Óleo sobre lienzo. La noble, una dama elegante y orgullosa de cabellos plateados, está retratada con un vestido de noche rosa, adornado con encajes y puntillas, y completado con un manto de terciopelo azul, forrado con una tela de arabescos plateados. La dama no ostenta ninguna joya, sólo lleva en el peinado un pequeño ramo de delicadas flores. Restaurada y retocada, tiene una pequeña gota de color en el fondo, en la parte superior. Se presenta en un elegante marco.

Óleo sobre lienzo. Segunda mitad del siglo XVIII. Una parte de una gran estructura arquitectónica en ruinas llena toda la escena: un pórtico coronado por una balaustrada, cubierto de plantas, rodea un patio en el que se mueven varias figuras populares, ocupadas en sus actividades. Un cielo azul brillante cubre el encuadre y la luz se filtra por uno de los arcos para crear un juego de luces y sombras bajo el pórtico. En el reverso del marco figura una atribución a Gaetano Vetturali (1701-1783), aunque la calidad de las figuras parece aquí superior a la del artista de Lucca, que era famoso en su zona por sus caprichos arquitectónicos de gran impacto escenográfico. El cuadro se presenta en un marco dorado del estilo.

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro, realizado en la primera mitad del siglo XX, retoma la obra paisajística en el tema y en la modalidad pictórica: en un paisaje rico en vegetación y con picos al fondo, un joven plebeyo pide caridad a unos viajeros que descansan. en el borde de la carretera, cerca de un arco de piedra. El lienzo ha sufrido un envejecimiento y se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca de principios del siglo XIX. La escena, situada en el ambiente pobre y espartano de una taberna, presenta a dos jugadores de cartas que utilizan un barril como superficie de apoyo, observados por otros dos, mientras beben su copa de vino y fuman. El posadero, de espaldas a la derecha, sale de la habitación. La escena es animada y divertida, con personajes más bien ficticios. En el primer lienzo, el cuadro se presenta en un marco dorado de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de finales del siglo XVIII y principios del XIX. En el vasto paisaje, que permite a la mirada recorrer una vasta llanura con colinas borrosas que se asoman en el horizonte, hay una ruina arquitectónica de piedra a la derecha, mientras que a la izquierda un puente igualmente viejo y ruinoso cruza el río. Numerosas figuras de viajeros, a pie o a caballo, llenan la escena. La pintura, todavía en el primer lienzo, se presenta en un marco dorado de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela centroeuropea de finales del siglo XVIII. El cuadro de gran tamaño muestra un paisaje rural, con una casa campesina a la izquierda, la pastora en primer plano a la izquierda mirando su rebaño de ovejas abrevando en el arroyo cercano. El ambiente con colores apagados y luces suaves, con nubes rosadas en el cielo, recuerda un crepúsculo tranquilo y pacífico. En el primer lienzo, el cuadro se presenta en un marco dorado contemporáneo.

David Tocando el Arpa

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. La escena representa el episodio bíblico del Primer Libro de Samuel, que narra: «Cuando el espíritu maligno permitido por Dios se apoderó de Saúl, David tomó su arpa y comenzó a tocar; Saúl se sintió aliviado, mejoró, y el espíritu maligno se alejó de él». En el cuadro, las figuras son poderosas y vigorosas, tanto el rey Saúl como los guardias que lo sujetan, representados en un entrelazamiento de figuras que ocupan todo el lado izquierdo de la escena; a la derecha, en cambio, se sitúa David, que aunque es un joven y sencillo pastor, se mantiene sereno ante el enfurecido rey, tocando su instrumento con dignidad y firmeza. Al fondo a la derecha, en un pasillo del palacio, los sacerdotes y consejeros del rey observan consternados la cena. En el marco del cuadro hay una placa atribuida a Bernardo Strozzi. El cuadro, restaurado y enmarcado de nuevo a mediados del siglo XX, está colocado en un marco dorado del estilo.

Óleo sobre lienzo. La mujer representada en la escena se remonta a Porcia, noble romana y esposa de Bruto, que vivió por tanto en el siglo I a.C.: según la leyenda, se suicidó tragándose un carbón encendido, y es en este momento fatal en el que se la representa aquí. El cuadro se acerca mucho a la manera pictórica de la pintura homónima de la escuela de Cignani, atribuida a su alumno Marcantonio Franceschini y conservada en el Palacio Tozzoni de Imola. La figura de Porcia, situada en un interior con elementos clásicos, ocupa todo el campo de la escena, y está representada sentada frente al brasero ardiente, en el acto de llevarse el carbón a la boca; su expresión revela el sufrimiento del gesto que está realizando, pero también su determinación, su mirada que mira lejos la sitúa ya lejos de la vida que deja atrás. El cuadro ha sido restaurado y enmarcado de nuevo. Se presenta en un marco antiguo del siglo XVIII.

Paisaje con Pastores y Rebaños.

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. En un espléndido paisaje clásico, con verdes colinas que dominan un curso de agua, un arroyo en primer plano que luego se convierte en un ancho río a lo lejos, aparecen las figuras de un pastor y una pastora que conducen a su rebaño al agua. Las escenas pastorales de este tipo caracterizaron la producción del artista holandés Michiel Carree, pintor de la corte del rey de Prusia en las primeras décadas del siglo XVIII. El cuadro, en primer lienzo, se presenta en un marco dorado coetáneo de madera tallada y dorada.

Óleo sobre lienzo. Escuela romana de la segunda mitad del siglo XVII. La escena narra un episodio de la historia de amor entre la reina de Egipto y el triunviro romano Antonio: Cleopatra, para demostrar su riqueza y seducir al apuesto general, prepara un suntuoso banquete, durante el cual elige una perla de inestimable valor y la disuelve en vinagre, ofreciendo después la bebida, considerada un poderoso afrodisíaco, a Antonio. En el cuadro, la reina está a punto de depositar la perla en la copa: particular es la cinta a la que está atada la perla, que recuerda a la del cuadro homónimo de Carlo Maratta (1625 -1713). Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un marco de madera de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales del siglo XVII-principios del XVIII. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a un cuenco lleno de hongos porcini y un racimo de uvas: con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela flamenca del siglo XVIII. Escena viva y animada que representa una fiesta popular de pueblo: un grupo de hombres y mujeres delante de la posada del pueblo, reconocible por el letrero, bailan acompañados por músicos a la izquierda, mientras la gente alrededor observa, bebe, charla. Restaurado y reenmarcado, el cuadro se presenta en un elegante marco dorado.

Pintura al óleo sobre lienzo. En la bella composición se puede ver, descansando sobre un aparador de madera con incrustaciones, una cesta llena de cerezas, algunas de las cuales están esparcidas por encima, y un plato lleno de grosellas rojas, mezcladas con hojas y algunas flores de cerezo. Un jilguero descansa sobre el asa de la cesta; para enmarcar la composición, a la derecha un gran ramo de flores multicolores en un jarrón, a la izquierda una cortina roja. Destacan los colores vivos de las frutas, las flores y la cortina, mientras que el armario de apoyo se funde con el fondo oscuro, al igual que el pajarito, distinguible del fondo oscuro sólo por el plumaje blanco de las alas y el contorno rojo de la ojos. La obra forma parte de la gran producción emiliana del siglo XVII de este tipo de tema altamente decorativo. El cuadro, restaurado y reasentado, presenta una marcada fisura y gotas de color en los bordes.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela lombarda de finales de 1600-principios de 1700. La rica composición ofrece un gran ramo de flores de colores en un jarrón en relieve, junto a dos grandes calabazas y frutas mixtas (uvas y melocotones): con diferentes intensidades de color, los diversos elementos naturalistas emergen del fondo completamente oscuro, creando efectos de luces. y sombras Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

El cuento de Apolo y Marsyas

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. El gran lienzo deriva de un grabado de 1562 del veneciano Giulio Sanuto, quien reprodujo fielmente la obra homónima de Bronzino (1503-1572), actualmente conservada en el Hermitage; respecto al original, el grabado añade el grupo de Musas y modifica el fondo del paisaje introduciendo vistas de los pueblos. La obra se divide en cuatro escenas, que hay que leer de derecha a izquierda. La primera escena representa el concurso musical entre Apolo y Silenus Marsyas, quien tocaba la flauta tan bien que era considerado superior al mismo dios; los dos contendientes están actuando, el dios con la lira y el sileno con la flauta incluso boca abajo (para aumentar la dificultad de la empresa), frente al rey Midas y la diosa Minerva, reconocible por sus atributos, el casco, la lanza y el escudo. En la segunda escena, Apolo intenta desollar a Marsyas para castigarlo por haber ganado el concurso musical; apoyarse en el suelo junto a él, su capa y su lira. En la tercera escena, es el rey Midas el que es castigado por el dios por haber preferido a Marsyas a él: Apolo le pone las orejas de burro a Midas, mientras Minerva observa. Finalmente, la cuarta escena, en primer plano a la izquierda, se caracteriza por una figura particular, identificada en el fiel sirviente y barbero del rey: ya que Midas le había ordenado guardar el secreto en sus orejas de burro, no pudiendo dejar de lo contrario, aliviado, cavó un hoyo en el suelo y gritó allí su secreto; en ese lugar, sin embargo, cuenta la leyenda que creció un matorral de juncos que con el viento susurró "El rey midas tiene orejas de burro", revelando así el temido secreto. La pintura ha sido previamente restaurada y rebasada, pero actualmente necesita más recuperación de color. En el reverso a lápiz hay una antigua atribución a la escuela de Ferrara ("Ercole da Ferrara"). Se presenta en un marco de estilo de finales del siglo XIX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia de los siglos XVII-XVIII. En un gran paisaje montañoso, bastante árido, que se ensancha y se desvanece a la derecha, hay una alta roca, en forma de arco, bajo la cual está San Jerónimo penitente, representado en el acto de oración y adoración de la Cruz. De acuerdo con los cánones de la pintura de los siglos XVII-XVIII, la figura del Santo, adaptada a la iconografía en su indumentaria y actitud, se inserta sin embargo en un paisaje incoherente, cercano al del pintor que se inspira en la realidad paisajística conocida por el. . La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. En un paisaje de tipo nórdico, con cadenas montañosas al fondo y colinas verdes, se sitúa en primer plano un pequeño rebaño de vacas, vigiladas por una pastora que, sentada descansando al borde de la carretera, señala el castillo que hay a su lado. , el probable destino de su viaje. El cuadro, repasado, presenta pequeñas pero generalizadas gotas de color y rayones. Se presenta en un entorno de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. El sangriento episodio del sacrificio de Ifigenia, también narrado en la Ilíada, tiene su origen en la ira de Artemisa, la diosa de la caza, que, ofendida por la jactancia de cazador de Agamenón, impide que la flota griega zarpe hacia Troya. El adivino Calcis profetiza que la ira de la diosa sólo puede aplacarse sacrificando a Ifigenia, la hija menor del propio rey Agamenón. En el centro de la escena se representa a la joven postrada a los pies del altar del sacrificio, mientras es preparada por los sacerdotes según el ritual; en el ángulo izquierdo se vislumbra a su padre Agamenón (con la corona abandonada a sus pies) junto a su madre Clitemnestra que, desesperada, no se atreve a mirar. Arriba, la diosa Artemisa asiste a la escena, reconocible por la luna en su pelo, el arco que sostiene y un ciervo, su animal simbólico, al pie del dosel: según una versión menos violenta del mito, en el momento del sacrificio Ifigenia es sustituida por Artemisa por un ciervo, como podría indicar la presencia del animal en esta representación. La obra que aquí se presenta procede del cuadro de Pietro Testa, publicado entre 1640 y 1642 (actualmente en la Galería Spada de Roma) y de sus grabados: toda la composición de las figuras está tomada de él, aunque se han modificado los ropajes, los colores y diversos detalles. Restaurado y retocado, el cuadro se presenta en un marco de principios del siglo XX, coetáneo de la restauración.

Óleo sobre lienzo. El retrato de un caballero va acompañado de la inscripción "Paulus Castellanus Sanator" en la parte superior izquierda. La palabra Castellanus podría ser el apellido, muy extendido y que identifica al habitante de un castillo, no necesariamente al señor sino a un miembro de la familia. El término Sanator identifica al hombre como un sanador, el médico de familia. El cuadro se presenta en un marco antiguo.

Óleo sobre lienzo. El tema representado narra un episodio bíblico del Antiguo Testamento: Susana, la bella y casta novia de Ioachim, un rico judío, es acosada por dos ancianos jueces del pueblo mientras se baña en su jardín. Este episodio ha sido ampliamente reproducido en el arte, como ocasión para exaltar la belleza femenina y condenar la voluptuosidad pecaminosa. En la escena, la figura femenina de Susana, desnuda, está sentada en primer plano a la izquierda, en la balaustrada de una fuente del jardín, con la intención de sumergirse, pero señalando con la mano a los dos ancianos de la derecha, que, ocultos tras un arbusto, la espían. Insólita en la escena es la figura de la otra mujer, probablemente una sierva de Susana, también discreta, probablemente introducida para exaltar aún más la desnudez femenina. Al fondo se ve el jardín de la villa, caracterizado por parterres simétricos y regulares. También es peculiar la presencia, a lo lejos, detrás de la cabeza de Susanna, de tres figurillas estilizadas, que parecen correr hacia ella, quizá para advertirle del peligro. La obra, en primer lienzo, presenta una ligera rotura en el ángulo superior izquierdo y manchas puntiformes de pintura. Se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Óleo sobre lienzo. El cuadro analiza una obra similar de Paolo Veronese (1528-1588), fechada hacia 1560-70 y actualmente conservada en el Museo del Prado, a partir de la cual nuestra pintura retoma la composición de las figuras, cambiando todo el fondo y la vestimenta. de los personajes. La obra de Veronese tuvo tanto éxito que fue replicada en su propio taller, con numerosas variaciones: nuestra obra probablemente deriva de una de estas copias, replicada en una época posterior. El episodio narrado está narrado en el libro bíblico del Éxodo y narra el descubrimiento del pequeño Moisés, abandonado por su madre en una cesta a orillas del río Nilo, para salvarlo de la masacre de los hijos de Israel perpetrada por el Faraón; La hija del faraón, que fue al río con su séquito, lo encuentra y lo salva, adoptándolo. Los personajes de la escena están representados con vestimentas del siglo XVIII, en particular el vestido de la princesa destaca por su riqueza y suntuosidad; el único elemento exótico es la presencia de un sirviente negro en la secuela, mientras que el fondo también remite a un paisaje del norte de Europa, con una espesa vegetación boscosa. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco del siglo XI.

Óleo sobre lienzo. La gran escena, ambientada en un paisaje montañoso, con un pueblo y ruinas al fondo a la izquierda, está completamente ocupada por el grupo compacto de numerosas figuras vivientes: sentada en el centro, la familia del pastor, observando a su compañero sosteniendo al pequeño en sus brazos en pañales; A su alrededor, los animales, desde el fiel perro pastor hasta los animales del rebaño, ovejas, cabras y vacas, también descansan. Destaca el gran naturalismo de las figuras animales, que remite como modalidad pictórica a las obras de la escuela de Philipp Peter Roos, conocido como Rosa da Tivoli (1657-1706), pintor alemán considerado uno de los mejores pintores de animales activos en Italia en el siglo XVII, caracterizada por la peculiar capacidad de evocar el vellón y la apariencia de los animales. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco dorado de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. Primer lienzo y montado sobre bastidor original. Ambientada en una prisión, la escena presenta a San Ambrosio obispo que dirige hacia el cielo al personaje de su derecha, un soldado con la Cruz al cuello, identificable como San Víctor, soldado romano originario de Mauritania, que sirvió en Milán en el época de Maximiano y que fue martirizado por su fe cristiana. Fue el obispo milanés quien relató la vida y el martirio del santo en uno de sus escritos y difundió su culto. A la izquierda, otro probable mártir de la fe, que presencia la proclamación de la bienaventuranza de su compañero de celda; A su alrededor, numerosas figuras más de condenados. La pintura octogonal probablemente pertenece a una serie dedicada al culto del Santo Obispo de Milán. El lienzo requiere restauración y limpieza, presentando varias manchas y cortes (un desgarro en el centro, otros menores en los laterales).