan lanzas rudimentarias y afilan sus armas. Los colores son claros y apagados, con tonalidades de grises que van desde el cielo despejado con nubes hasta la fortaleza rocosa, para perderse en la tierra, tornándose en un beige arena; sólo destacan algunos de los uniformes de los oficiales, rompiendo la uniformidad cromática. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Cuadro El suicidio de Porcia

Óleo sobre lienzo. La mujer representada en la escena se remonta a Porcia, la noble romana esposa de Bruto, que vivió en el siglo I a.C.: según la leyenda se suicidó tragándose un carbón encendido, y es en este fatídico momento cuando es representado aquí. El cuadro se acerca mucho a los métodos pictóricos del cuadro homónimo de la escuela de Cignani, atribuido a su alumno Marcantonio Franceschini y conservado en el Palacio Tozzoni de Imola. La figura de Porcia, situada en un interior con elementos clásicos, ocupa todo el campo de la escena, y se representa sentada frente al brasero ardiendo, en el acto de llevarse carbón a la boca; su expresión revela el sufrimiento del gesto que hace, pero también su determinación, la mirada que mira a lo lejos ya la sitúa lejos de la vida que deja. La pintura ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco antiguo del siglo XVIII.

Pintura de Michiel Caree

Paisaje con pastores y rebaños.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. En un espléndido paisaje clásico, con colinas verdes que dominan un curso de agua, un arroyo en primer plano que luego se convierte en un ancho río en la distancia, se encuentran las figuras de un pastor y una pastora que llevan su rebaño al agua. Las escenas pastorales de este tipo caracterizaron la producción del artista holandés Michiel Carree, quien fue pintor de la corte del rey de Prusia en las primeras décadas del siglo XVIII. El cuadro, sobre primer lienzo, se presenta en un marco dorado contemporáneo, en madera tallada y dorada.

Cuadro Cleopatra disuelve una perla en una copa de vinagre

Óleo sobre lienzo. Escuela romana de la segunda mitad del siglo XVII. La escena narra un episodio de la historia de amor entre la reina de Egipto y el triunviro romano Antonio: Cleopatra, para demostrar su riqueza y seducir al apuesto general, organiza un suntuoso banquete, durante el cual ella elige una perla de inestimable valor y él la disuelve. en vinagre, para luego ofrecer la bebida, considerada un poderoso afrodisíaco, a Antonio. En el cuadro la reina se prepara para poner la perla en la copa: la cinta a la que está atada la perla es particular, que recuerda la del cuadro homónimo de Carlo Maratta (1625 -1713). Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de madera de finales del siglo XIX.

Cuadro Susana y los ancianos

Óleo sobre lienzo. El tema representado cuenta un episodio bíblico del Antiguo Testamento: Susana, la bella y casta esposa de Joaquín, un judío rico, es amenazada por dos ancianos jueces del pueblo mientras se baña en su jardín. Este episodio ha sido ampliamente reproducido en el arte, como ocasión de exaltación de la belleza femenina y condena de la voluptuosidad pecaminosa. En la escena, la figura femenina de Susanna, ligera de ropa, está sentada en primer plano a la izquierda, sobre la balaustrada de una fuente que brota en el jardín, con la intención de sumergirse, pero indicando con la mano a los dos ancianos de la derecha. quienes, escondidos detrás de un arbusto, la espían. Insólita en la escena es la figura de la otra mujer, probablemente una sirvienta de Susana, también escasamente vestida, probablemente introducida para exaltar aún más la desnudez femenina. Al fondo aparece el jardín de la villa, caracterizado por macizos de flores simétricos y regulares. También es peculiar la presencia, a lo lejos, detrás de la cabeza de Susanna, de tres figuras estilizadas, que parecen correr hacia ella, tal vez para advertirle del peligro. La obra, en el primer lienzo, presenta una ligera grieta en la parte superior izquierda y manchas de pintura puntiformes. Se presenta en un ambiente de principios del siglo XX.

Betsabé bañándose pintura

Pintura al óleo sobre lienzo. La pintura de gran tamaño recuerda los métodos pictóricos del siglo XVII, pero es de una época posterior y fue creada sobre un lienzo aplicado a otro más antiguo. La escena narra el episodio bíblico (tomado del Libro de los Reyes) ampliamente narrado pictóricamente, que representa el baño de Betsabé, esposa del general Urías, al servicio del rey David. Según el relato bíblico, David se encuentra en la terraza de su palacio cuando ve a la mujer bañándose en el jardín de su casa, rodeada de sus sirvientas. Davide se enamora de ella y la seduce, dejándola embarazada. Para ocultar el crimen, llama al general Urías del frente, para obligarlo a acostarse con su esposa, pero Urías no quiere dejar a sus soldados; entonces David lo envía a luchar en primera línea esperando que lo maten: esto sucede y David puede casarse con Betsabé, pero será castigado por Dios por el adulterio y la impiedad cometidos. El cuadro muestra el momento en el que Betsabé, recién saliendo del baño, mientras se refleja en el espejo que sostiene una esclava, y rodeada de otros sirvientes, lee la nota que le envió el rey David; este último aparece en la parte superior derecha, dando a la terraza. La escena está dominada por figuras femeninas entrelazadas entre sí, en una maraña de ropas y telas, y rodeadas de flores del jardín; en el centro se encuentra el espejo con un rico marco dorado. El cuadro tiene un parche en la parte inferior derecha. Se presenta en un marco dorado antiguo.

Cuadro Sagrada Familia con Santa Ana

Seguidor de Pedro Pablo Rubens

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro deriva de la obra de Rubens (1577 -1640) conservada en el Museo del Prado de Madrid, reproducida en grabado por Paulus Poncio (1603 -1658), como también aparece en esta versión. El centro vertical de la escena ocupa la figura de María, cuyo rostro se inspiró en el de Isabel Brandt, primera esposa del pintor flamenco, fallecida en 1626 con apenas 35 años. La Virgen sostiene en brazos al Niño Jesús, que la mira a los ojos con ternura pero con seriedad, mientras una manita se coloca sobre el pecho desnudo de su madre, del que acaba de recibir alimento; detrás, de pie, santa Ana envuelve los hombros de su hija y de su nieto en un abrazo tierno y protector, sonriendo con suficiencia: al lado izquierdo, un poco separado y en la oscuridad, José observa pensativo y preocupado: la única figura humana que no entra en la luz que emana del rostro del Niño, irradiada sobre el de María y, por reflexión, también sobre el de Santa Ana. respecto a la obra del maestro, se respeta la composición de las figuras, pero varios detalles varían, en particular en los vestidos de Santa Ana, de María, en los drapeados que rodean las caderas del Niño, para apoyar la hipótesis de que se trata de una obra de seguidor del maestro flamenco. La pintura, restaurada y revestida, se encuentra en buen estado, con sólo una raya en el color en la parte superior central.

Cuadro con la Sagrada Familia en la mesa

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. La insólita y particular representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentado a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que están a punto de consumir (compuesta por fruta y pan); la escena, un tema poco representado y generalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven comida a la familia, tiene aquí en cambio un sabor de intimidad doméstica muy normal y sencilla. En cambio, todo lo que rodea a la Sagrada Familia destaca majestuosamente, la visión de una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentada según un hermoso efecto de perspectiva que conduce, abajo a la derecha, a los muros de entrada de una rica ciudad con torres, probablemente Jerusalén. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Cuadro de bodegones con frutas, verduras y gato.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. La gran composición presenta una variedad de alimentos sobre la mesa de una cocina: a la izquierda una gran cesta de mimbre llena de verduras, coronada por un grupo de peces colgantes; otras verduras se colocan sobre la mesa, al lado de un plato de cerezas, una con una barra de pan, y más atrás otra con gambas; a la derecha hay un jarrón lleno de flores de colores y, sentado en el estante de un armario, un gato negro que se lame tranquilamente la pata. Destaca la nitidez de los colores, potenciada por los reflejos de la luz sobre algunos alimentos, como las cerezas o las gambas, y sobre la jarra de cobre que hay delante de las flores. El cuadro, restaurado y revestido, se presenta enmarcado en listones.

Pintura La Virgen de San Gerolamo

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela emiliana del siglo XVII-XVIII. Se trata de una copia antigua de la famosa pintura sobre tabla de Correggio, titulada La Virgen de San Girolamo o Il Giorno, que data de alrededor de 1528 y se conserva hoy en la Galería Nacional de Parma. El tema de la representación es la presentación por parte de San Jerónimo a Jesús de la traducción de la Biblia del hebreo al latín popular, obra realizada por el santo a petición del Papa Dámaso y que llevó a cabo encerrándose en soledad en la cueva de Belén. . En el cuadro, el protagonismo de la escena lo ocupa María sentada con el Niño Jesús en brazos, alrededor de ella se componen diversas figuras formando un semicírculo. A la izquierda está la poderosa figura del viejo Jerónimo de pie, mirando al Niño, con el rollo de traducción en la mano, con el león, su compañero ermitaño, agachado a sus pies. En el mismo lado, un ángel sostiene la Biblia mientras se dirige sonriente a la Virgen y al Niño. Del otro lado, Magdalena yace semireclinada, abrazando cariñosamente el pie del bebé, quien a su vez acaricia su cabello, en un gesto íntimo que subraya el intenso vínculo entre las dos figuras. Detrás de Magdalena, un angelito arruga la nariz olfateando el frasco de ungüentos del santo penitente. La escena se sitúa bajo una cortina roja, abierta a un gran paisaje. La pintura de Correggio tuvo un gran éxito, hasta el punto de que existen numerosas copias y réplicas antiguas, incluida ésta que se presenta aquí. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo y contemporáneo.

Cuadro El Sermón de San Juan Bautista

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela flamenca de los siglos XVII-XVIII. La gran escena se desarrolla en un vasto paisaje nórdico, dentro de un bosque lleno de plantas retorcidas, y a la derecha una ciudad coronada por picos rocosos. En el interior del bosque, un nutrido grupo de personajes, populares pero también de alto rango, todos vestidos con ropas orientales, que forman un círculo alrededor de Juan Bautista, retratado con su traje iconográfico tradicional (vestido con pieles, con el bastón coronado por la Cruz y envuelto en el rollo, un corderito a sus pies): la mirada de Juan se dirige hacia arriba, en línea con un pájaro que vuela sobre las copas de los árboles, representación simbólica del Espíritu Santo que inspira las palabras del predicador. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.