PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN - Page 9

Huile sur toile. Milieu du XIXe siècle. La grande scène raconte un épisode historique non identifié, se déroulant à l'époque de la Renaissance, dans lequel un archevêque écoute la supplique d'un jeune homme en armes, accompagné de sa mère, qui soutient sa supplique. Le décor est à l'intérieur de la salle de réception du haut prélat, vraisemblablement dans le palais épiscopal, qui de la loggia en arrière-plan donne sur la cathédrale, dont on aperçoit le dôme ; l'évêque est entouré de ses subordonnés et de ses gardes, tandis que différentes personnes du peuple assistent. Particulière est la présence de l'homme assis au premier plan à gauche, qui regarde vers le spectateur et pointe la scène, comme s'il la racontait. L'atmosphère se joue sur les contrastes entre lumières et ombres, entre les couleurs vives des personnages dominants par rapport aux tons ternes et feutrés des personnages environnants, qui ont littéralement tendance à disparaître dans l'ombre aux limites de la scène. L'œuvre s'inscrit dans cette grande production du XIXe siècle qui s'appuyait sur le sujet historique ou littéraire, le reproposant dans une tonalité romantique. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un important cadre de la seconde moitié du XIXe siècle, avec quelques manques.

Huile sur toile. École nord-européenne du début du XIXe siècle. En effet, au premier plan, les personnages d'une petite famille descendant d'une sorte de traîneau en bois, rempli de paille et tiré par un cheval, se détachent dans un paysage de campagne aride avec des traces de neige. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre en bois doré de style, avec plusieurs parties manquantes.

Huile sur panneau. Ecole d'Europe du Nord de la fin du XIXe siècle. Dans la composition à l'intérieur d'un hangar, le gibier chassé repose sur un niveau ; à gauche, le museau du chien de chasse apparaît mais est tourné vers un nid rempli d'oiseaux gazouillants, situé au-dessus du manche de la voiture vue à droite. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Aperçu du Cloître de la Cathédrale de Monreale

Technique mixte, avec toile, panneaux de bois, fils métalliques, petites perles, etc. En bas au centre se trouve le nom de l'artiste, non identifié. Il s'agit d'une reconstitution tridimensionnelle et en perspective du cloître de la cathédrale de Monreale, avec la fontaine au premier plan. L'œuvre est présentée dans une vitrine au cadre doré du début des années 1900.

Disciple de Peter Paul Rubens

Huile sur toile. Le tableau dérive de l'œuvre de Rubens (1577 -1640) conservée au musée du Prado à Madrid, reproduite comme contrepartie dans la gravure de Paulus Pontius (1603 -1658), qui apparaît également dans cette version. Au centre de la scène, à la verticale, se trouve la figure de Marie, dont le visage est inspiré de celui d'Isabel Brandt, la première épouse du peintre flamand, décédée en 1626 à l'âge de 35 ans. La Vierge tient dans ses bras l'Enfant Jésus, qui la regarde tendrement mais gravement dans les yeux, tandis qu'une petite main se pose sur le sein découvert de sa mère, dont il vient d'être nourri ; derrière, debout, sainte Anne entoure les épaules de sa fille et de son petit-fils d'une étreinte tendre et protectrice, en souriant avec complaisance : Sur le côté gauche, un peu à l'écart et dans l'obscurité, Joseph observe, pensif et inquiet : c'est la seule figure humaine qui ne s'intègre pas dans la lumière émanant du visage de l'Enfant, rayonnant sur celui de Marie et, par réflexion, également sur celui de Sainte Anne. Par rapport à l'œuvre du maître, la composition des figures est respectée, mais plusieurs détails varient, notamment dans les vêtements de sainte Anne, de Marie et dans la draperie qui entoure les hanches de l'Enfant, ce qui renforce l'hypothèse qu'il s'agit de l'œuvre d'un suiveur du maître flamand. La peinture, restaurée et reteinte, est en bon état, avec seulement une éraflure dans la couleur en haut au centre.

Huile sur toile. École d'Italie centrale du XVIIe siècle. Cette représentation inhabituelle et particulière présente à gauche les trois personnages de la Sainte Famille, avec Jésus déjà enfant, assis à table et bénissant le simple repas qu'ils s'apprêtent à prendre (composé de fruits et de pain). La scène, un sujet représenté plutôt rarement et habituellement avec un caractère plus sacré en raison de la présence d'anges servant la nourriture à la famille, a ici plutôt la saveur d'une intimité domestique très normale et très simple. D'autre part, tout autour de la Sainte Famille se détache majestueusement un aperçu d'une ville de la Renaissance, avec de hauts bâtiments dotés de loggias et de colonnades, présentés dans un bel effet de perspective qui mène, à l'extrême droite, au mur d'entrée d'une ville richement touffue, probablement Jérusalem. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Huile sur toile. École d'Europe du Nord de la fin du 19e siècle. Signature non identifiée en bas à droite. Le portrait présente un enfant dans un contexte marin : il est assis sur un rocher au bord de la mer, habillé en marin et tenant un petit voilier en jouet. L'enfant est plutôt compact et sérieux. Le tableau présente de légères déchirures de la toile et des taches de couleur. Il est présenté dans un imposant cadre de la fin du XIXe siècle, avec plusieurs manques et chutes de décorations en plâtre.

Huile sur toile. École italienne du XVIIe siècle. La grande composition présente divers aliments sur une table de cuisine : à gauche, un grand panier en osier rempli de légumes, surmonté d'un groupe de poissons suspendus ; d'autres légumes sont placés sur le plateau de la table, à côté d'une assiette de cerises, l'un avec une miche de pain, et plus loin un autre avec des crevettes ; à droite, un vase rempli de fleurs multicolores et, assis sur le haut d'une armoire, un chat noir qui se lèche tranquillement la patte. La netteté des couleurs ressort, renforcée par les reflets de la lumière sur certains aliments, comme les cerises ou les crevettes, et sur la cruche en cuivre devant les fleurs. Le tableau, restauré et retouché, est présenté dans un cadre en lattis.

Huile sur toile. École toscane du 17e siècle. Selon la tradition chrétienne, sainte Véronique est la "femme pieuse" qui, voyant la passion de Jésus portant la croix et son visage maculé de sueur et de sang, l'essuya avec un linge, sur lequel restait l'empreinte du visage de Jésus. Véronique apparaît également au centre du tableau, tandis que deux anges sur les côtés tiennent le linge sur lequel est imprimé le visage du Christ, couronné d'épines ; en dessous, un calice recueille symboliquement le sang divin, tandis qu'au-dessus du théta de la sainte plane l'Esprit Saint. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur contreplaqué

Charles Moody (1979), huile sur contreplaqué. Signé au dos. Le œuvre a été exposée à l’exposition solo « Borderland » à la Galerie de 8 à Milan Corso Venezia, comme en témoigne le papier à l’arrière lable. Charles Moody a obtenu son diplôme en 2003 au Art Institute de Boston et, après trois ans à Milan, choisit de vivre à New York. Dans son art que l’accent au procès (l’art conceptuel, art de processus) plutôt que dans le contenu de l’image et c’est dans cette ferraille que la peinture est à son meilleur. Un art qui a été créé par la réception des images de la télévision (films, presque jamais) et en particulier de feuilletons populaires. Travail de Moody va au-delà de l’image de médias de masse en personnalisant la sélection d’images spéciales qui, selon lui, offrent un potentiel narratif ; sont les images de transition, des moments de transition d’une scène à l’autre. L’artiste utilise une peinture à l’huile manuelle pour reproduire la qualité médiocre de l’image télé vantant le « flou » de blur. Nous sommes confrontés à une perte de dimension spatiale, dans une temporalité confondu-diffuser-immatériel qui est difficile de reconnaître les limites (« Borderland »). Ces distorsions perceptives, dans laquelle se dilate se dilate, chaque toile représente une « indiscernibilità » dans laquelle la reconnaissance de l’objet qui prend la deuxième place. Le temps de Moody est ni chronique ni histoire mais suspension. (De « Charles Moody, zone frontalière », organisée par Gianni Romano, exhibition catalogue, CorsoVeneziaOtto, novembre-décembre 2009)

Peinture à l'huile sur toile. En bas signé Cornienti et daté 1844 ; au revers, écriture attribuée à Cherubino Cornienti. Il n'est pas possible de confirmer cette attribution à l'important peintre du XIXe siècle, représentant du romantisme qui a réalisé des portraits, des scènes historiques mais aussi divers sujets religieux. L'ouvrage présenté ici propose l'épisode évangélique de la Résurrection de Lazare, avec un décor oriental adapté au sujet. L'œuvre restaurée et regarnie est présentée dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. La composition présente au centre un lièvre suspendu, flanqué de quelques cailles et d'un pigeon ; sur le côté droit, un panier en osier contenant des châtaignes et des branches de pin ; sur le côté gauche une botte d'asperges et un vase de fleurs colorées, dont les couleurs vives et vives créent un contraste chromatique avec les autres éléments, le tout dans des tons marron et gris. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre réutilisé du XIXe siècle.

Nature Morte avec Poissons

Huile sur toile. La scène, plutôt sombre, se déroule dans un intérieur de cuisine rustique, avec des casseroles en cuivre posées sur une table, ainsi que deux poissons et quelques légumes. Le tableau rappelle par son style et son sujet Felice Boselli, peintre émilien connu surtout pour ses natures mortes, dont il a produit une centaine d'œuvres représentant principalement du gibier, des poissons et des animaux de la basse-cour. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien réaménagé.

Nature Morte avec Chasse

Huile sur toile. La scène, plutôt sombre et se déroulant en plein air, comme en témoignent les silhouettes des arbres à l'arrière-plan, montre plusieurs oiseaux de chasse posés sur le sol ou suspendus par les pattes aux branches. Le tableau rappelle par son style et son sujet Felice Boselli, peintre émilien connu surtout pour ses natures mortes, dont il a produit une centaine d'œuvres représentant principalement du gibier, des poissons et des animaux de basse-cour. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre ancien réaménagé.

Huile sur toile. La scène raconte l'épisode biblique du livre de l'Exode dans lequel le bébé Moïse, que sa mère avait confié au fleuve dans un panier pour le sauver du massacre des enfants mâles israélites (ordonné par le pharaon d'Égypte pour éviter que le peuple israélite ne devienne trop nombreux et ne se rebelle contre l'esclavage), est trouvé par une servante de la fille du même pharaon, qui décide de l'adopter et de le sauver. La scène, qui se déroule le long du fleuve, est entièrement occupée par les figures féminines de la suite princière, serrées les unes contre les autres et projetées vers le coin inférieur droit où se trouve le panier avec le nouveau-né. Tous les regards sont également tournés vers l'enfant, dans la direction indiquée par le bras tendu de la femme au premier plan à droite. La rondeur des formes féminines ressort, en particulier celle des trois personnages du premier plan, où les jeux d'ombre et de lumière font ressortir les carnations émergeant des vêtements. Restauré et retouché, le tableau est présenté dans un cadre.

Rovereto, 1920

Huile sur panneau. Signée en bas à gauche. Titre et date au crayon au verso. Riccardo Viriglio, peintre paysagiste de Pavie, a représenté des vues urbaines, principalement de sa ville, et des vues paysagères, principalement de la Lombardie. La photo représente une vue du village de Roveleto, un petit village de la campagne piémontaise situé au pied des collines préapennines. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Saint-Georges 1992

Huile sur table. Signé en bas à droite. Au dos, en cyrillique, il y a le titre, la date et le lieu à Bergame. L'artiste lituanien, qui vit et travaille actuellement entre Moscou, l'Italie et le Royaume-Uni, est considéré comme l'un des artistes russes contemporains les plus importants. Dans sa grande production, il y a des paysages, des natures mortes, de nombreux portraits de personnes célèbres et ses compositions surréalistes, expression de sa "vision onirique" particulière de la réalité. Toujours dans ce tableau, bien que dans le style des icônes traditionnelles, la représentation du célèbre Saint-Georges est proposée dans une clé surréaliste qui fait référence à De Chirico, où une oie se substitue au dragon, la tête du saint est un œuf, en décrire là , ils sont les chiffres de magiciennes ..... une interprétation clairement peu orthodoxe! La planche a une fente verticale. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole d'Europe centrale. La scène se déroule dans la boutique d'un barbier, qui a l' intention de couper les cheveux d'un homme sous l'œil vigilant d'autres clients et, surtout, de certaines femmes avec des enfants, dont l' observe même le résultat de l'Opéra. Les lunettes ont été introduites dans l'art d'abord comme signe de distinction, puis aussi comme signe d'attention scientifique, délimitant progressivement la figure du savant, du médecin et du chirurgien : dans cette toile, elles soulignent en fait l'ironie de la scène, utilisée comme un outil pour un examen féminin attentif de la coupe de cheveux de son conjoint ! Toute la scène est remplie de personnages, peints de manière brute et presque grotesque, avec des expressions et des poses très marquées, presque théâtrales, également soulignées par des couleurs vives. En raison de ces caractéristiques, la peinture se intègre bien dans la production de scènes de genre de dessin sur la vie populaire capturé dans ses moments les plus animés et caractéristiques, qui a été calculée à compter du dix - septième siècle en Europe centrale, en particulier aux Pays - Bas, pour les remplacer par des sujets plus légers étaient des peintures naturalistes et religieuses, et qui en Italie trouvèrent une expression particulière dans l'"école Bamboccianti", développée à Rome par des peintres flamands et italiens. Le tableau a été restauré et regarnisé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Scène de siège

Huile sur toile. A l'extérieur des fortifications d'une ville, un chef, entouré de ses soldats, s'apprête à allumer la mèche du canon. L'armée défend la citadelle en dehors des murs et les soldats scrutent l'horizon à la recherche vers le bas: ce qui nous conduit à placer la scène sur les fortifications d'une ville, en particulier ceux de Gênes qui montent sur les montagnes derrière et à partir de laquelle les Génois défendait la ville des attaques de la mer; l'emplacement à Gênes est attesté par la bannière qui flotte au-dessus des murs, le drapeau Croce di San Giorgio (croix rouge sur fond blanc) de la République de Gênes. La forme de l'armure, des armes et des vêtements ferait référence au siège de Gênes en 1522. Il s'agit donc de la représentation au XIXe siècle d'un épisode historique, qui fait donc partie de cette production picturale répandue en Italie au XIXe siècle, inspirée par le nouveau roman historique proposé par la littérature. Au dos du cadre se trouve le nom G. Boni, accompagné d'un numéro faisant référence à la participation à une exposition officielle. Giovanni Boni fut un élève de l'Académie de Brera, en particulier un disciple de Giuseppe Sogni, un artiste qui, parmi les premiers, privilégiait la peinture historique dans ses déclinaisons romantiques innovantes. On ne sait pas grand-chose de Boni, ni du point de vue biographique ni de sa production. De son attribution certaine, nous ne connaissons que le Nu d'homme (académie peint) avec lequel il remporta le premier prix de la Scuola del Nudo de Brera en 1852. L'œuvre exprime les figures et le pathétique de la scène avec une efficacité expressive ; les personnages au premier plan sont très bien caractérisés dans leurs poses, leurs expressions, dans les détails des vêtements et des armes, tandis que les autres personnages se fondent dans l'arrière-plan, suggérant la présence d'une grande armée. Le tableau, toujours sur la première toile, montre de petites gouttes diffuses de couleur. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture sous verre. L'œuvre semble composée d'une gravure appliquée sur le verre et peinte au dos. L'Apôtre Saint Pierre est représenté, attentif à la prière et écoutant la voix divine qui vient du ciel ouvert au-dessus de lui ; selon l'iconographie traditionnelle, Pierre a avec lui un trousseau de clés, signe de son investiture comme premier chef de l'Église, et un coq, qui rappelle au contraire l'épisode du reniement de Jésus : le Christ lui avait prédit que lors de sa Passion, Avant que le coq ait chanté, Pierre l'aurait renié trois fois, et il en fut ainsi.

Huile sur toile. Il s'agit d'une représentation picturale d'un épisode tragique très probablement antisémitique. À droite un militaire en Russe uniforme, de retour à maison blessée, il se retrouve devant les yeux la scène dramatique de la famille massacrée, que le rabbin est en train de veiller en prière. La fenêtre cassé, les tiroirs retourné, montrent l'irruption forcée des assassins. À gauche du miroir nous trouvons une inscription en Hébreu qu'il pourrait suggérer la localisation ou la trace qui propose. Le mot pourrait être traduit avec du "Ciro", et il pourrait se référer à la zone de la Géorgie et Azerbaijan traversés par le Kura,fiume que de la Turquie il se jette dans le Mer Caspienne, note connue en le 800 comme Ciro. La peinture restaurée et réintolé est présenté en cadre de 800.

Huile sur toile. XVIIe-XVIIIe siècle École émilienne. Il s'agit d'une copie précoce du célèbre panneau du Corrège, intitulé La Madonna di San Girolamo ou Il Giorno (Notre-Dame de saint Jérôme ou Le Jour), datant d'environ 1528 et aujourd'hui conservé à la Galerie nationale de Parme. Le sujet de la représentation est la présentation par saint Jérôme à Jésus de la traduction de la Bible de l'hébreu au latin populaire, un travail que le saint a réalisé à la demande du pape Damase et qu'il a achevé en se cachant dans la solitude de la grotte de Bethléem. Dans le tableau, le centre de la scène est occupé par Marie, assise avec l'enfant Jésus dans les bras. Autour d'eux, plusieurs personnages sont disposés en demi-cercle. Sur la gauche se tient la puissante figure du vieux Jérôme, qui regarde l'Enfant, le rouleau de traduction à la main, et le lion, son compagnon ermite, accroupi à ses pieds. Sur le même côté, un ange brandit la Bible et s'adresse en souriant à la Vierge à l'Enfant. De l'autre côté se trouve la Madeleine, semi-allongée, embrassant affectueusement le petit pied de l'enfant qui, à son tour, lui caresse les cheveux, dans un geste intime qui souligne le lien intense entre les deux personnages. Derrière Madeleine, un petit ange fronce le nez en reniflant le pot d'onguents de la sainte pénitente. La scène se déroule sous un rideau rouge, ouvert sur un vaste paysage. Le tableau de Corrège a connu un tel succès qu'il en existe de nombreuses copies et répliques antiques, dont celle présentée ici. L'œuvre, restaurée et retouchée, est présentée dans un cadre ancien du même âge.