PEINTURES EN LIGNE | GALERIE D'ART ANCIEN ET CONTEMPORAIN

Huile sur toile. Ecole française du XVIIIe siècle. La scène représente le moment où une élégante jeune femme arrive sur le lieu d'une fête en plein air : elle descend de sa voiture de campagne, tirée par des chiens, vaillamment aidée par un jeune monsieur. Autour d'elle, la servante, toujours sur le carrosse, tenant le parasol, les autres jeunes filles de son entourage et l'aubergiste qui accueillent la dame, et s'apprêtent à monter le banquet avec les vivres contenus dans le panier. Les couleurs vives des personnages animent l'environnement rural, tandis que la robe blanche du protagoniste se démarque et illumine la scène. Le tableau, sur la première toile, présente des traces de restauration et de petites gouttes de couleur. Il est présenté dans un décor du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Dans la belle composition, on peut voir, posés sur un buffet en bois marqueté, un panier plein de cerises, dont certaines sont éparpillées sur le dessus, et une assiette pleine de groseilles rouges, mélangées avec des feuilles et quelques fleurs de cerisier. Un chardonneret repose sur l'anse du panier ; pour encadrer la composition, à droite un grand bouquet de fleurs multicolores dans un vase, à gauche un rideau rouge. Les couleurs vives des fruits, des fleurs et du rideau ressortent, tandis que le meuble de support se fond dans le fond sombre, tout comme le petit oiseau, ne se distinguant du fond sombre que par le plumage blanc des ailes et le contour rouge du les yeux. L'œuvre fait partie de la grande production émilienne du XVIIe siècle de ce type de sujet très décoratif. La peinture, restaurée et rentoilée, présente une fissure marquée et des gouttes de couleur le long des bords.

Huile sur toile. Ecole lombarde de la fin du XVIIe-début du XVIIIe siècle. La composition riche offre un grand bouquet de fleurs colorées dans un vase en relief, à côté de deux grandes citrouilles et de fruits mélangés (raisins et pêches) : avec différentes intensités de couleur, les différents éléments naturalistes émergent du fond complètement sombre, créant des effets de lumières et les ombres. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Sans Titre

Technique mixte : photographie retravaillée avec applications de cire et superposition de panneau de plexiglas peint. Eva Petrič, une artiste d'origine slovène qui travaille actuellement entre New York, Vienne et Ljubljana, crée des photographies, des vidéos, des performances et des installations, dans lesquelles le but est de "créer un espace", qui peut être un espace physique, plutôt qu'un , imaginaire. ou métaphorique plutôt que réel. Dans ses productions c'est souvent elle-même, son corps ou son ombre, le personnage sur lequel elle élabore alors une « vision » particulière, un thème, superposant d'autres éléments différents pour créer une nouvelle dimension spatiale. Attaché à l'œuvre, extrait du catalogue relatif à l'exposition d'Eva Petrič à la galerie Suppan à Vienne en 2007

Nature morte

Huile sur toile. Signé en haut à droite. Le peintre d'origine calabraise Enotrio Pugliese, en art seulement Enotrio, préférait la peinture de sujets liés à sa patrie, la Calabre, dans des paysages mais aussi dans des natures mortes d'objets populaires, de la vie quotidienne simple, comme la composition présentée ici. Le tableau est présenté dans un cadre.

Composition 2004

Technique mixte sur toile, appliquée sur carton. Au dos la signature, le titre et la date de l'œuvre. Après une première période de style figuratif, le peintre milanais Mario Arlati trouve bientôt une nouvelle dimension, qui deviendra caractéristique de toute son œuvre. À Ibiza, en effet, où il a souvent vécu depuis les années 1970, il a découvert et fait sienne l'informalité matérielle de l'école espagnole qui, fusionnée avec la dimension sauvage de l'île, donne vie à des œuvres d'une grande cohérence dans lesquelles l'artiste déplace littéralement la matière : lacérations, rayures, stratifications, couleurs, mais aussi énergie, geste, émotions, poésie. La matière d'Arlati est une représentation de son âme intime, faite de sentiments, d'émotions et d'évocations du paysage. L'œuvre est montée dans un coffret en plexiglas

Crayons sur papier. En bas à droite, signature et date 1930 incohérentes. Dans une campagne ordonnée, une chaumière se dresse à gauche avec des vêtements suspendus au soleil sur des lignes extérieures ; à droite, un homme en béquilles marche le long de la route, tandis qu'un autre allume une cigarette sur la berge au-dessus. Au centre, un lampadaire divise la scène en deux. L'oeuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. Il s'agit du portrait d'homme en armure, accompagné de l'inscription « Paulus Maria Castellanus LT Gare » en haut à droite. Le mot Castellanus pourrait être le nom de famille, très répandu et identifiant l'habitant d'un château, pas nécessairement le seigneur mais un membre de la famille. Le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Le Conte d'Apollon et de Marsyas

Huile sur toile. Ecole italienne du nord du XVIIe siècle. La grande toile dérive d'une gravure de 1562 du Vénitien Giulio Sanuto, qui a fidèlement reproduit l'œuvre homonyme de Bronzino (1503-1572), actuellement conservée à l'Ermitage ; par rapport à l'original, la gravure ajoute le groupe des Muses et modifie le fond du paysage en introduisant des vues de villages. L'œuvre est divisée en quatre scènes, qui doivent être lues de droite à gauche. La première scène représente le concours musical entre Apollon et le Silène Marsyas, qui jouait si bien de la flûte qu'il était considéré comme supérieur au même dieu ; les deux prétendants se produisent, le dieu avec la lyre et le silène avec la flûte même à l'envers (pour augmenter la difficulté de l'entreprise), devant le roi Midas et la déesse Minerve, reconnaissable à ses attributs, le casque, la lance et le bouclier. Dans la deuxième scène, Apollon a l'intention d'écorcher Marsyas, pour le punir d'avoir remporté le concours musical; s'appuyer sur le sol à côté de lui, son manteau et sa lyre. Dans la troisième scène, c'est le roi Midas qui est puni par le dieu pour lui avoir préféré Marsyas : Apollon met les oreilles de l'âne sur Midas, tandis que Minerve regarde. Enfin, la quatrième scène, au premier plan à gauche, est caractérisée par une figure particulière, identifiée chez le fidèle serviteur et barbier du roi : puisque Midas lui avait ordonné de garder le secret sur ses oreilles d'âne, ne pouvant laisser à bout de souffle sinon, il a creusé un trou dans le sol et y a crié son secret ; à cet endroit, cependant, la légende raconte qu'un buisson de roseaux a poussé qui, avec le vent, a murmuré "Le roi Midas a des oreilles d'âne", révélant ainsi le secret redouté. La peinture a été précédemment restaurée et regarnie, mais nécessite actuellement une récupération de couleur supplémentaire. Au dos au crayon il y a une ancienne attribution à l'école de Ferrara ("Ercole da Ferrara"). Il est présenté dans un cadre de style fin XIXème.

Huile sur toile. Ecole italienne du nord des XVIIe-XVIIIe siècles. Dans un grand paysage vallonné plutôt aride, qui s'élargit et s'estompe vers la droite, se trouve un haut rocher, en forme d'arc, sous lequel se trouve saint Jérôme pénitent, représenté en acte de prière et d'adoration de la Croix. Conformément aux canons de la peinture des XVIIe-XVIIIe siècles, la figure du Saint, adaptée à l'iconographie dans ses vêtements et son attitude, s'insère cependant dans un paysage incohérent, proche de celui du peintre qui puisait dans la réalité paysagère connue de lui. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Composition avec Carafe

Huile sur toile. Signé en bas à droite. La composition renvoie à la production de Sante Monachesi dans les années 1940 et 1950, dans laquelle l'artiste, après des débuts proches du futurisme, exprime sa poétique figurative à travers des compositions synthétiques qui s'étendent, laissant place à de grands champs chromatiques, inspirés par le néo-cubisme. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Infinitesimi 6, 2005

Impression photographique sur aluminium et plexiglas. Au dos la signature, le titre et le numéro de série 1/5 gravés dans l'aluminium. Une étiquette de la Galerie Italienne de Photographie est également présente avec les données complètes de l'œuvre. L'artiste lucanien mais résidant à Milan, initialement connu pour la photographie en noir et blanc, a entamé au début du XXIe siècle un nouveau chemin de recherche sur la couleur. Il comprend l'exposition personnelle réalisée en 2005 à la Galerie Photo de Milan, intitulée Aspiration, dont il était dit : "Pas de narration, pas de réalité reconnaissable, seulement des évocations obtenues par l'évaporation des couleurs, dans de nombreux nuages ​​épars : plus de peinture que photographie". L'œuvre présentée ici s'inscrit dans cette tendance.

Les Bouches de Naples gemissent de Terreur ou de Plaisir 1969

Encre sur papier. Signature, date et titre ci-dessous. Accompagné d'une authentification sur photo de la Galleria Giò Marconi à Milan et d'un cachet d'archives privées. C'est le dessin du jeune artiste qui est rapidement devenu l'un des représentants les plus importants du surréalisme mondial, qui était poète et peintre, mais aussi cinéaste, critique d'art et de cinéma, photographe et dessinateur humoristique. Né dans le nord de la France, il s'installe en 1927 à Paris, où il entre en contact avec un groupe de jeunes poètes et philosophes, avec lesquels il fonde le mouvement du ''Grand Jeu'' : le jeu est compris comme un art de vivre. Depuis 1928 il collabore à des textes, des poèmes et des dessins pour la revue du mouvement et entre-temps il collabore comme éditeur et reporter à divers journaux parisiens. En 1932, ayant épuisé l'expérience du `` Grand Jeu '', il passe à le mouvement surréaliste, collaborant à ses publications et participant à ses expositions. Son humour se tourne vers l'insolite et la cruauté, dérisoire de plus en plus de l'absurdité du quotidien, du côté tragique de l'existence commune, auquel l'esprit et l'inconscient se rebellent, tentant d'accéder à l'inobservable. Connaît Salvador Dalí. En 1939, il débute également son activité de cinéaste.En 1941, sa première exposition personnelle a lieu à Paris : le premier acheteur est Pablo Picasso. Participe à toutes les expositions surréalistes, dont celle internationale de 1947 à Paris. En 1951, pour des raisons tenant à la discipline interne du groupe, il abandonne avec d'autres le mouvement surréaliste, tout en continuant à en pratiquer la poétique. En 1955, il se passionne également pour la photographie. Depuis 1968, il se consacre presque exclusivement à la peinture, abandonnant l'activité de dessinateur humoristique. La même année, il s'installe définitivement à Milan : en Italie, il expose dans diverses expositions personnelles, celles de Milan à la Galleria Marconi. L'œuvre présentée ici, un dessin de jeunesse, provient d'une importante collection privée milanaise. Il est présenté dans un cadre.

Fille aux Roses

Huile sur carton. Signé en bas à gauche. Tito Corbella s'est imposé comme peintre mais surtout comme affichiste, créant des affiches et des cartes postales. Dans sa production, les sujets féminins prédominent, des figures élégantes et romantiques, créées avec des couleurs délicates. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. L'épisode sanglant du sacrifice d'Iphigénie, également raconté dans l'Iliade, trouve son origine dans la colère d'Artémis, déesse de la chasse, qui, offensée par Agamemnon pour ses vantardises de chasseur, empêcha la flotte grecque de mettre le cap sur Troie ; le devin Calchas prophétise alors que la colère de la déesse ne peut être apaisée qu'en sacrifiant la plus jeune fille du roi Agamemnon lui-même, Iphigénie, et c'est ce qui arrive. Au centre de la scène, la jeune fille est représentée prosternée au pied de l'autel sacrificiel, alors qu'elle est préparée par les prêtres selon les rituels ; dans le coin gauche, on aperçoit son père Agamemnon (avec la couronne abandonnée à ses pieds) avec sa mère Clytemnestre qui, désespérée, n'ose pas regarder. Ci-dessus, la déesse Artémis assiste à la scène, reconnaissable à la lune dans ses cheveux, à l'arc à la main et à un cerf, son animal symbolique, au pied du dais : selon une version moins violente du mythe, à au moment du sacrifice Iphigénie elle est remplacée par Artémis avec une biche, comme pourrait l'indiquer la présence de l'animal dans cette représentation. L'œuvre présentée ici dérive du tableau de Pietro Testa, publié entre 1640 et 1642 (aujourd'hui à la Galleria Spada de Rome) et de ses gravures : toute la composition des personnages en est tirée, bien que modifiée dans les vêtements, les couleurs et dans divers détails. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle, contemporain de la restauration.

Huile sur toile. École romaine du XVIIe siècle. Dans la mythologie classique, la déesse Vénus, épouse de Vulcain, lui fit forger des armes pour son fils Énée. Dans la scène, qui se déroule dans la grotte où se trouve la forge, Vulcain est en effet en train de forger une armure sur l'enclume, avec l'aide de ses assistants, tandis que Vénus, accompagnée de son fidèle Amour, arrive pour vérifier le travail. Thétis, la nymphe marine mère d'Achille, a également commandé des armes pour son fils au même dieu Vulcain, afin de le protéger pendant la guerre de Troie. Restauré et rentoilé, le tableau présente une perte de couleur en haut à droite. Il est présenté dans un cadre du début du XXème siècle, contemporain de la restauration.

Huile sur toile. Le portrait d'un gentilhomme est accompagné de l'inscription « Paulus Castellanus Sanator » en haut à gauche. Le mot Castellanus pourrait être le nom de famille, très répandu et identifiant l'habitant d'un château, pas nécessairement le seigneur mais un membre de la famille. Le terme Sanator identifie l'homme comme un guérisseur, le médecin de famille. Le tableau est présenté dans un cadre ancien.

Huile sur toile. Le sujet représenté raconte un épisode biblique de l'Ancien Testament : Suzanne, la belle et chaste épouse de Joachim, un riche juif, est menacée par deux juges du peuple âgés alors qu'elle prend un bain dans son jardin. Cet épisode a été largement reproduit dans l'art, comme occasion d'exaltation de la beauté féminine et de condamnation de la volupté pécheresse. Dans la scène, la figure féminine de Suzanne, légèrement vêtue, est assise au premier plan à gauche, sur la balustrade d'une fontaine jaillissante du jardin, bien décidée à y plonger, mais désignant de la main les deux vieillards de droite, qui, cachés derrière un buisson, l'épient. Inhabituelle dans la scène, la figure de l'autre femme, probablement une servante de Susanna, également légèrement vêtue, probablement introduite pour exalter davantage la nudité féminine. Le jardin de la villa apparaît en arrière-plan, caractérisé par des parterres de fleurs symétriques et réguliers. Autre particularité, la présence, au loin, derrière la tête de Susanna, de trois figurines stylisées, qui semblent courir vers elle, peut-être pour l'avertir du danger. L'œuvre, sur la première toile, présente une légère fissure en haut à gauche, et des taches de peinture ponctuelles. Il est présenté dans un décor du début du XXe siècle.

Huile sur toile. Saint Joseph est représenté avec l'Enfant Jésus dans ses bras, et de l'autre main il tient le bâton fleuri surmonté d'un lys, symbole de sa pureté. Restauré et regarni, il est présenté dans un cadre antique réutilisé.

École flamande du XVIIème siècle. Huile sur panneau. La sainte pénitente est reconnaissable à ses attributs, le pot d'onguents, le livre et le crâne. Signé en bas à gauche "VD Werff". Cachet de cire d'exportation XIXème au dos. Il y a des fissures longitudinales dans le tableau. Présenté dans un cadre doré fin 19ème siècle